CARTAS DE LA «REINA RECLUSA» EMILY DICKINSON POR F. MORALES LOMAS

Emily Dickinson, Cartas (Edición y traducción de Nicole D´Amonville Alegría), Lumen, Barcelona, 2009, 294 págs.

Eligió vivir encerrada. Su cárcel mágica fue su casa, la casa de Amherst (cerca de Boston, EE.UU) donde tantas personalidades influyentes se reunieron en otro tiempo y donde hablaba a las pocas visitas que se acercaban a través de una puerta entornada. Emily Dickinson, una de las grandes mujeres del siglo XIX, vivió la poesía y las cartas con una premeditada alevosía, una alevosía literaria y perfeccionista. Su sensibilidad es extraordinaria y también ese desapego (que no al mundo, pues lo vivió intensamente desde su encierro) sino a las cosas. Si acaso, como ella misma escribió en una carta de 1883: “La Crisis del dolor de tantos años es lo único que me cansa”. Porque, aunque no admitiera ser visitada por nadie consecuencia de su estado depresivo permanente («postración nerviosa», decía el médico; acaso heredado de su madre, de la que dijo que nunca la tuvo) desde aproximadamente 1861 hasta su muerte el 15 de mayo de 1886, sí escribió múltiples cartas a gran cantidad de personas y su correspondencia fue relevante (también su amistad) con poetas de la época, por ejemplo, con Helen Hunt, la poeta norteamericana más célebre del momento.
Sus más de mil setecientos poemas y más de mil cartas muestran que el encierro no supuso alejamiento de la vida sino todo lo contrario, vivirla profundamente, en intensidad y fortaleza. Su casa era la casa del corazón, la casa del alma... pero también la tumba. Y fue su autoprivación lo que eligió siguiendo un cierto espíritu calvinista inherente a la familia.
Cartas en edición y traducción de Nicole d´Amoville Alegría, con abundantes notas a pie de página que ofrecen claridad sobre circunstancias y personajes. Estas ciento una cartas son un muestrario de esas mil a las que aludíamos y una inmersión en su mundo. No se muestra en ellas depresiva sin todo lo contrario: vital y activa, muy abierta al mundo, a su observación, a su contemplación. El amor ocupa en ellas una importancia total, sobre todo a raíz del descubrimiento del que fue su gran amor, el juez Otis P. Lord, fallecido dos años antes que ella y al que le dirige unas apasionadas palabras. Un amor correspondido aunque Otis tuviera mujer, que falleció de cáncer en 1877. Hombre inteligente, cultivado y exquisito al que Emily confiesa amar y del que dice, por ejemplo: “Encarcélame en ti –pena rósea- hilvanando contigo este bello laberinto, que no es Vida ni Muerte- aunque tiene la intangibilidad de una y el arrebol de la otra- despertar por ti el Día vuelto mágico contigo antes de irme”. La historia amorosa de Emily Dickinson, sin embargo, ha sido confusa porque se ha transmitido la idea de su lesbianismo, a partir de un desengaño amoroso. También se habla de otros amores: Samuel Bowles, Charles Wadsworth, Otis P. Lord (todos ellos permanentes en sus cartas) y alguien no identificado. También se ha hablado con profusión de que esta vida pasional estuvo reprimida. Puede ser. En cualquier caso, la palabra de Dickinson en estas cartas es vehemente, misteriosa, simbólica, críptica a veces, pero siempre vital. Es curiosa esta paradoja en una persona que estuvo recluida toda la vida por voluntad propia: “De tener menos que decir a aquellos que amamos, a lo mejor lo diríamos con más frecuencia, pero viene la tentativa, luego la inundación, luego todo ha terminado, como decimos de los muertos”. Misterio, sugerencia, fervor de la palabra.
La capacidad para impresionar, para esbozar ideas, para crear un misterio en torno a la palabra es una de sus grandes virtudes como escritora, que no es ajena al escrupuloso uso de la lengua y a no caer en los tópicos y usos comunes del momento romántico o al realismo en ciernes. Las Cartas muestran una creencia extraordinaria en las personas y, sobre todo, en los afectos; desde esas cartas iniciales de 1842, con apenas doce años, cartas largas, engoladas y con faltas de ortografía, a las más contenidas, sugerentes y perfectas de la madurez donde el sentimiento no se pierde pero la lengua se transforma para transmitir la profundidad de las cosas, su sentido último.

