domingo, 23 de junio de 2024

RESEÑA DE FRANCISCO MORALES LOMAS SOBRE "EN AGOSTO NOS VEMOS" DE GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ

 

 

 

 

 

 

 

 


 

EL DESEO FEMENINO

Y GARCÍA MÁRQUEZ

SE PUBLICA EN AGOSTO NOS VEMOS DE GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ

 

FRANCISCO MORALES LOMAS

 

“Este libro no sirve. Hay que destruirlo”. Estas fueron las dos frases que lanzó el Nobel colombiano en su sentencia final del libro. ¿Por qué se ha publicado entonces y realmente es un libro que debe ser destruido? Los hijos, Rodrigo y Gonzalo, afirman en el “Prólogo” al mismo las razones de su publicación: “En un acto de traición, decidimos anteponer el placer de sus lectores a todas las demás consideraciones. Si ellos lo celebran, es posible que Gabo nos perdone. En eso confiamos”. Sí que hay que celebrar esta obra que se lee con absoluto placer.

¿Por qué entonces ese juicio tan rubicundo de García Márquez hacia ella?

Creemos que para un escritor de su entrega y búsqueda de la perfección, y siendo consciente de sus últimos años con la pérdida de memoria galopante, el desvanecimiento de las facultades mentales, las muchas versiones… los hados no debían ser muy propicios a esta indagación de estilo, al último trazo que puliera el texto. Esta voluntad de exigencia justifica las palabras de García Márquez sobre una obra que realmente está muy lejos de sus grandes títulos, pero que tiene fragmentos y aromas claramente con olor a García Márquez, aunque falta el acicalado final, pero ahí está su inspiración sublimadora, su comprensión del ser humano y su gran tema: el amor.

Se trata de una novela de un centenar de páginas en la que, como dice el editor en la Nota, trabajaba en 1999 en un trabajo donde habría cinco relatos autónomos con una misma protagonista: Ana Magdalena Bach. El primer cuento es “En Agosto nos vemos”, que García Márquez había leído unos días antes del 18 de marzo de ese año en la Casa de América en Madrid junto a Saramago. Su idea era que formara parte de un libro que incluiría otras novelas con el denominador común del amor en personas mayores.

La figura de la mujer y la construcción de su personalidad, sus deseos más íntimos, sus ocultamientos, sus penumbras y la sublimación de la sexualidad inundan todo el relato de Ana Magdalena Bach, una mujer en plena madurez, con dos hijos y casada con un hombre que aparentemente la ama y cuyo matrimonio parece avanzar por una senda normalizada, al menos en la espuma, en la apariencia. Porque es evidente que ambos encierran sus secretos.

La obra comienza un viernes 16 de agosto cuando Ana Magdalena Bach (el homenaje a la música es evidente) regresa en el transbordador de las tres de la tarde. Cada mes de agosto toma este para visitar a su madre en la isla donde yace enterrada. Ese viaje iniciático lo es hacia sí misma, hacia su mundo cercenado, hacia su eros imaginado, hacia una cultura no paternal, hacia la exaltación de un mundo propio y personal históricamente traicionado, como diría Foucault en su Historia de la sexualidad. El viaje novicial hacia un mundo que ya es suyo exclusivamente, un perfecto pretexto para construir otra visión de esta mujer, ahora presa del deseo, de la pasión… como pulsión máxima de un adulterio deseado. A través de procesos descriptivos simples, pero de gran perfección e interés (la mano del narrador colombiano está siempre presente), nos ofrece su recorrido y su contexto vital, así como los intríngulis de las razones de su madre para ser enterrada en la isla, casi un secreto, como veremos: “Era el único lugar solitario donde no podía encontrarse sola”. A medida que su viaje se perfila va mostrándonos el autor las lecturas de ella: Drácula, El lazarillo de Tormes, El viejo y el mar, El extranjero… que invita al reconocimiento y la trascendencia de determinados placeres: la música, la ginebra con hielo y soda y el encuentro con un hombre, “ella lo conocía entonces como si hubiera vivido con él desde siempre”. La relación entre ellos, el sexo…, sus deseos más líricos: “Ella le habló de los hábitos de las garzas en la noche”. A partir de ese momento ella ya sería “otra”. Cierto sentido de culpabilidad aflora al yacer con otro hombre sobre todo por la sensación de sentirse envilecida cuando le ofrece dinero. Surge así su vida, la reconstrucción de la memoria, la adaptación al esposo y la vuelta de nuevo a la isla para ser infiel: “Todo ese orden cambió desde que ella volvió a la isla”. Un mundo construido fragmentariamente que García Márquez logra transmitirnos con maestría, con apenas unos trazos de impresionista que se adentra con resolución en la sensibilidad y la psicología de la mujer, van surgiendo amantes e inseguridades, pensamientos y lecturas de Borges, de Crónicas marcianas, y los cambios en su vida tras el tercer viaje cuando el marido comienza a hacerse preguntas y ella quiere descubrir también sus infidelidades en él.  El final misterioso es de una singular simbología y belleza, uno de los mejores logros de la novela que logra encender de nuevo la mecha del afecto y el reconocimiento hacia un escritor que se hizo universal desde su aldea, como ya en su momento nos dijo Tolstoi.

