Literatura española actual

MORALES LOMAS ACCÉSIT DEL PREMIO INTERNACIONAL DE TEATRO JOSÉ MORENO ARENAS

2011-12-25T04:16:00.000-08:00

F. Morales Lomas, con la obra titulada EL ENCUENTRO, ha conseguido el accésit del III Premio Internacional de Teatro José Moreno Arenas 2011.

En el pasado obtuvo el Premio de teatro Doña Mencía de Salcedo.

Su obra ha sido representada en diversos lugares de España: País Vasco, Navarra, Andalucía, Comunidad Valenciana...

Su producción dramática se compone hasta el momento de treinta y nueve piezas teatrales en las que convive el teatro breve con teatro de más de hora y media de representación.
En 2011 ha sido jurado del Premio Internacional de Teatro Rafael Guerrero (Chiclana-Cádiz).

La obra será publicada en los próximos meses y se hará pública el día 27 de marzo, día mundial del teatro.

A la tercera edición del premio concurrían un total de 54 obras de España y América.

Según afirma el diario GRANADA HOY en la edición del día 24 de diciembre de 2012:

“Para el catedrático de Teoría de la Literatura de la Universidad de Granada, Antonio Sánchez Trigueros, miembro del jurado, los textos presentados en esta tercera edición han destacado por su "alta calidad literaria y escénica", algo muy importante -valoró- ya que eso demuestra el gran interés que, poco a poco, está despertando el premio en el mundo literario hispánico. Este premio literario se instauró en 2009 y es un reconocimiento institucional a la espectacular trayectoria artística de José Moreno Arenas, uno de los escritores de teatro actuales más importantes.

El premio ha recaído en la obra Un soplo de viento del cordobés, Antonio Salas Tejada

http://www.granadahoy.com/article/ocio/1145847/salas/tejada/y/lopez/humanes/ganan/certamen/moreno/arenas.html

Un fragmento de El encuentro de F. Morales Lomas:

ACTO ÚNICO

(Un HOMBRE acaba de realizar su jornada laboral y, tras la siesta, se encuentra descansando en su cuarto en el hostalito de la localidad que esa semana le ha tocado visitar. Es un viajante de una empresa de taladros que pasa de los cuarenta. Se encuentra desasosegado y cambia los canales de televisión con el mando mientras lee un periódico local que alguien le ha entregado hace unas horas. En los anuncios por palabras de pronto tropieza con uno que le llama la atención: SHEREZADE. LAS MIL Y UNA NOCHES. Se ofrece señorita para cuidar alma y cuerpo. Buena presencia. Limpia. Aceptamos tarjeta de crédito. Teléfono… Se queda pensativo. No olvidemos que es un hombre que se aburre y a los hombres hastiados solo les da por pensar en suicidarse o en mujeres de vida alegre. Decide llamar por teléfono. Nada pierde. ¿O sí?)

HOMBRE.- ¿Sherezade?

SHEREZADE.- Sí, dígame.

HOMBRE.- ¡Qué nombre tan bonito, Sherezade!

SHEREZADE.- Sí, dígame.

HOMBRE.- ¿Usted es la del anuncio?

SHEREZADE.- Sí señor, dígame.

HOMBRE.- Verá. Es que estaba aquí en la habitación del hostal un tanto aburrido, esa es la verdad…

SHEREZADE.- ¿Y…?

HOMBRE.- Pues, la verdad no es que a mí me guste mucho esto… Ya sabe…

SHEREZADE.- Sí, claro que lo sé. ¿Está casado?

HOMBRE.- ¿Qué directa es usted? ¿Cómo lo sabe?

SHEREZADE.- No lo sé. Le pregunto.

HOMBRE.- Sí, sí, estoy casado a Dios gracias. Pero eso no le impedirá venir… (Irónico.) Lo listas que son ustedes. Dan en el blanco enseguida. Mucha mundología.

SHEREZADE.- Sí, claro. A mí me da igual si está casado o no. Es por abrir diálogo. Así se rompe el hielo. Dígame qué quería. ¿Le interesan algunos de nuestros servicios?

HOMBRE.- Yo, la verdad es que no soy como parece. Quiero decir que yo…

SHEREZADE.- ¿Es la primera vez?

HOMBRE.- ¿La primera vez dice?

SHEREZADE.- Sí.

HOMBRE.- Bueno, no, la primera vez que estoy con una mujer no. Ya le he dicho que estoy casado…

SHEREZADE.- Quiero decir con una mujer de compañía.

HOMBRE.- (Sonríe nerviosamente.) Todas las mujeres son de compañía.

SHEREZADE.- ¿Cómo?

HOMBRE.- Bueno, no. No es eso lo que quería decir exactamente. Lo que yo quiero decir es que todas las mujeres dan compañía.

SHEREZADE.- Ya.

HOMBRE.- Yo es que…

SHEREZADE.- ¿Es usted tímido?

HOMBRE.- Bueno, sí. Digamos que sí. Bueno, al principio. El caso es que decir tímido, lo que se dice tímido, no soy. Ya ve, soy viajante. Si un viajante fuera tímido…

SHEREZADE.- (Cortándolo.) Perdone, tengo que atender otras llamadas. Si desea nuestros servicios, dígamelo y en unos minutos me encuentro en el lugar que me indique.