CANÍBAL TEATRO DE F. MORALES LOMAS

Publicado en 2009 por Editorial Fundamentos (Madrid)

http://www.editorialfundamentos.es/index.php?section=catalogo&pagina=producto&idioma=es&producto=639292

Jauría canibalesca. Introducción.


Somos predadores rituales por naturaleza. Nos alimentamos de esencias propias de otros individuos, de cerebros ajenos, de sensibilidades intrusas, de labios extraños, de clítoris exóticos, de sueños que nos vienen como médulas para seguir viviendo desde otros confines. Ya en Atapuerca se practicaba un canibalismo ritual. Los cariba o caniba encontrados por Colón en su primer viaje a la Hispaniola lo sabían bien. También los guaraníes, los indios amazónicos, los aztecas, los pigmeos, los nativos de Nueva Guinea… El doctor Hannibal Lector habita entre nosotros.
Goya, en la Quinta del Sordo, decoró el comedor y el salón con la imagen de Saturno devorando a sus hijos, aquel dios mitológico, en realidad Cronos -identificado por los romanos con Saturno-, quien, temeroso de ser destronado por sus descendientes, devoraba a los hijos que daba a luz su esposa Era. Los hijos se los puede usted comer partiéndolos en seis pedazos: cabeza, tronco, brazos, pelvis, muslos, piernas, incluyendo, claro está, manos y pies. Puede incluso partirlos en ocho pedazos, ya que les gustará sacar el hueso redondo de las rodillas recubierto de carne roja.
Pero, si lo prefiere, se puede comer a la persona entera. A mordiscos lentos. Si se harta, lo puede guardar en el frigo para seguir en el desayuno. Pruebe los ojos. Verá qué bocata di cardenale.
¡Cuántas veces su madre, que tanto lo adora y lo ha adorado, le ha dicho: te voy a comer, hijo! Y no les falta razón en muchas ocasiones, y cómo nos gustaría. El caníbal es un defensor de sí mismo, es un defensor de la especie, sólo come a quien ama. La belleza será comestible o no será, dijo Dalí.
Mi teatro es comida social. De todo el cuerpo social se alimenta y vuelve sobre sí una y otra vez, mordisqueando su esencia, sus médulas, sus ojos, sus tímpanos, sus estómagos sociales, sus hígados que devuelven la condición de la sociedad. ¿Nos nos estamos comiendo el cuerpo espiritual con el pan y la sangre de Cristo? ¿No es esto canibalismo ritual?
Mi teatro toma conciencia de la realidad apretando las mandíbulas, aprisionando a su presa, deglutiéndola, saboreándola: es el mayor refinamiento teatral. Y mi teatro tiene el refinamiento de la sangre y la conformación del espíritu hecho sanguinario. La espiritualidad es comestible. Es una bacanal mágica en la que todos somos devorados por todos. Y el escritor-carnicero con el cuchillo-pluma en la mano. El cuerpo social, macizo, indeleble, debe ser devorado, debe ser fragmentado, consumido. La filosofía de la historia se mantiene sobre este principio sistemático de devoradores endémicos que solo tienen la posibilidad de seguir siendo en los otros.
Te comerás a tu prójimo como a ti mismo. Bien sea tu amigo o tu enemigo. Ya lo dijo Freud en Tótem y tabú. Queremos ser caníbales culturales, caníbales afectivos, caníbales enamorados de nosotros mismos y de todo lo que nos rodea. Sólo podemos seguir siendo devorando el cuerpo social, la sangre y el pan que nos ofrece este día a día que tanto afirma nuestra propia realidad y existencia. Hay que hundir la nariz en la carne fresca social, en la carne anciana social, en los entresijos de las médulas. A través de esta ingesta atroz nuestro teatro nos distanciará de nuestras víctimas, nuestro drama se hará más clarificador, más emocional, más divertido, llegando al éxtasis sublime de la inmediatez sádica. Juego de sublimación. Juego teatral.