 


jueves, 20 de junio de 2024

RESEÑA DE FRANCISCO MORALES LOMAS SOBRE TESTAMENTO EN WÁTANI DE ÁNGEL GARCÍA LÓPEZ EN LA REVISTA PARAÍSO DE LA DIPUTACIÓN DE JAÉN

 

 

 


 

 

 

 


GARCÍA LÓPEZ, ÁNGEL (2023). TESTAMENTO HECHO EN WÁTANI

MADRID: REINO DE CORDELIA

 

FRANCISCO MORALES LOMAS

 

 

El laureado poeta gaditano Ángel García López, Premio Adonáis (1969), Premio Nacional de Literatura (1973), Premio Nacional de la Crítica (1978), Premio Andalucía de la Crítica (2013) y Premio de las Letras Andaluzas “Elio Antonio de Nebrija” (2021), entre otras muchas distinciones, ha publicado a los ochenta y ocho años de edad una obra de enorme calidad literaria y muy lejos de los cánones estéticos al uso.

Se trata de una construcción metaliteraria en alejandrinos blancos que puede considerarse un testamento poético por cuanto nos conduce en su interior. Es la expresión de un lamento poético (los “nahua” chiítas o los “trenos” griegos) a través del recurso de la alegoría, con el que quiere mostrar el estado de postración al que ha llegado la poesía española última, donde “falsos poetas han usurpado las riendas de la lírica”, y, haciéndose consignatario de las palabras de Abelardo Linares (“Las casa de la Poesía es una casa en la que los okupas han echado a los poetas y se han quedado a vivir”), García López crea esta “fábula acerca del secuestro de la usurpación de la poesía por los falsos poetas”, subtítulo del libro.

A través de veintiún poemas que toman la estructura narrativa y cadenciosa del alejandrino, que actúa como una especie de gran canon operístico, García López sigue los principios estéticos de la alegoría, no tanto como técnica gratuita de producción de imágenes, sino como manera de lenguaje, de creación personal y escritural. Si la alegoría es expresión o manifestación (Ausdruck) equiparable al lenguaje, sucedería esto, en  palabras de Benjamin, porque en ella tiene lugar el movimiento de realización de la vida espiritual. Y así acaece en esta obra que forma parte de una excelsa tradición, tanto en sentido pagano como religioso, desde el origen de la humanidad y los textos sagrados hasta la etapa medieval (no digamos nada de la Divina Comedia o de El libro de Buen Amor…), la renacentista (San Juan de la Cruz), la barroca (Baltasar Gracián con su Agudeza y Arte de Ingenio…) o con obras como Fausto de Goethe, El matrimonio del cielo y el infierno de Blake, La tierra baldía de Eliot…

Por cuanto manifestación de su vida espiritual humana (Ausdrudck) esta obra de García López es una creación retórica personal de singular riqueza literaria que se adentra por la parábola de la creación a través de una línea temporal visible que nos lleva desde un origen creador, desde ese “aullido bajo el halo, hoy tan vivo, de la luna de Wátani”, “hasta verme expulsado de mi vida”, la casa de la poesía. El libro es, por tanto, la mostración de esa historia vital con la que pretende crear su mundo, en el que, como decía Gadamer (cuando habla de la alegoría en general), García López se representaría a sí mismo el mundo a través de un paradigma lingüístico-hermenéutico, que arrancaría, desde nuestro punto de vista, de la retórica propia de un humanismo literario de corte renacentista y barroco, con el que tanta conexión tuvo siempre la lírica de García López, conduciéndonos por el cultismo y la sabia retórica de la construcción del discurso poético y la primacía de la palabra, por encima del vaciamiento de una realidad presente con la que es enormemente crítico en su desvelamiento, es decir, en su construcción/desconstrucción.

El discurso alegórico requiere de agudeza, de artificios y ornamentos de los que siempre dispuso en abundancia García López, pero sobre todo ello subyace una construcción cívica, al menos desde su perspectiva, y un enaltecimiento del poder de la palabra poética frente al colectivo de “vencedores obscenos” que dividen majuelos y tasan lugares, dándose “al vicio/ de hacendados sin freno como premio al esmero/ de abastar su codicia”. Definidos como “logreros que impusieron sus dictados”, que se dedican a crear “frutos abyectos” y a amputar “de aquel campo los árboles/ mejores de entre todos los que fuimos plantando”.

 

 

 

 

 

 

 ÁNGEL GARCÍA LÓPEZ

García López es, según el profesor y crítico Ángel Luis Prieto de Paula, “un poeta de este tiempo con una esencial identidad: un estuario en el que desembocan los cursos poéticos más valiosos y donde se resuelve la historia de la alta poesía.” Autor de una dilatada obra poética, en ella destacan la cuidadosa primacía del lenguaje, el rigor formal y la investigación de las posibilidades rítmicas y lingüísticas del poema. Su tarea de creación ha sido distinguida por sucesivos e importantes reconocimientos: Premio Adonais 1969, Premio Nacional de Literatura 1973 Premio Boscán 1974, Premio Nacional de la Crítica 1978, Ciudad de Melilla 1991, Villa de Madrid-Francisco de Quevedo 1995, Ciudad de Salamanca 1997, Generación del 27 1999, Premio Andalucía de la Crítica 2013, Premio Nacional de Letras Teresa de Ávila 2009 y Premio de las Letras Andaluzas Elio Antonio de Nebrija 2021, estos dos últimos otorgados al conjunto de su obra. Entre sus títulos Elegía en Astaroth, Mester andalusí, Trasmundo, Los ojos en las ramas, Memoria amarga de mí, Medio siglo, cien años, Mitologías, Apócrifos, Ópera bufa, Universo sonámbulo, Cuando todo es ya póstumo y Testamento hecho en Wátani. El conjunto de todo lo publicado hasta el año 2009 se encuentra recogido en Obra Poética, tres amplios volúmenes publicados por la Diputación Provincial de Cádiz.

Licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad Complutense, ejerció la docencia de la Literatura como profesor de Bachillerato y, luego, como profesor emérito de la Universidad de Mayores Francisco Yndurain (Aoiz, Estella, Pamplona), compaginando todo esto con su otra actividad de Técnico Superior de Servicios Bibliográficos. Simultáneamente cursó estudios en la Escuela Oficial de Periodismo de Madrid y los preceptivos para su doctorado universitario e inició una nueva licenciatura, esta vez en Filología Hispánica. Durante tres lustros dirigió la revista Literatura (en sistema Braille) de la ONCE.

Es académico de la Real Academia de San Dionisio de Ciencias, Artes y Letras de Jerez de la Frontera (Cádiz) y de la Academia San Juan de la Cruz-Juglares de Fontiveros (Ávila). Figura incluido en antologías generales y temáticas, diccionarios de escritores, compendios generacionales, etc. Su obra ha sido motivo de seminarios monográficos, investigaciones, trabajos y traducciones parciales a otros idiomas.



lunes, 3 de junio de 2024

Reseña de Albert Torés sobre Teatro Caníbal Completo Volumen VI de Francisco Morales Lomas

 

 


 

PUBLICADO EN LA REVISTA TODOLITERATURA

https://www.todoliteratura.es/noticia/59643/criticas/teatro-canibal-completo.-volumen-vi-de-francisco-morales-lomas.html?fbclid=IwZXh0bgNhZW0CMTEAAR005gy3ZuvTp17Z1Lcx7tIYO0i_Q734Oa0NLv5CCVkf-FgzT9W7frCCl2k_aem_ATp1JkiK-sbi0wS43IFkGifwRIZFwseghw_GUEXF9yuj4jlxbeBBP9vlT1HZOCWI9zvkawc3Ds7zKaCLhmZeIAfv

 

 

"Teatro caníbal completo. Volumen VI", de Francisco Morales Lomas

Ediciones Carena, Barcelona, 2023
domingo 02 de junio de 2024, 12:11h
 
 
Acercarse a la escritura de Francisco Morales Lomas es ahondar lisa y llanamente en la historia de la literatura actual. Hombre de letras en toda regla que propugna el humanismo solidario como señal identitaria, su implicación en lo literario se aplica desde todos los prismas posibles, creativos, teóricos, docentes, investigadores, ensayísticos, narrativos y dramatúrgicos. En esta experiencia singular y polifacética de abordar su mundo literario, el del teatro constituye un hito incluso rompedor con el resto de su obra, pues la ironía y el propio concepto de canibalismo, refuerza un teatro de brillantes resonancias, denuncias transgresoras y un repaso de la universalidad que sustenta su obra.

En la serie de “Teatro Caníbal”, las grandes preocupaciones humanas, el amor, la muerte, la condición humana, la contradicción van tejiendo un teatro que por naturaleza propia busca ser representado. Sin embargo, contra la norma más común, es un teatro que se lee, que se visualiza y con el que podemos identificarnos de inmediato, de modo especial, por su ingrediente principal que es el humor. Poco podremos aportar al magistral prólogo de Francisco Gutiérrez Carbajol. Coincidimos plenamente en la consideración final del teatro como “modelo experimental para conocernos mejor. El único del que disponemos, posiblemente”. El teatro del autor giennense es auténtico por sí mismo y por atender al revolucionario esperpento de Valle-Inclán del que Francisco Morales Lomas es un experto, sin olvidar que realizó su tesis doctoral sobre el genial dramaturgo, por ser exacto, sobre la lírica de Valle-Inclán. La representación teatral y la comunicación con el público conoce una verdadera revolución (permítanme el rescate de esta hermosa palabra) relativa a la significación, las estructuras y el lenguaje de la obra dramática. Sin duda, Morales Lomas presta un cuidado extremo al lenguaje. Nos lo indica también el estudio introductorio de Gutiérrez Carbajo “No es casual que Wittgenstein sea uno de los autores con más presencia en este libro de Morales Lomas, si tenemos en cuenta que una de las fuerzas motrices de su teatro es precisamente el magnífico tratamiento del lenguaje”. Si hay un campo en el que Morales Lomas se impregna de disidencia es en la esfera teatral. Al leer, los volúmenes de “Teatro Caníbal Completo”, en concreto este sexto número, no podemos evitar el recordar a Antonin Artaud para quién el verdadero teatro debe perturbar el reposo de los sentidos, liberar el inconsciente oprimido, empujarlo a una suerte de revuelta virtual y al tiempo cuestionar la validez del lenguaje. En efecto, como afirma Gutiérrez Carbajo“nuestro autor realiza un estudio histórico y antropológico del canibalismo, hace extensivo este concepto a otras situaciones, y expone brillantemente una poética de su propio teatro”. La plaza de la caníbal, Boca a boca, Juegos caníbales, La familia, El hospital, El banco espiritual, La visita, Prohibido fumar, El lagarto, la Funeraria, Relajación, son las piezas que enlazarán sexo y devoración, teatro y lirismo, espiritualidad y salvajismo, interdisciplinariedad, pues los guiños al mundo cinematográfico, filosófico, histórico y literario son constantes, como las propias imágenes que nos hacemos de los caníbales, desnudos y con taparrabos hasta que un caníbal becario y trajeado con buenos modales se presenta en una casa para directamente proponer el acto caníbal a una mujer. El pez gordo parece engullir al pequeño, y el becario es devorado finalmente por sus anfitriones. Con la iglesia topamos en El Banco espiritual que hace transacciones con sentimientos (dignidad, bondad, respeto, equidad...) donde de nuevo el pobre es materialista y el rico aumenta la cuenta de beneficios. Una escena contrapuesta, aunque no tanto finalmente, es la celda compartida por un sindicalista y dos protagonistas como Don Pepito y Don Libertad, con una recreación muy particular del marxismo y la obra “El Capital”.Y volvemos a topar con la iglesia en “Prohibido fumar”, donde se produce incluso una situación metateatral, pues un Actor-Dios entra fumando en el escenario y es interpelado por un espectador. El actor-dios, lejos de apagar el cigarrillo le dice que está fumando un porro. La poca fe será, cómo no, castigada.