HOMBRE.- Sí, bueno, me parece bien, pero…

SHEREZADE.- … Dígame dónde se halla.

HOMBRE.- Hombre, a mí es que no me gusta que la cosa sea así… quiero decir tan brusca. Me gusta que previamente haya algo más.

SHEREZADE.- Si lo desea así yo tengo que considerar que esta conversación forma parte ya de mi tiempo y, por tanto, tendría que abonarla.

HOMBRE.- Bueno, sí, pero cuánto cobra por hora.

SHEREZADE.- Las tarifas han bajado mucho con esto de la crisis. Pongamos que cincuenta por hora.

HOMBRE.- No está mal, me parece razonable. Para ser una profesión tan cualificada, diríamos que es hasta barato.

SHEREZADE.- Si quiere le puedo cobrar algo más.

HOMBRE.- Bueno, hombre, no estoy para tirar el dinero.

SHEREZADE.- Entonces, desde este mismo instante mire su reloj.

HOMBRE.- Lo miro.

SHEREZADE.- ¿Tiene las siete y quince minutos?

HOMBRE.- Bueno, no. Tengo las siete y veinticinco minutos.

SHEREZADE.- ¿Cómo y veinticinco minutos?

HOMBRE.- Sí.

SHEREZADE.- (Repite.) ¿Y veinticinco minutos?

HOMBRE.- Oiga eso es lo que marca mi reloj.

SHEREZADE.- Pues su reloj debe de estar mal.

HOMBRE.- (Afectado.) A lo mejor el que está mal es el suyo.

SHEREZADE.- Yo le puedo garantizar que el mío está bien.

HOMBRE.- Y yo le puedo garantizar que el mío también.

SHEREZADE.- Tenga en cuenta que nosotros trabajamos contrarreloj.

HOMBRE.- ¿A mí me va a decir lo que es trabajar contrarreloj?

SHEREZADE.- ¿Usted no tiene algún otro sitio donde comprobar la hora?

HOMBRE.- Sí.

SHEREZADE.- (Expeditiva.) Pues, compruébela.

HOMBRE.- Espere un momento. (Cambia de canal la televisión.) Ve. Llevo yo razón.

SHEREZADE.- ¿De qué?

HOMBRE.- De que son las siete y veinticinco.

SHEREZADE.- Claro.

HOMBRE.- Entonces por qué se empeña en discutirlo.

SHEREZADE.- Hombre, es que ahora, después de estar hablando diez minutos con usted ya si son las y veinticinco.

HOMBRE.- Lleva usted razón.

SHEREZADE.- No se preocupe.

HOMBRE.- Ahora caigo.

SHEREZADE.- ¿Qué?

HOMBRE.- Es que lo llevo adelantado.

SHEREZADE.- Hombre, por fin. Es usted un poco despistado.

HOMBRE.- Sí que lo soy. Siempre lo llevo adelantado para no llegar nunca tarde a ningún sitio.

SHEREZADE.- Es usted muy puntual.

HOMBRE.- Pues no.

SHEREZADE.- ¿Entonces?

(...)

TEATRO CANÍBAL DE F. MORALES LOMAS

http://www.diariosur.es/20100131/cultura/mora

http://www.diariolatorre.es/typo1/index.php?

Representación de su obra: http://asociacionlajornada.com/treatro-valium-400-traspunte-treatro/

Representación de su obra en el Festival de Donostia

http://www.donostia.org/info/juventud/jovenes_juventud.nsf/voWebContenidosId/479B73B5833FE5CDC125704A003D81C8/$file/Gazteen%20Antzerki%20Topaketa%20Web.pdf

Representación en Navarra

http://navarra.definde.com/ficha-evento/el-grupo-de-teatro-halokestamos-presenta-canibal-teatro-20798

http://www.villadecarcar.org/_recursos/doc/documentos/Teatro%20Falces.pdf
Representación en Cádiz: http://asociacionlajornada.com/
http://el-traspunte-teatro.blogspot.com/
Representación en Las Canarias, Santa Cruz de Tenerife, las obras El urólogo y El muerto dentro de un proceso de terapia creativa con enfermos mentales:
http://biblioteca.sinpromi.es/biblioteca/descarga/boletin/b28/040410-ed-57.pdf
http://www.eldia.es/2010-04-04/cultura/7-Terapia-Stanislavsky.htm

http://www.diariolatorre.es/typo1/index.php?id=1038&tx_ttnews[tt_news]=3444&tx_ttnews[backPid]=1452&cHash=144e4e937b

El día 5 de junio de 2010, Antonio Garrido, ex director del Instituto Cervantes de Nueva York, escritor y profesor de la Universidad de Málaga, publicaba un artículo titulado “Esperpento y Absurdo. Una manera delirante y comprometida de hacer teatro”, Cuadernos del Sur de Diario Córdoba.
También lo puede encontrar en Diario Sur de Málaga en siguiente dirección:
http://www.diariosur.es/v/20100703/cultura/comeme-comeme-20100703.html

La producción teatral de Morales Lomas, entre obras éditas e inéditas o actualmente en imprenta, es la siguiente (más de mil páginas de teatro):