Wítember, 2007

OBRAS PUBLICADAS

El caníbal
Cosas de familia
El accidente
El banco espiritual
El butanero
El fumador divino
El lagarto
El muerto
Los ídolos
La meditación
El parnaso
El urólogo
Un okupa en tu corazón
La yaya de Mauritania

SAGRADAS PALABRAS OBSCENAS DE GREGORIO MORALES POR F. MORALES LOMAS

Palabras obscenas, palabras sucias, indecorosas, lujuriosas, palabras, siempre palabras para ordenar/desordenar el mundo y sus afectos. Lo recio de su diapasón. Acaso su verbo de lumbre. Las palabras son lumbre y queman. El novelista Gregorio Morales escribe un libro de poemas que queman y suscitan de nuevo a la palabra: “Hay, pues, que rehabilitar las palabras obscenas como algo nuestro, como algo muy íntimo, con lo que hemos crecido y que forma casi parte física de nosotros mismos”.
Gregorio Morales, el más conspicuo representante de la poesía cuántica, había escrito en el pasado importantes obras sobre el erotismo y la palabra eros como musa sagrada. Recordamos su Antología de la poesía erótica (Ed. Espasa ,1998), obra cumbre y necesaria.
Con Sagradas palabras obscenas (Col. Mirto Academia, Ed. Alhulia, 2009) Gregorio Morales se hace palabra, cuerpo y erótica sagrada. Las bóvedas naranjas de los muslos, el tesoro que hierve, el licor de las piernas acuden a la voz del poeta para encumbrarnos en la singladura pero junto a estas metáforas celestes la suculencia del erotismo que también tienen las palabras obscenas: “Meas, amada,/ y tus orines son mocárabes/ de la más bella de las Alhambras”. Durante mucho tiempo fueron prohibidas las palabras. Todavía hoy día en determinados ámbitos las palabras producen miedo o repulsa, pero Morales no desconfía de las palabras, ama las palabras y no distingue sobre su verbo estilizado o sobre la crueldad de su estilismo, de su memoria zafia. Implora su poder de seducción y su capacidad para crear un mundo balsámico: “oh polla, implorante ya desde el amanecer”.
Junto a estas la metáfora cuida su camino de luz y estalla, surgen entonces los cojones, esa palabra de campesino, esa palabra de obrero que tanto llena en el poema, que tanto establece y concede, la virilidad de los cojones, la virilidad para hundir y amar. Acto de absorción y deglución, acto por el sendero del viento y por la fuerza irresoluta del placer. Surgen los espacios que eran prohibición perpetua, el retrete con su sístole/diástole, sus manos ardientes. También la reciedumbre y la voracidad de la serpiente. La palabra de Gregorio Morales se descompone, surca un vuelo ascendente y adquiere una singladura de corazón abierto y la amada se convierte en “mi esterilla de oraciones de carne,/ mi sustento hacia las sombras que hay en mí”. La virulencia de todo lo poderoso que sucumbe: “Qué felicidad pronunciar la palabra prohibida”. Como aquellos personajes de Días de radio que jugaban a decir tacos por la radio, como liberación de todo un pasado de represión y angustia. La palabra puede encanallar cuando no es dicha en libertad y puede ser horizonte de placer, de sentirse a sí mismo en el océano de la dicha.