Temas de “rabiosa” actualidad (considerando el término entrecomillado como causante de cabreos y disconformidades) surgen a la luz de los textos, la corrupción política, la trata de mujeres y niños robados, el maltrato, la violencia, casi se diría que estamos ante un listado de pretextos para desembocar a un canibalismo textual, estético que prima lo visual y lo plástico, identifica en gran medida la dramaturgia con la crueldad, bajo el signo de lo “aparentemente absurdo”. No es casual que el escenario principal se centre en una plaza donde luce una escultura del emperador Carlos V, es decir, que podría ser en cualquier parte del mundo. Una estatua que aparece con una caja de cartón de detergente, otras con una escupidera de color celeste, o pintada con sexo de mujer, o con atuendo de cura y grandes colmillos. En cualquier no es la patologización del escritor lo que destaca, sino más bien lo enfermizo de una sociedad que desaprovecha su patrimonio. Parecería que el personaje de Luces de bohemia, Max Estrella, va transformando la realidad para ver detrás de su máscara. Un constante desenmascarar a través de la ironía, convierte el mundo oscuro en un foco de luz que ilumina todos los rincones. Don Libertad también muestra su grandeza y nobleza que chocan con la mediocridad y falta de escrúpulos de quienes le rodean, pero además Don Libertad se pone al servicio de los demás. Max Estrella cuando nos hace saber que vive en un palacio y recibe la burla, réplica tajantemente: “Porque tú, gusano burocrático, no sabes nada. ¡Ni soñar!”

Transformar el mundo, cambiar la vida, ese doble principio de Marx y Rimbaud, se completan con la imperiosa necesidad de los sueños, del teatro de los sueños. Aparece el Actor-Dios. Tras todos los actos dubitativos del espectador, nos dice “Te puedo ofrecer este habano que me envió Fidel directamente desde Cuba. Es una maravilla”. Y, no cae el telón.

 

Puedes comprar el libro en:

EDICIONES CARENA

https://edicionescarena.com/producto/teatro-canibal-completo%E2%8E%AAvolumen-vi/ 

https://amzn.to/3R8XfwC
 
 
 
 En este sexto volumen del Teatro Caníbal Completo, de Morales Lomas, se pueden encontrar las siguientes obras: La plaza de la caníbal, Boca a boca, Juegos caníbales, La familia, El hospital, El banco espiritual, La visita, Prohibido fumar, El lagarto, La funeraria y Relajación. Un conjunto de obras que, como señala el catedrático de Literatura Española Francisco Gutiérrez Carbajo, apelan a los temas universales de la vida, como el amor, el humor, la muerte…, siempre tratados con gran originalidad, tino y sabiduría, y en las que el proceder de Morales Lomas, como el de los buenos maestros, es comparable al de los antiguos orífices. Va puliendo minuciosa y detalladamente sus piezas para que funcionen como un perfecto mecanismo de relojería. Nada lo deja a la improvisación. Son obras que entran de lleno en el ser humano, en sus contradicciones, en su irrelevancia, en sus miserias y en su sabiduría para mostrar nuestra esencia como seres humanos en una sociedad siempre motivo para ser criticada y constante objeto de atención por el dramaturgo giennense.

 

 

BIBLIOGRAFÍA DE F. MORALES LOMAS

EN ACADEMIA DE ARTES ESCÉNICAS DE ESPAÑA

 https://academiadelasartesescenicas.es/f-morales-lomas/

EN ACADEMIA DE ARTES ESCÉNICAS DE ANDALUCÍA

 https://academiaartesescenicasandalucia.com/academico/fco-morales-lomas/

miércoles, 29 de mayo de 2024

"REPÚBLICA, EXILIO Y POESÍA" DE JOSÉ JURADO MORALES POR FRANCISCO MORALES LOMAS

 


MIRARNOS A NOSOTROS MISMOS

José Jurado Morales publica República, Exilio y Poesía

 

FRANCISCO MORALES LOMAS

 

El catedrático de Literatura Española en la universidad de Cádiz José Jurado Morales se adentra en la biografía y la historia personal del poeta sanluqueño Gonzalo Martínez Sadoc en una obra muy personal, confidencial, sentimental y reflexiva en la que tanto protagonismo posee el propio Martínez Sadoc como el profesor Jurado Morales.

Esto plantea de inicio varias preguntas:¿Por qué este punto de vista tan personal en un estudio que desde fuera podríamos verlo como nada habitual desde la historiografía universitaria? ¿Por qué un poeta tan desconocido o de segunda fila le ha llevado a este estudio?

En las últimas páginas del libro explica claramente Jurado Morales algunas razones: “¿Me he buscado yo en la vida de Martínez Sadoc? Muy probablemente. Porque pensar sobre los demás, sirve para pensarnos a nosotros mismos. Porque trazar la biografía de otro, nos invita a mirarnos a nosotros mismos. Porque detrás de las vidas dispares de cada persona, por ejemplo, la suya y la mía, quedan las emociones compartidas por los seres humanos de cualquier tiempo y lugar”.