1. Vaffanculo

2. Los monstruos de la razón

3. Los ídolos

4. El hombre de hierro

5. El buen salvaje y su prima de Verona

6. Cumpleaños feliz, papá

7. Boca a boca

8. Dos hombres y un destino

9. Caníbal Teatro (14 piezas de teatro), Editorial Fundamentos, Madrid, 2009.

10. El caníbal, Alhucema, Granada, 2009.

11. Cosas de familia (pendiente de publicar por Rafael Torán)

12. El accidente

13. El banco espiritual

14. El bucanero

15. El fumador divino

16. El lagarto, Alhucema, Granada, 2001.

17. El muerto

18. Los ídolos

19. La meditación

20. El Parnaso

21. El urólogo, Ahucema, Granada, 2007.

22. Un okupa en tu corazón, Alhucema, Granada, 2003.

23. La yaya de Mauritania, EntreRíos, Granada, 2005.

24. El ojo que no tiene niña. Farsas caníbales. (Incluye 11 piezas teatrales) (pendiente de publicar en Alhulia)

25. La edad del mono y eros

26. El buen salvaje y su prima de Verona

27. Dos hombres y un destino

28. Boca a boca

29. El recital

30. El muerto

31. La gimnasia

32. El profesor caníbal

33. El tropezón

34. La farmacopea

35. El encuentro

36. El pordiosero

37. El poeta caníbal

38. El hombre de color

39. El descubrimiento

SOCIOLOGÍA DE LA LITERATURA INFANTIL Y JUVENIL, ÚLTIMO LIBRO DE MORALES LOMAS Y MORALES PÉREZ

2011-12-01T14:09:00.001-08:00

SOCIOLOGÍA DE LA LITERATURA INFANTIL Y JUVENIL DE F. MORALES LOMAS Y L. MORALES PÉREZ HA SIDO PUBLICADO EN EDICIONES ZUMAYA, GRANADA, 2011, 552 PÁGINAS. (PUEDEN ADQUIRIRLO EN CUALQUIER LIBRERÍA O EN LA SIGUIENTE DIRECCIÓN DE EDITORIAL ZUMAYA: http://editorialzumaya.com/contacto.html)

Sociología de la literatura infantil y juvenil es una obra imprescindible si se quiere penetrar en el conocimiento de la literatura dirigida a los jóvenes en la actualidad y esencial para conocer las claves de su funcionamiento. El conocimiento sobre el lector infantil, sus preocupaciones, su forma de acceder al texto literario y las claves de la animación lectora son trascendentes en esta obra que aspira a recoger de un modo amplio la visión de la literatura juvenil actual. Podemos encontrar las funciones y temáticas habituales de la literatura infantil y juvenil, la estructura formal y la sistematización de las obras, la construcción de los personajes y los argumentos, el desenlace de los conflictos. Pero también se intenta dar respuesta a preguntas sobre el valor de esta literatura y su repercusión en la sociedad actual. En un momento en que el lector infantil y juvenil tienen una gran importancia en el panorama editorial los autores de esta obra profundizan en las obras de este momento pero también hacen una amplia exploración de lo que ha sido la literatura infantil a lo largo de la historia, centrándose en los géneros y las formas de creación y en autores fundamentales como Juan Ramón Jiménez, y desarrollan la semblanza del lector infantil y juvenil, la importancia de la familia, la escuela y el profesorado en la f ormación del lector, así como en la calidad de los textos literarios.

ÍNDICE

LA LITERATURA INFANTIL Y JUVENIL Y SUS PROCESOS CREADORES

A. Especificidad de la literatura infantil y juvenil

1. Deslindes teóricos.

2. ¿Qué entendemos por lector infantil?

3. Percepción e impresiones sobre la literatura infantil. Definiciones y procesos cognoscitivos.

4. La infancia como delimitación de los cauces expresivos del escritor.

5. ¿Cuándo surge la literatura infantil?

6. La infancia en la literatura.

B. Características generales y funciones de la Literatura infantil y juvenil

1. Algunas temáticas infantiles y juveniles. Propuestas de análisis.

1. Temas para adultos y temas infantiles y juveniles.

2. El síndrome de la prohibición y las cortapisas del tratamiento didáctico.

3. La temática del miedo, el terror y la violencia.

4. La mujer como lugar de encuentros y desencuentros.

5. La fantasía y la magia como industria y sugestivo secreto.

6. La magia y sus paradojas:

-Algunas ideas generales.

-Los cuentos infantiles y la teoría de lo mágico.

-La elocuencia de lo mágico y los conflictos en literatura infantil y juvenil.

-Algunos modelos dignos de interpretación.

7. Ambiente familiar.

2. La estructura formal y la sistematización de la obra literaria infantil y juvenil.

1. Algunas precisiones teóricas.

2. La voz y la focalización.

3. Los capítulos.

4. La acción novelesca y el ritmo ágil.

5. El espacio-tiempo narrativos:

a) El bosque.

b) El palacio, el castillo y la casa.

c) Las ciudades, las casas burguesas y los espacios al aire libre.