En dos apartados (“Sagrados dioses lascivos” y “Sagrados héroes impuros”) conforma un poemario de la palabra en la que el erotismo va de la mano de la obscenidad y del afecto en un lenguaje metafórico, lírico, ácido, agradecido a la sonoridad y suculento. Puede haber metáforas diversas sobre el culo, o sobre los cojones, o sobre las tetas, o sobre esas palabras que la verdad del mundo desconoce. Allí aparece el viejo verde, Onián, Murtiox, Finé... Y se hacen anhelantes personajes de una fábula que hemos construido entre todos. En “Eferia” son las tetas, “aquellas dos blancas colinas”, las que recuerdan aquel niño y su memoria de carne. En “Putifar” el hombre amarrado a la esposa de José que trató de seducirlo y no consiguiéndolo lo acusó de intentar violarla: “¡Cómo te gustaría ver a tu mujer/ recibiendo en su lengua la cálida nieve/ de otro,/ dando a beber de sus pechos/ a otro,/ suscitando, tentadora y lasciva/ con los movimientos de sus muslos/ el hambriento deseo/ de otro!”.
También surge la reina de las amazonas, “Hipólita”, la tortillera, una mujer que se busca a sí misma, en su poder y su fuerza, en la simetría de la belleza y la bestia. Acaso también “Circe”, la maga de la isla de Ea; ahora guarra, en el sudor del hombre: “Quiero poner mi boca en tu coño/ y ser penetrado por el acre olor de tu deseo./ Tus efluvios son mis filtros de amor”.
Un poemario que no pasará inadvertido, que se crea en la palabra y la historia sagrada de los cuerpos disipados, los cuerpos amados, los cuerpos en absoluta lascivia y siempre en el éxtasis del que no finge. Del que no quiere ser ese poetilla mojigato que se asusta de las palabras y luego no sabe escribir como folla: “Tú versificas, pero yo versiculo./ Y hundo la lengua entre los carnosos glúteos/ de mi amada, / y desciendo hacia su coño enmarañado de/ sedosos aceites”. El canto de la palabra en alianza con el poder de seducción de dos cuerpos al unísono luchando consigo mismos, luchando en sí mismos y queriéndose y devorándose: “Gimes como una mujer/ Aúllas como un hombre./ Acometes como un hombre./ Tiemblas como una mujer”.

HAIKUS DOMÉSTICOS DE J. M. MESA TORÉ POR F. MORALES LOMAS

Lo pequeño nos alimenta. Yo diría que nuestra propia fragilidad, nuestra nadería nos alimenta. Somos tan grandes como nuestra propia sombra. ¿Dónde “seré” en cinco mil millones de años? Tan importante como el silencio, o casi. Son los haikus domésticos de José Antonio Mesa Toré, alimento a mitad de caballo entre el silencio y la profundidad del tiempo, su paso, su filosofía de escenario para una puesta en escena, una imagen.
También lo son, imágenes, imágenes a medio componer, imágenes que se sostienen sobre el pespunte de las palabras. Casi imágenes. Pero, al fin y al cabo completas. Y complementarias. Complementarias de nosotros mismos. Porque en esos Aburrimientos (Antigua Imprenta Sur, Málaga, 2009) de Mesa Toré está Mesa Toré, sus espacios, su tiempo, su existencia, condensada, sugerida, demediada. Dividido en la serie temporal al uso (verano, otoño, invierno y primavera), añade una quinta estación: “La melancolía/ de la naturaleza. Un bibelot”. Y lo es, porque todo se tiñe de melancolía frente al paso inexorable de las horas. Las horas, que acaso podría decir A. Machado, son esas peligrosas señoras negras. Lo negro de lo que ya no será.
Mesa Toré construye su mundo de pentasílabos y heptasílabos con pequeños detalles de tesela, para llegar hasta el mosaico de la vida, un tapiz de encuentros y desencuentros, de silencios; y su palabra apenas yacente, apenas sugerida, como aquellos cuerpos de la Galería de los Uffizi que apenas hacía falta que salieran de la piedra porque no lo necesitaban, eran cuerpos aludidos, y eran definitivos en su insinuación. Metáforas para lectores inteligentes que no necesitan masticar todas las palabras del discurso en una simbiosis en el que los elementos, los seres, las cosas se unen a la imagen, se pervierten en ellas, son ya otras cosas vistas de nuevo: “No se cansan lo perros/ de oler la luna”. Cripticismo que no oscuridad, presencia vanguardista, dadaísmo, pero también un trasfondo cotidiano de estaciones y paisajes interiores como los escenarios de Bergman. Juego de esencias, como ese “temor de la piscina/ a desnudarse” en el otoño. Acaso tránsito de simbologías, de felicidad consentida y humilde. Canto a las pequeñas cosas pero sobre todo a la proyección sensual, sensitiva de las mismas. Con su acierto de calendarios y contrastes. Un mundo para los afectos, para el sentimiento de lo chico que es el mundo.
Y la necesidad de detenernos a restaurar todo lo nuestro, lo que nos alimenta cada día y nos ennoblece, nos hace más humanos.
¡Cuánto puede dar de sí el silencio y los aburrimientos! ¡Cuánto mundo, cuánta palabra, cuánta esencia!