Esta es la razón por la que adopta un punto de vista tan personal en la elaboración del poeta sanluqueño. Una forma de penetrar en nosotros mismos, en una humilde biografía del poeta exiliado que más tarde, como una especie de Ulises, al cabo de los años regresa a su hogar para reconciliarse con sus amigos y con su memoria íntima. Esta aventura de Martínez Sadoc es la que cuenta Jurado Morales en un libro que en determinados momentos parece una síntesis novelesco-biográfica, memorial, en la que reconstruye la vida personal y también familiar de algunos de sus hermanos a lo largo del siglo XX.

Pero, para más abundamiento, el profesor nos dice que no tiene deudas de ningún tipo ni con él ni con la familia para realizar este trabajo y añade esta interesante reflexión: “Me gusta acordarme que, para saber quién soy, debo saber quién he sido y de dónde vengo. De forma que, si he seguido los pasos de Martínez Sadoc, más allá del interés real y objetivo de su trayectoria, ha sido egoístamente para iluminar mi razón de ser, mi ética y mi conciencia de que vengo del siglo XX y de Sanlúcar”.

Pero en la obra también hay una profunda labor de investigación que ha necesitado de fuentes diversas para su reconstrucción, en algunos casos familiares y en otros documentales que muestran su calado y buen hacer.

Gonzalo Martínez Sadoc nació en Sanlúcar de Barrameda el 22 de febrero de 1908 y falleció el 27 de mayo de 2003. Fue un escritor comprometido, miembro del Partido Comunista y símbolo como otros de un exilio y de unas condiciones de vida atroces para los que llegaban a países desconocidos. No fue realmente un escritor importante. Su obra así lo acredita. El mismo Jurado Morales lo reconoce cuando en el capítulo veinte hace un análisis sucinto de su lírica de corte popularista, versificada con facilidad que empobrece el conjunto (precisamente por esa facilidad en fácil verso y en los tópicos que a veces se presentan) y con cierto sentimentalismo o emoción personal. Reconoce que tampoco es una poesía de su gusto, “(Yo prefiero –dice Jurado Morales- un tipo de poesía más trascendente, que resulte menos denotativa y más connotativa, que tenga remates inesperados, y cuyo simbolismo y asociaciones me hagan pensar (…) Prefiero otro tipo de poesía”.

 A través de veintiún capítulos nos va conduciendo por la vida y obra de este poeta y su familia: el periodo republicano, el exilio (primero en Francia, en las playas de Saint-Cyprien) en México…, pero también nos habla de las circunstancias vitales de sus hermanos Federico, Eduardo, Pedro…, y de la vuelta a España. Al mismo tiempo que escribe sobre ellos va construyendo la historia de España y la represión de la dictadura a la que se vieron sometidos sus hermanos.

Está claro el afecto de Jurado Morales por la persona y también por algunos de los poemas de los que hace una pequeña antología al final como los más representativos de la vida del autor. Un hombre con enormes convicciones ideológicas y que regresa a su tierra para morir aunque reconoce al final de su vida que sus ideales se derribaron a pesar seguir siendo comunista, aunque con un pensamiento adaptado a los tiempos. En algunas ocasiones se trata de poemas de circunstancias y al hilo de acontecimientos, como el dedicado a la muerte de Lorca: Yo no lo quise creer./ Pero tu sangre, gritando,/ tiñó, de negra vergüenza,/ las ciudades y los campos”. O el dedicado a Antonio Machado: “Marchita ya tu fragancia/ en busca de nuestro sino,/ por idéntico camino/ los dos pasamos a Francia”. En definitiva, un libro que aspira a sintetizar la memoria de un siglo XX a través de la figura sentimental del poeta Gonzalo Martínez Sadoc.

 

lunes, 6 de mayo de 2024

FRANCISCO MORALES LOMAS EN EL FESTIVAL INTERNATIONAL POETRY OF PLOVDIV (BULGARIA)

 

 

FRANCISCO MORALES LOMAS

 

https://orpheus-plovdiv.eu/speaker/francisco-morales-lomas/?lang=en

 

Doy las gracias a los organizadores del International Poetry Festival"ORPHEUS" – PLOVDIV (BULGARIA), y en especial a Anton Baev, por mi participación en este festival entre los días 8 y 11 de mayo. Con este motivo algunos de mis poemas han sido traducidos al búlgaro y al inglés. Junto con los poemas también he escrito un texto sobre el arquetipo mítico de Orfeo, traducido igualmente a ambos idiomas.
Participamos los siguientes escritores/as:
Radka Rubilina (República Checa), Jurak Kuniac (Eslovaquia), Darija Zhilich (Croacia), Özcan Ünlü (Turquía), Mirela Ivanova (Bulgaria), Peter Kraevski (Bulgaria), Ivanka Radmanovic (Serbia), Olimbi Velaj (Albania), Sonja Zubovic (Croacia), Nilonia Andova (Norte de Macedonia), Francisco Morales Lomas (España) y Kadriye Cesur (Turquía).
También se entregarán una serie de premios literarios a: Yordan Velchev (Bulgaria), Yulia Berzhko-Kaminska (Ucrania), Hussein Mevsim (Turquía), Flavia Teok (Dinamarca), Martina Strakova (Eslovaquia), Tomas Stari (República Checa) y Konstantin Severin (Rumania).
The festival will take place in the Little Early Christian Basilica as a festival center, but its activities will cover a number of other historical and cultural spaces in Plovdiv. The festival includes: poetry readings, poetry competition, cultural and educational seminar, writers’ forum and exploratory trips. The fifth edition of the festival gathers together poets from the Turkey, Spain, Slovakia, Czech Republic, North Macedonia and Bulgaria.
The Orpheus Project – PLOVDIV 2024 is implemented with the financial support of the Municipality of Plovdiv – Directorate “Culture and Archeology” and is a part of the Cultural Calendar of the Municipality for 2024.