6. Los argumentos, los asuntos, las historias...

7. La construcción del personaje.

8. El desenlace de los conflictos.

9. El tono.

3. El libro infantil y juvenil y el comercio cultural. Encuentros y desencuentros con el autor. Sugerencias editoriales.

4. ¿La literatura infantil y juvenil es un producto de segunda fila?

C. Breve panorámica de la historia de la literatura infantil y juvenil

1. Antes del siglo XIX.

2. El siglo XIX.

3. El siglo XX.

LOS GÉNEROS Y FORMAS EN LA LITERATURA INFANTIL Y JUVENIL

1. Presupuestos teóricos.

2. Épico.

· Epopeya y cantares de gesta.

· El cuento y las hadas.

· El Mito y la leyenda.

· Fábulas.

· Relatos de aventuras.

· Novelas históricas.

· Ciencia-ficción.

· Novela policíaca.

· Novela rosa.

3. El teatro.

· Teatro de títeres.

· Teatro de sombras.

· Teatro de marionetas.

4. La lírica.

· Las canciones de cuna.

· Los Villancicos

· Las rondas

· Las coplas

· Rimas infantiles

· Trabalenguas

· Retahílas

· Romances

SEMBLANZA DEL LECTOR INFANTIL Y JUVENIL

A. Etapas de la literatura infantil y evolución psicológica del alumnado.

B. Formación literaria del lector infantil y juvenil

1. Algunas apostillas.

2. El lector.

3. La familia.

4. La escuela y el profesorado.

5. Los bibliotecarios.

C. Criterios para seleccionar obras, teniendo en cuenta el texto y el receptor.

1. La calidad literaria.

2. Introducción de elementos atractivos.

3. El tipo de lenguaje, los recursos literarios y el vocabulario.

LA POESÍA INFANTIL Y JUVENIL DE JUAN RAMÓN JIMÉNEZ

Juan Ramón Jiménez, Zenobia y la infancia.
Las ediciones de la poesía infantil y juvenil de JRJ.
Antología para niños y adolescentes (1950) (Edición de Norah Borges y Guillermo de Torre)

LA NARRATIVA DE PABLO ARANDA POR MORALES LOMAS

2011-11-12T01:53:00.000-08:00

PABLO ARANDA Y LA NARRATIVA DEL NAUFRAGIO Y LA ESPERANZA EN UN MUNDO CONVULSO

El escritor malagueño Pablo Aranda forma parte de un colectivo de autores nacidos en Málaga o afincados en ésta que han alcanzado cierta notoriedad en los últimos años gracias al éxito más o menos amplio obtenido con sus obras. Entre ellos podríamos citar a Rafael Ballesteros (más conocido como poeta), que con la pentalogía La muerte tiene la cara azul conquistó el Premio Andalucía de la Crítica de 2010, Campos Reina (desgraciadamente fallecido), Antonio Soler, Juan Madrid, Guillermo Busutil, José A. Garriga Vela, José Manuel García Marín, José Antonio del Cañizo, Emilio Calderón, A. Gómez Yebra, Francisco Fortuny, Juan Francisco Ferré, Alfredo Taján, Jacinto Muñoz Rengel, Carlos G. Navarro, J. M. Villalba, Antonio J. Quesada, Mario Virgilio Montañez, Javier Labeira, J. Francisco Guerrero López, o el que esto suscribe.

Pero Pablo Aranda apenas si era conocido antes de la fecha de 2003 en que publica La otra ciudad. No había noticias sobre él y ésta es de hecho la fecha de inicio de su trayectoria literaria que se ha consolidado en poco tiempo, siendo uno de los narradores actuales andaluces que ha alcanzado más notoriedad junto al cordobés Pérez Azaústre, al sevillano Isaac Rosa o a los granadinos Pérez Zúñiga y Ángel Olgoso.

De hecho algunas de las obras de Pablo Aranda han obtenido premios literarios, y gracias a ello han sido publicadas. En 2002 quedó finalista del Premio Primavera con su novela La otra ciudad (2003). A ella hay que sumar en los últimos años el I premio Sur de novela corta con Desprendimiento de rutina (2003), El orden improbable (2004) y Ucrania (2006), que obtuvo II Premio Málaga de Novela. Recientemente también ha obtenido por una obra de literatura infantil y juvenil, Un pirata en la bañera, el II Premio Ciudad de Málaga de Literatura infantil. Todo ello nos indica que la suerte de los premios y su calidad literaria han sido algunas de sus principales aliadas.

En su primera obra, La otra ciudad (2003), abordaba la narrativa de personajes en el ámbito de la marginación malagueña con el subsuelo de la inmigración como bandera organizativa y evolutiva. Múltiples personajes con relaciones afectivas que iban transmitiendo su mundo exclusivo en el que se apreciaba un compromiso social y una voluntad de construir la desorganización de los mundos propios con la constante amenaza de la droga, la cárcel, la marginación y la descomposición familiar e individual.