La canción del outsider de Álvaro Salvador por F. Morales Lomas

Publicado por Visor Libros en 2009. XI PREMIO GENERACIÓN DEL 27.

La vida sigue siendo sentimental y torpe. Así sin duda es la vida: sentimental y torpe, como reza uno de los versos, y algo se desvanece en la memoria y el presente del forastero o el intruso de La canción del outsider del poeta granadino Álvaro Salvador. Conozco a este catedrático de la Universidad de Granada desde que en 1977 me hablaba de la música en la poesía del genio de Nicaragua. Ambos éramos jóvenes. Ahora todo es bastante diferente. Álvaro ha andado un camino poético importante con la poesía de la experiencia en su valija. También profesor él de Luis García Montero, su alumno y amigo. Y ambos construyendo con Javier Egea, Jiménez Millán y otros esta poesía de los 80 que sigue viva en estos versos sencillos, directos, confidenciales y propios de un hombre normal que discurre en la cotidianidad de la mano de una palabra serena y, a veces, desgarrada, una poesía interiorizada y categórica que abandona los aspectos más ligeros de la experiencia para adentrarse en las cavernas de la existencia. La muerte puso algunos frenos a la vida, pero la poesía sigue, ¡cómo no!
Álvaro Salvador, silencioso él, imperceptible, como si pasara sobre la vida como de puntillas, sin hacer ruido. Así se ve en el poema “La canción del outsider”: “Tú, discretamente oculto entre bambalinas. Así fue siempre y así te complace”. Álvaro se pone delante de la vida y se abre paso a través de un día cualquiera, antirretórico, pero sabio porque descubre a cada paso la memoria, lo que fue y lo que es para adentrarnos en la emoción de todo lo cotidiano. Puede ser confidencial y melancólica su poesía, emanada de un paisaje exterior o de una impunidad o de una iniquidad interior. De un despropósito que alcanza oscuras profundidades de bodega, una pandilla de amigos y la memoria, a veces, socorrida de la palabra vulgar: “y correrá a mear/ en un agujero abierto en el suelo”. Pero también lejos. Porque en el poemario la memoria y el viaje se confunden. Así aparece el muelle de Matthews Beachs desde donde recuerda a un hermano que a diez mil kilómetros se adentra en el combate de la muerte. Acaso el mismo a quien considera su dios en “El dios de los peces”, donde recuerda los días en que su hermano le enseñaba a pescar siendo niño. Tan parecido a esa reconstrucción de una vida como la de Sam Murao que acabó por descubrir que “Lo penoso de la vida/ es que uno la conoce/ cuando se acaba”.