 

FRANCISCO MORALES LOMAS

 

Spanish writer. Poet, novelist, playwrigth and essayist. He has published a hundred books. Academic in different academies. Full Professor of Literature. PhD in Hispanic Philology. Degree in Hispanic Philology and Law. President of the Andalusian Association of Writers and Literary Critics (AAEC) for sixteen years and currently honorary president. President of the International Association for Humanism in Solidarity (AIHS) since 2013, and vice president of the Collegiate Association of Writers of Spain (ACE-Andalucía). Visiting professor in France, Morocco, Mexico, Portugal, Sweden, Poland… Director of congresses and summer courses on Spanish literature. All his poetry collected is titled The comedian´s paradox. http://www.moraleslomas.com 

 

 

PLATFORMS

To Fernando de Villena

Waiting for it is not known what.

That empty platform, with the rain
and his silence.

Perhaps as a den of stories
that are repeated over and over again.

A place to go far away
like a ceremonial that is prepared
with the calm slowness of the days.

A place that does not stop the road
and remains, veiled mystery,
with its solitude and its vast night.

Eyes waiting
and calm heart.

 

КОЛОВОЗИ

На Фернандо де Вилена

В очакване на неясно какво.
Онзи празен коловоз с дъжда и тишината си.
Сякаш е бърлога на истории,
които се повтарят отново и отново.
Място, от което тръгваш надалеч
като церемониал, който се подготвя
със спокойната ленивост на дните.

Място, което не прекъсва пътя,
а остава, забулена мистерия
със своята самота и с безкрайната си нощ.

Очакващи очи
и спокойно сърце.

Превод – д-р Лидия Шамова

 

TELLING THAT THE BARBARIANS DO NOT EXIST

Because it got dark and the barbarians
[did not arrive.
Some have come from the borders
and told that barbarians do not exist.

C.P. KAVAFIS

They point out that many beggars
will come
from southern lands.
Some are dangerous black slaves
who have glassy eyes
of hate.
Others come from the East
with his misery and some
fake Reebok
slippers.
There are even those who live here,
by your side, and dirty
the coffee shop cups
when they have finished drinking
its pity coffee.

But why do we keep
waiting
to the beggars?
Kavafis waited for the barbarians
and we to the beggars.
How has the story changed!

Those came with power,
these come with misfortune.

 

РАЗКАЗВАТ, ЧЕ ВАРВАРИ НЕ СЪЩЕСТВУВАТ

Понеже се стъмни, а варварите [не дойдоха.
Някои, пристигнали от граничните зони,
разказваха, че варвари не съществуват.
К.П. Кавафис

Писано е, че ще дойдат много
просяци,
от южните земи.
Някои са опасни черни
роби, които са със стъклени
очи
от омразата.
Други идват от Изтока
със своята мизерия и с някакви
фалшиви маратонки Reebok.
Има дори такива, които живеят тук,
близо до теб, и цапат чашите
на кафенетата,
когато изпият
жалкото си кафе.

Но защо продължаваме
да очакваме
просяците?
Кавафис очакваше варварите,
а ние – просяците.
Как се измени историята!

Онези са идвали със сила,
тези идват с нещастие.

Превод – д-р Лидия Шамова

 

AMENDMENT´S PURPOSE

To those who died in the pandemic

Everything sinks
and the world leaves its dirty silence. Everything sinks
in semidarkness house,
with empty shelves
and mercy as a companion.
Everything sinks
in this slow lethargy towards
oblivion.
Everything sinks.
And me trying to be a man
getting dirty in my man humanity,
in my man impurity.
Everything sinks.
I know that my life has to be
wander the horizon
in search of that broken humanity.
I know that my man life
look for his nude,
in the bewilderment of an empty
house.
Silence the light,
invoking a kind of armistice.
Trying to make the world
do not sink into forgetfulness,
trying that pain
not be a night mask.

 

ЦЕЛТА НА ИЗМЕНЕНИЕТО

На загиналите в пандемията

Всичко потъва,
а светът изоставя мръсното си мълчание.
Всичко потъва
в тъмнината на къщата
с опразнени рафтове
и със спътник – милостта.
Всичко потъва
в тази бавна летаргия към
забравата.
Всичко потъва.
А аз се опитвам да бъда човек,
омърсен в своята човешка човечност,
в моята човешка нечестивост.
Всичко потъва.
Знам, че животът ми
трябва да се превърне в скитане из хоризонта
в търсене на тази разпокъсана човечност.
Знам, че животът ми като човек
търси своята голота,
в безпорядъка на една празна
къща.
Приглушената светлината
призовава за някакво
примирие.
Стараейки се светът
да не потъне в забвение,
стараейки се болката
да не се превърне в маската на нощта.

Превод – д-р Лидия Шамова

 

 

The mythical archetype of Orpheus and the three wounds

Human beings need narrative symbols that make us return again and again to the origin of being and being in the world. The being that Heidegger referred to. One of these symbolic uncertainties is the myth of Orpheus. His descent into the underworld (the catabasis or the down travel) is for love. His emblem, Orphism, anchors in the cult of two divinities that define us, Apollo and Dionysus, who emerge in their dualism but who require us in their vitality. Orpheus combines Apollo and Dionysus in humanity, but also light and darkness, the human and the divine, light and shadows.

Despite everything, Orpheus has been singularly one of the myths that has gone most unnoticed for much of the history of humanity, although, from our point of view, it symbolizes within it the three great words that determine our existence: love, life and death.