Una novela de corte existencial sobre lo duro que puede ser la vida para unos personajes que viven su propio crecimiento personal. Se trata de antihéroes cuyas historias surgen desde un costumbrismo vital: una madre con un adolescente que ingresa en un reformatorio, un profesor de instituto abandonado por su mujer, un mecánico, una inmigrante marroquí, Nadia. Vidas sencillas con las que se puede sentir identificado cualquier lector, aunque es cierto que con una tendencia al melodrama social y en medio de un entramado de situaciones habituales y bastantes normalizadas. Paco, el protagonista vive en una ciudad que puede estar perfectamente identificada con Málaga pero también con otras de tipo medio como Sevilla o Bilbao, en un barrio de trabajadores, con una gran lacra que no sólo es personal en tanto la ausencia de perspectivas y el hastío vital crean en él una atonía existencial de corte barojiano sino también familiar porque en su casa las dificultades son extraordinarias: un hermano enganchado a la droga y un padre alcoholizado. El futuro no existe, el presente es una tragedia: el alcohol, las drogas, la violencia, la ausencia de perspectivas conducen su existencia a un callejón con muy pocas salidas. Un mundo que crea su propio microcosmos (en mitad de ese macrocosmos también sin sentido) en el que trata de vivir como puede, evitando su contaminación y caída definitiva. Por eso cultiva la amistad con Richa y acaba enamorándose de otra forma de ver el mundo, de la inmigrante marroquí Nadia, que quizá puede tener aun más motivo para la queja que él.

En tanto su existencia se traslada a otra cultura diferente en la que la acogida no es buena y en la que tiene que sobrevivir teniendo el desengaño como guía permanente. La historia surge rauda, de repente y va construyendo por un sistema de acumulación de acontecimientos que van y vienen en pequeños trazos de tipo impresionista con intención de construir una situación personal y vital desde la infancia hacia la aparición última de la inmigrante marroquí, Nadia, y el amor como consuelo ante la desolación. Otro tema la relación amor-frustración que también estará presente en obras posteriores como El orden improbable y en Ucrania. Y es que creo que gran parte de su narrativa ya se halla presente en esta novela en cuanto a las diversas posibilidades que ofrece el amor como temática de la salvación personal ante un cúmulo de adversidades que uno no controla. Lo individual se sobrepone a lo social. El amor a la comunidad y su problemática.

El realismo es tomado como horma narrativa y lo proyecta con un uso cercano y naturalizado, y una amplitud de registros literarios que hace adentrarnos sinuosamente en los personajes y vivir sus vidas con bastante normalidad, en un ámbito de tragedia contenida donde el punto de vista del narrador se multiplica en función de los personajes que abordan su día a día en una sociedad dominada por los perdedores: “Esa otra ciudad tan diferente, tierna y dura a la vez, donde las personas se encuentran de una manera distinta, y de una manera distinta también se alejan. Esa parte de la ciudad tan real y verdadera que la mayoría de las veces casi asusta mirarla, y casi que no lo hacemos. Esa ciudad llena de heridas abiertas, risas, amores y desamores, dolores y lealtades”[1].

Algunos críticos han visto deudas de esta novela con la narrativa de Antonio Soler, amigo del escritor, en “la fragmentación del ritmo interno, el leguaje coloquial convertido en su propia barroquización, los personajes que vienen de la nada y se dirigen inevitablemente hacia la nada. Por otra parte, los esfuerzos del autor para sofisticar la prosa haciendo de ella un cruce entre literatura oral y fluir ligero de la conciencia (otro recurso de Soler)” [2].

Creo que estas evidencias existen, sin embargo, los recursos de Soler apuestan más por un lenguaje un tanto sorpresivo, por una mayor desenvolvimiento formal y por una más profunda atención a la dinámica lingüística, así como un mayor valor simbólico y representativo de sus historias y ámbitos vitales.

Proseguía A. J. Luna diciendo que “estos esfuerzos formales -repito- tropiezan con un dominio desigual del ritmo prosístico; un ritmo que a veces chirría y muestra impúdicamente su artificio. Si a esto unimos que algunas de las historias no son tan brillantes y que no todos sus personajes resultan tan afortunados o necesarios, hay que concluir que la novela presenta un cierto desequilibrio de fuerzas. Aún así, su autor es un buen escritor. Aún así, Pablo Aranda evidencia rabia literaria. Y eso, la rabia literaria, escasea desde hace mucho tiempo en las mesas de novedades. En resumen, un libro con germen de literatura, a pesar de desequilibrios técnicos”[3].

Sin embargo, ha habido otros críticos cuya opinión con una primera novela no es tan áspera como la de Luna. Entre ellos está Care Santos, que saludaba a esta novela como una magnífica obra y “una mirada muy periodística a la que no se le escapa detalles y que sabe enriquecerse con la sensibilidad del buen contador de historias”. Y añadía desde las páginas de El Cultural: “La otra ciudad no sólo es una magnífica primera novela, también es una historia que retrata algunos de los males de nuestra sociedad, un espejo nada deformante pero sí parcial -refleja, sobre todo, a los más desvalidos- en el que se reflejan los monstruos que nos acechan. Y algunas otras cosas, de las que enseguida damos cuenta (…) Todo ello para narrarnos un aprendizaje, porque la novela de Aranda es, sobre todo, una historia iniciática en la que el autor parece decirnos que incluso en nuestros tiempos y con las lepras que nuestra sociedad padece, el amor conserva aún toda su fuerza redentora. Y, por supuesto, su innegable potencial novelesco”[4].