Foto publicada por Ideal de Granada
Álvaro era y sigue siendo un escritor abstraído y reconcentrado en su mundo. Un hombre que va desde el interior al exterior y viceversa. Para el que no hay medios nombres ni medias verdades. Y su compromiso es fiel y cierto como si fuera un himno: “Oigo el constante grito que lanzan los hijos de esta tierra,/ ese constante grito que intenta seducirme,/ dominarme,/ que me llena de turbación con su esplendor”. A veces los haikus son un descanso de “casi silencio” en el esplendente poder de la palabra de unos versículos que se alargan en la meditación interior. Haikús con sabor a metáfora y pintura. Y siempre adivinándose, observándose, contemplando su mundo, desde casi ¡ay! una nostalgia. Surge el amor con resolución y eros, desde la contemplación selectiva y el recuerdo en la serie en prosa poética de “El pornógrafo”: “Llegados a este punto, no importa otra belleza que la de la vulva abierta, su volumen, su forma apetitosa, su elegancia, su fuerza”.
De los seis apartados del libro (“El canto de la mañana”, “Poemas del Noroeste”, “Cinco Haikús, dos epigramas y un epitafio”, “El pornógrafo”, “Estación de servicio” y “La canción del outsider”) el penúltimo en tres poemas es el más interesante. El poeta se desdobla y bajo la férula de una escenografía de preguntas retóricas se halla inmerso en la elocuencia de lo misterioso, lo que acecha como herida, como memoria o amores que llenan lo cotidiano y esa presencia de ella, la muerte, ella que llama desnuda, “Blanca, como el silencio,/ rasga por fin el manto de la niebla/ para beber de ti/ para marcharse”. Y una aire elegíaco ocupa la oscuridad presente, los sonidos sordos, el horror y el sufrimiento de tanta gente que ahora es rememorada con compromiso permanente: “Son los trenes/ y vienen de muy lejos./ De Auschwitz unos, otro de Basora,/ los terceros de Gaza, los cuartos de Mauthausen...” Ese tren solitario como era desolada la mujer con alcuza del poema de Dámaso Alonso. A medida que avanzamos hacia el final, las sombras van ocupándolo todo y el paisaje de Nueva Inglaterra se adueña del poema y la insignificancia de lo creado: “Nada puede/ temer quien nada tiene, quien nada/ espera tener, apenas tiempo:/ calor en los inviernos impacientes/ en los cortos veranos, sólo sombra”.

Entrevista a Morales Lomas por Pedro Crenes Castro en Biblioteca Imaginaria

En la dirección que sigue pueden leer la entrevista que Pedro Crenes Castro lleva a cabo al escritor F. Morales Lomas sobre sus últimas obras y sus trabajos próximos:

http://www.labibliotecaimaginaria.es/page10.php?post=335

SOBRE ENTRE EL XX Y EL XXI ANTOLOGÍA POÉTICA ANDALUZA

El escritor y crítico Pedro Crenes Castro ha publicado en la revista BIBLIOTECA IMAGINARIA su visión sobre la antología que publiqué hace unos meses: Morales Lomas, F: Entre el XX y el XXI. Antología poética andaluza. Ediciones Carena, Barcelona, 2009. Si quieres leer el artículo completo puedes hacerlo en esta dirección.

http://www.labibliotecaimaginaria.es/page10.php?category=15

Entre otras cosas dice el crítico lo siguiente:

"Este libro es también el complemento de un primer volumen y es a su vez la continuación de un proyecto que la Ediciones Carena ha encomendado a Francisco Morales Lomas: hacer una antología de todas la Comunidades Autónomas, lo cual entusiasma y hace presagiar muy buenas antologías para el futuro. Antologías que serán imprescindibles para adentrase mejor a la obra de nuestros poetas.
El disfrute paralelo de la poesía y de las poéticas hace este recorrido andaluz un hallazgo de palabras como soles, metáforas e imágenes como los de un descubrimiento. Los petas no rehúyen sus filias y sus fobias. Trazan con destreza unos límites que para ellos son inherentes a su obra y oficio. Escriben desde distintas perspectivas pero nuestro antólogo ha hecho un buen trabajo recordándonos sus puntos de cercanía regional o académica o sus años y fechas de publicación. Todo esto para hacernos ver la vigencia de estas voces que huyen de estereotipos generacionales y se vuelcan con la poesía en la vida cotidiana.

Los poemas, una vez se adentra uno en el camino sinuoso de su lectura, son un cambio constante de paisajes, son un caminar por un sendero hecho de versos vivos, con un cielo de claros y oscuros. Cada poeta y su obra representada son una puerta para llegar a estos autores andaluces necesarios. Una delicia para los sentidos y el paladar literario. Un acierto de antólogo y de Editorial. Un libro que abrirá muchos más".