The Spanish poet Miguel Hernandez, in a very simple poem that would be immortalized internationally by the singer-songwriter Joan Baez, said:

He arrived with three injuries:
that of love,
that of death,
that of life.

With three wounds he comes:
that of life,
that of love,
that of death.

With three wounds me:
that of life,
that of death,
that of love.

In the myth of Orpheus he has three hurts: love, life and death. In these three words the great issues inherent to the human being are raised, where other great ideas that are also associated with Orpheus are inserted: music, always associated with poetry, art, the desire for immortality, sexuality, vitality and resurrection, the pain for lost love, the role of women and animals…

However, Orpheus, according to Plato, also had a imperfection: being incapable of dying to live his love with Eurydice in the underworld.

But he doesn’t really want love in the underworld, in a telluric environment, but in life. He does not understand love in death but in life.

Since ancient times it is known that music, personified in Orpheus, was considered an essential force capable of preserving illnesses and elevating man to divinity, but also as capable of precipitating him towards the forces of evil, capable of calming storms, calm the spirits of the crew and even defeat the feared sirens in their adventure with the Argonauts.

The power of music associated with poetry, with words, breaks the limits of nature, calms animals, moves mountains, changes the course of rivers, overcomes the borders between life and death.

The love for Eurydice led him to visit hell, to notice the power of death, to rush into it, but also the desire to contemplate it led him to not be able to enjoy his beloved in life and to have to suffer enormous punishments until he met again.

She already dead in Hades. However, love ended up conquering death, as in the well-known poem by the Spanish poet Francisco de Quevedo, “Constant love beyond death,” which says in its last hendecasyllable: “Dust will be more dust in love.”

In her desire to reunite with Eurydice, really Orpheus recreated her memory, but not herself. He was building a fiction that later makes him succumb.

In today’s world, how many times do we construct fictions that make us succumb to the reality of that catabasis. We always live with three wounds: that of life, that of death and that of love, and, in his mythical archetype, Orpheus can bring us closer to understanding the world, of Heideggerian dasein, with its relevance and its humanity.

 

Митичният архетип на Орфей и трите рани

Човешките същества се нуждаят от наративни символи, които ни карат да се връщаме отново и отново към произхода на битието и битието в света. Съществото, което Хайдегер споменава. Едно от тези символични съмнения е митът за Орфей. Слизането му в подземния свят (κατάβασις или пътуването му отвъд) е заради любов. Неговият символ, Орфизмът, се закотвя в култа към две божества, които ни дефинират – Аполон и Дионис, които в своя дуализъм изплуват на повърхността, но които ни изискват в своята виталност. Орфей съчетава Аполон и Дионис в човечеството, но също и светлината и тъмнината, човешкото и божественото, светлината и сенките.

Въпреки всичко, митът за Орфей е един от митовете, които са останали най- незабелязани в по- голямата част от историята на човечеството, макар че от наша гледна точка той символизира в себе си трите велики думи, които определят нашето съществуване: любов, живот и смърт.

В едно свое кратко стихотворение, което ще бъде увековечено в международен план от певицата и автор на песни Джоан Байз, испанският поет Мигел Ернандес много просто казва:

Той пристига с три рани:
Тази на любовта,
Тази на смъртта,
Тази на живота.

С три болки той идва:
Тази на живота,
Тази на любовта,
Тази на смъртта.

С три болки съм аз:
Тази на живота,
Тази на смъртта,
Тази на любовта.

В мита за Орфей има три думи: любов, живот и смърт. В тези три думи сa големите въпроси, присъщи на човешкото същество, чрез които са вмъкнати други велики идеи, също свързани с Орфей: музиката, винаги асоциирана с поезията, изкуството, желанието за безсмъртие, сексуалността, жизнеността и възкресението, болката от изгубената любов, ролята на жените и животните…

Обаче на Орфей, според Платон, са присъщи и несъвършенства: неспособен е да умре, за да изживее любовта си с Евридика в подземния свят. Но всъщност той не иска любов в подземния свят, в телурична среда, а в живота. Той не разбира любовта в смъртта, а в живота.

От древни времена е известно, че музиката, която се олицетворява с Орфей, е смятана за съществена сила, способна да предпазва от болести и да издига човека до божественост, но също така и че е способна да го тласне към силите на злото, способна да успокоява бурите, да успокоява духовете на екипажа и че им вдъхва сили да победят страховитите сирени в приключението на аргонавтите.

Силата на музиката, свързана с поезията, с думите, разчупва границите на природата, успокоява животните, премества планини, променя течението на реките, преодолява границите между живота и смъртта.

Любовта към Евридика подтиква Орфей да посети ада, да забележи силата на смъртта, да се втурне в нея, но и желанието да я съзерцава го отвежда до там, че да не може да се наслади на любимата си в живота и да трябва да понесе огромни наказания, докато не се срещнат отново.

В Хадес тя вече е мъртва. В крайна сметка обаче Любовта побеждава смъртта, както в добре познатото стихотворение на испанския поет Франсиско де Кеведо „Постоянна любов отвъд смъртта“, което казва в последната си шестнадесетична сричка: „Ще бъдат вече прах, но влюбен прах“.

В желанието си да се събере отново с Евридика, Орфей наистина пресъздава паметта й, но не и самата нея. Той изгражда фикция, която по-късно го кара да се поддаде.

В днешния свят колко пъти създаваме измислици, които ни карат да се поддадем на реалността на това пътешествие в отвъдното (κατάβασις). Ние винаги живеем с три рани: тази на живота, тази на смъртта и тази на любовта, и в своя митичен архетип Орфей може да ни доближи до разбирането на света, на битието (Dasein) според Хайдегер със своята релевантност и хуманност.