Esta novela fue, finalmente, llevada al cine por la ministra de Cultura y realizadora Ángeles González Sinde, que fue quien llevó a cabo personalmente el guión de la misma, y estrenada en la primera edición internacional de Cine y Ficción para Televisión de Valladolid con producción de TVE y TV3, entre otros. Los protagonistas de la película fueron Tristán Ulloa, Marta Milla y Aida Oset.

En Desprendimiento de rutina (2004) el protagonista es Luis, un personaje obeso y desvaído que vive enamorado de la cerveza y de la comida basura que, tras varias desventuras, decide hacer lo que le dé realmente la gana y que pierde una subvención al no llegar a tiempo para entregar unos informes a su empresa y este acto rutinario se convierte en una evidente aventura en el abismo. De nuevo los embates de la realidad se adueñan de la obra para operar en nuestra contra. Los héroes literarios de Pablo Aranda deben hacer frente a un destino aciago que siempre está dispuesto a jugarle una mala pasada. Así sucedía con Paco en La otra ciudad, con Nuria en El orden improbable o Elena, la ucraniana protagonista de Ucrania. Ante estos conflictos sobrevenidos, sus personajes, aceptan siempre la realidad como Luis y se adaptan a ella para no ser dilapidados completamente: “Siempre observo lo que me rodea. Y todo lo que capto son elementos útiles para la literatura. La realidad más cercana es la que más me atrae y me permite bucear en los personajes que son protagonistas de historias que apenas conozco”.

A partir de ahí ese mundo de Luis se va llenando también de otros personajes, como su novia (a la que será infiel) que viven sus vidas con naturalidad (un hecho sintomático en sus novelas) que aspiran a cambiar el mundo aunque muchas veces éste los determina y los subsume.

Aunque pudiera parecer que la novela deriva y podría acabar siendo un pozo sin fondo, en realidad siempre existe en su obra un deje de esperanza que se sobrepone por encima de un mundo de contrariedad y desencuentro.

El realismo, tan determinante de toda su producción, aspira a una especie de naturalidad conquistada y los sucesos (en muchos casos entretenidos) a medida que Luis va complicando una vida de mentiras y despropósitos.

En El orden improbable (2004) la protagonista, Nuria, es una malagueña que a la edad de veinte años deja Málaga y se marcha a Madrid para iniciar una nueva vida. Sin embargo, la frustración y el fracaso, tema frecuente en sus obras, pronto se adueña de su vida cuando descubre que su pareja le engaña. Al cabo de los veinte años, y tras separarse de ella y verse envuelta en un hurto en la joyería donde trabajaba que le puede costar muy caro penalmente, decide volver a Málaga. El encuentro no es muy satisfactorio, en tanto es recibida fríamente por el padre, que sufrió mucho su ida y de modo harto indiferente por el hermano taxista. Y un tanto críticamente por la madre. En consecuencia, no sólo ella ha cambiado, también lo ha hecho el entorno social, la familia y los amigos que aparecen como seres lejanos y un tanto extrañados. Nuria debe hacer frente a este entorno hostil, pero también a su pasado, a su memoria. Ambos se coaligan para actuar en su contra. Nosotros no sólo somos dueños de nuestros actos (Nuria lo es) sino también de los actos ajenos que nos impelen a actuar en una línea que quizá no deseábamos.

De pronto la existencia, parece decirnos Aranda, se puede debilitar por cualquier hecho ajeno a nosotros y no sólo podemos entrar en una situación complicada sino frustrante y “desordenada”. Nuria, que había ordenado su vida en Madrid, de pronto se ve envuelta en una cierta desolación y desesperanza. Ese orden se ha roto. Garrido Moraga[5] hablaba de que en su obra se produce acaso un “territorio de fracasos”: “Unos personajes que fracasan en sí y para los parámetros que el mundo utiliza en forma de éxito económico y social. El componente autobiográfico es clave en la vida de todos, empezando por Nuria que abandonó Málaga, su ciudad, con veinte años, para marcharse a Madrid (...) Vuelve a su ciudad y recupera recuerdos y personas, vuelve a sufrir con el pasado y busca un nuevo lugar, físico y emocional desde el fracaso de un amor de once años de convivencia”.

El origen de su creación había sido muy diferente al resultado final. Afirma el autor que de "una idea argumental poco elaborada" con la que pretendía dar "un tratamiento de humor" a El orden improbable, algo que no le salió: "Me interesa la literatura de perdedores, la literatura social de los años 60, y eso es lo que intento hacer, pero dando algo de esperanza. Cuento historias duras, pero con un margen, intentando que sea verosímil".

También ha dicho que ha sido la novela que más ha corregido, con la que más ha vuelto atrás y con la que más inseguro se ha sentido en el proceso: "Le he dedicado muchas horas y he reescrito mucho porque quería que fuera una novela buena y que gustara al lector”[6].