Превод – Гергана Златкова

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

sábado, 4 de mayo de 2024

SE CUMPLEN VEINTISÉIS AÑOS DE LA TRADUCCIÓN AL FRANCÉS DE SENARA DE FRANCISCO MORALES LOMAS

 

 


 

 Hace ya 26 años que se publicó en francés la traducción de mi libro “Senara” gracias al buen hacer de la profesora Roseline Salvarrey, profesora del Lycee Jean Brito en Bretagne y de la facultad de letras de Rennes. En él participaron alumnos y otros colegas como L. E tienen, E. Gendron y G. Guibert. Les seguiré agradeciendo siempre este hermoso trabajo que se completó con una lectura de mis poemas en Rennes. Más de medio siglo ya. Senara se había publicado dos años antes en 1996, en la editorial Antonio Ubago de Granada, donde también habían publicado Martín Recuerda, Juan Eslava Galán, Fernando de Villena, Alejandro López Andrada, Antonio Enrique, Antonio Moron, José Lupiañez, Francisco Uzquierdo, Felipe Romero, Sultana Wahnón…

 

 

 

























FRANCISCO MORALES LOMAS (RESUMEN BIBLIOGRAFÍA)

 

Autor de un centenar de títulos de poesía, narrativa, teatro y ensayo, y más de un millar de trabajos científicos y literarios sobre literatura española contemporánea publicados en prestigiosas editoriales situadas en el primer cuartil, como Peter Lang, Tirant lo Blanc, Síntesis, Siglo XXI, Comares, Anthropos, Akal... Académico en las Academias de Buenas Letras de Granada, Real Academia de Córdoba, Academia Hispanoamericana de Buenas Letras, Real Academia de Nobles Artes de Antequera, Academia Artes Escénicas de España y Academia de Artes Escénicas de Andalucía, de la que además es socio-fundador. Doctor en Filología Hispánica. Profesor Titular de la Universidad de Málaga y catedrático de Lengua y Literatura en Instituto. Licenciado en Filología Hispánica y licenciado en Derecho. Presidente de la Asociación Andaluza de Escritores y Críticos Literarios (AAEC) durante dieciséis años y actualmente presidente de honor, presidente de la Asociación Internacional Humanismo Solidario (AIHS) desde hace diez años, vicepresidente de la Asociación Colegial de Escritores (ACE-Andalucía). Invitado a la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (México) en 2006, profesor visitante en Francia, Italia, Marruecos, México, Portugal, Suecia, Polonia... Premio Joaquín Guichot, Premio de poesía Rosalía de Castro, Premio Internacional de teatro José Moreno Arenas, Premio Doña Mencía de Salcedo de teatro, Premio de Periodismo… Finalista del Premio Nacional de Literatura (Ensayo) en 2006 y en los años 1998, 1999 y 2002 finalista del Premio Nacional de la Crítica y del Premio Andalucía de la Crítica en 1998. Director de Congresos y Cursos de Verano.. Entre sus obras de poesía podemos citar: Veinte poemas andaluces (1981), Azalea (1981), Senara (1996), Aniversario de la palabra (1998), Tentación del aire (1999), Balada del Motlawa (2001), La isla de los feacios (2002), Eternidad sin nombre (2005), Tránsito (1981-2003). Noche oscura del cuerpo (2006), La última lluvia (2009), Puerta del mundo (2012), El espejo vacío (2019)... En narrativa, entre otros: El sudario de las estrellas (1999), Juegos de goma (2002), Candiota (2003), La larga marcha (2004), El extraño vuelo de Ana Recuerda (2007), Tesis de mi abuela y otras historias del Sur (2009), Bajo el signo de los dioses, (2013), Cautivo, (2014), Puerta Carmona (2016), El viento entre los lirios (2019), Las edades del viento (2020), El ojo del huracán (contiene seis obras de relatos) (2021)… En teatro ha publicado setenta y cinco obras y patentado el Teatro Caníbal del que es su creador. en  ensayo ha publicado una cuarentena de obras. Miembro de varios grupos de investigación de diversas universidades: Grupo de investigación 159 HUM de la Junta de Andalucía, “Recuperación del Patrimonio Literario Andaluz”; Grupo I+D+i de Investigación Las Olvidadas. Proyecto de Recuperación Digital de la Poesía Femenina Andaluza Aplicada al Aula… Coordinador del Máster de Profesorado de Lengua, Literatura, Latín y Griego en la Universidad de Málaga. Miembro de la Asociación Española de Críticos Literarios y de la Asociación Internacional de Críticos Literarios. Ha sido presidente del jurado del Premio Andalucía de la Crítica desde 2006, jurado del Premio Nacional de la Crítica en varias ocasiones, presidente del Jurado del Premio Andalucía de la Crítica de Teatro, del jurado del Premio Internacional Humanismo Solidario, presidente del Premio de Escritores Noveles que concede la Junta de Andalucía, presidente del jurado del premio Alfons el Magnànim de Narrativa (Valencia), presidente del Premio Internacional relato corto “Encarna León” (Melilla), jurado del Premio Internacional de Teatro Rafael Guerrero (Chiclana-Cádiz)… Forma parte de Comités científicos de congresos de literatura y del Consejo Asesor de varias revistas, como “El maquinista de la Generación” (Centro Generación del 27), “Canente” (Universidad de Málaga-Diputación), “EntreRíos” (Granada), “Ateneo del Nuevo Siglo” (Ateneo de Málaga)…

 

La creación literaria y el escritor

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El creador de libros, pintura de José Boyano