El proceso narrativo en el que se ve envuelta su protagonista, sobre la que pilota toda la obra, es descrito como un mecanismo de extrañamiento de lo diario de corte emotivo e intimista que, en cierto modo, continuaría la línea que comenzó con La otra ciudad. En el transcurso de la novela el encuentro con otros personajes: los abogados que le llevarán su cuestión legal y la reconstrucción rauda de los años vividos en Madrid nos permitirá ir generando la situación novelesca. Entre esos personajes más llamativos podemos encontrar a Sole, una bailaora que vive sus propios sueños-fracasos mentales; su hermano el Robe, el taxista que vuelve a la casa; Jaime, un alcohólico rehabilitado gay que vive con su madre enferma; el Sueco, que es “el príncipe sucio” de Nuria, un camarero, un tanto macarra que disfruta llevándola en su moto por distintos garitos de Málaga. Un conjunto de personajes que nos invitan no sólo a vivir el pasado sino también a reconstruir el futuro.

Es verdad que el fracaso está unido a aquel pero no a éste como se deriva de la anécdota final y del proceso de progresivo optimismo del narrador con su protagonista: “También El orden improbable se alimenta de esa poética, a la que hay que añadir el punto de vista, siempre del lado de quienes no protagonizan nada que vaya más allá de sus vidas. De nuevo la ciudad es el espacio vivido y conocido. De nuevo un equilibrio de fuerzas bien diseñado entre narración y diálogo, una pizca de humor y de ternura repartida entre la genuina variedad de tipos que habitan el escenario urbano, y un narrador omnisciente que organiza y explica el relato, hacen que este autor mantenga expectativas que no se agotan con esta historia”[7].

En consecuencia, a pesar de las dudas, del fracaso y de las huidas que nos desarrolla a través de un proceso de asociación mental, nunca de una manera lineal, sino dando continuos saltos en el tiempo, consigue crear en su vida cierto orden, un «orden improbable» donde por fin encontrará la felicidad final que transmite el autor en las últimas páginas: “El título, El orden improbable, es más que acertado, ya que por más que nos empeñemos en llevar nuestras vidas por un determinado carril, siempre se dará este orden improbable que nos hará llegar a la felicidad por otros medios y encontrarla en lugares que ni sospecharíamos[8].

Con un lenguaje vivo y directo, Pablo Aranda nos sumerge en las vidas de sus personajes y compone un complejo mural coronado por un final que es sumamente oportuno con su forma de ver la realidad y un optimismo evidente, a pesar de todo: “El orden improbable guarda un esperanzador vitalismo, transmitido en un relato sólido y coherente, escrito con aparente sencillez pero muy trabajado –hasta adquirir una notable fluidez y una proporción entre narración y diálogo- en el que se mueven Nuria y los personajes que la circundan (…) todos de carne y hueso, buscando también el hilo de Ariadna de sus laberintos”[9].

Ucrania (2006) fue galardonada con el II Premio Málaga de Novela, convocado por el Instituto Municipal del Libro en colaboración con la Editorial Destino.

Como Nuria en El orden improbable, también en esta novela la protagonista es una mujer. En este caso una mujer extranjera. Elena es una mujer preparada y con una formación intelectual que sirve de germen de una historia personal a partir del momento en que llega a Málaga para trabajar como una de tantas inmigrantes en el servicio doméstico. “Aquí su vida –decía Aranda- se ve condicionada por los miedos e ilusiones de tres adolescentes. Incluso estuve hablando con unas cuantas, para conocer las sensaciones que les causaban el cambio de país y qué cosas les llamaban la atención de Málaga”.

Pero también es cierto que junto a ella hay un grupo que determina todo el proceso narrativo en cuanto posee un enorme poder simbólico, un grupo de jóvenes malagueños que estudian en el mismo centro en los años ochenta. Viven sus experiencias adolescentes y programan el futuro. Después llegan a la facultad y comienzan a estudiar sus respectivas, mientras que Jorge (el otro protagonista) se hace mecánico de automóviles. Ya con treinta años se enamora de una ucraniana por Internet, mientras su hermano Julián acaba en la cárcel. Jorge es un muchacho de espíritu complicado y un tanto desarraigado pero la protagonista ha dejado en Ucrania a su hijo, en la casa materna, y desea traerlo a España como único objetivo. Hay otros personajes protagonistas, otra mujer y otro hombre, que conviven en un barrio de clase media de Málaga con lo que apuesta una vez más Pablo Aranda en convertir la normalidad del barrio y sus gentes en personajes literarios. Inmigrantes que buscan dinero fácil y desengañados.

Aranda se siente a gusto en Málaga donde trascurren la mayor parte de sus historias y, como en otros escritores malagueños, que han apostado abiertamente por convertir a su ciudad en centro de sus acciones, Aranda se desenvuelve en ella con afecto y sobre todo con conocimiento de causa porque es lo que mejor para cualquier narrador (también en Antonio Soler sucede así) y puede llegar a transmitir en sus obras todo el poder y el simbolismo de la ciudad y es más fácil visualizarla al escribir, aunque también conoce Ucrania –en la que ha estado de viaje- y este hecho permite un mayor acercamiento al espacio narrativo de la protagonista. Al respecto declaraba Aranda lo siguiente: “Por un lado me ha divertido escribir sobre lugares que tengo aquí mismo, por otro en muchas novelas aparecen calles y éstas no tienen por qué estar siempre en Madrid o Barcelona (ciudades que por cierto me encantan).´Me gusta ser de donde soy, pero no creo que Málaga sea mejor ni peor que ningún otro sitio. Que yo sea de aquí es casual, supongo”.

Tanto el ámbito geográfico como los personajes además se sostienen en todo lujo de detalles, un puntillismo que le permite jugar por momentos a una suerte de construcción visual, imaginaria y sensitiva de muchos aspectos. Un conjunto de situaciones e historias de personajes que acaban cruzándose formando una especie de maraña o gran puzzle: “Intento que las historias no acaben con flecos sueltos, sino que se entrecrucen. Eso pasa con la historia de la ucraniana y con la vida de uno de los tres adolescentes a los que retrato”. A este respecto también decía Basanta lo siguiente: “La novela encuentra su mejor acierto formal en el continuo entrecruzamiento de planos temporales, con múltiples analepsis y prolepsis que recuerdan aspectos del pasado y anticipan situaciones futuras. Este deslizamiento del pasado al presente y viceversa está desarrollado con fluidez y naturalidad, favorecido por la división del texto en cien capítulos cortos. Y su labilidad estructural se apoya en la libre asociación de ideas y en la recurrencia de los personajes principales y de sus motivaciones. Es una técnica deudora de la empleada por el también malagueño Antonio Soler”[10].

En consecuencia, es una novela cuyos personajes, nos resultan cercanos por su naturalidad y los podemos encontrar en cualquier barrio de cualquier ciudad de España. Una mujer que llega desde Ucrania para alcanzar una vida mejor (como tantos españoles trataron de hacer en el pasado en Alemania, Francia o Bélgica) y un grupo de amigos desde la adolescencia constituyen ese eje alrededor del cual gira la novela. Sin embargo, el eje de la frustración, siempre presente en su obra, llega con todo su poder trágico y de seducción.

En primer lugar, el amor (que a veces no es correspondido) y también la existencia de conflictos personales y sociales que derivan hacia situaciones de inseguridad personal. Inmerso totalmente en el realismo Aranda no desdeña la crudeza de la sociedad actual y conocedor, como es, por el ejercicio de una de sus profesiones, accede a ello con naturalidad y hipostasiar el lenguaje o sin forzar las situaciones que le tocan vivir a los personajes. Pero también, como en todas sus obras existe una evidente carga crítica ante la situación de la sociedad actual. Al respecto el autor, en declaraciones a Rafael Cortés, distinguía entre el compromiso de escritor y el compromiso de la obra literaria que consideraba perfectamente diferenciados: “El compromiso debe ser literario. El escritor puede comprometerse, pero la obra literaria no, porque corre el riesgo de convertirse en un panfleto. En el caso del articulista en prensa, sí que tiene que estar comprometido, con la palabra y con lo que cuenta (…) No es una novela reivindicativa, sino una obra literaria en la que cuento historias cercanas, de gente de ahora que podemos reconocer, por los tipos sociales actuales, aunque es todo ficción. Algunas veces un poco dura, pero contada con ternura, una historia cercana y de la calle.” [11] Aranda, de hecho, acepta el adjetivo social para aplicarlo a esta novela pero no el de denuncia, porque este término le resulta panfletario: “Es muy difícil hablar del mundo de hoy sin tocar el tema de los inmigrantes. El hecho de que sea una ucraniana que viene de su país a Málaga me permite jugar con las distancias. Los 3.000 kilómetros que separan Ucrania de Málaga suponen tanta distancia como la que existe con tu vecino de al lado, que a lo mejor está más lejos de ti que una ucraniana. Si hubiese que etiquetar la novela, el nombre sería social. Denuncia, no, porque es peligroso. Puedes convertir la novela en un panfleto”[12].

En definitiva una obra de calidad y compleja que aborda en cierto modo un proceso de aprendizaje y adaptación a la existencia. Aprendizaje y adaptación en el permanentemente se ven envueltos sus personajes que se puede considerar una despedida de los sueños y una conquista de otros nuevos: “despedida y evocación de la adolescencia desde la quiebra de tantos sueños consumada con el transcurso del tiempo, y a la vez se adentra en el extravío existencial producido por la incertidumbre de los destinos humanos de aquellos jóvenes ya en su edad adulta. Hay, pues, un significativo contraste entre el ayer de adolescentes soñadores y el hoy de adultos en la encrucijada de la existencia. Y sobre ese continuo vaivén temporal surcado en busca de abrigo del frío de la vida está construida la estructura de esta novela coral, polifónica, por la profusión de monólogos y diálogos fundidos en el tejido narrativo, con entrecruzamiento de voces de los personajes principales”.

[1] Acosta, A.: “La otra ciudad”, [en línea], Dirección URL: (Consultado el día 3 de octubre de 2011).

[2] Luna, A. J.: “La otra ciudad”, Los Proscritos La Revista, martes 25 de octubre de 2011, año 3, núm. (Consultado el día 31 de septiembre de 2011).

[3] Ibidem.

[4] Santos, C.: “La otra ciudad. Pablo Aranda”, El Cultural, 25 de septiembre de 2003.

[5] Garrido Moraga (2004: 68).

[6] S.A.”Pablo Aranda reflexiona sobre las equivocaciones y las oportunidades para volver a empezar El orden improbable”, [en línea], Dirección URL: (Consultado el día 24 de septiembre de 2011.)

[7] Castro, P.: “El orden improbable”, El Cultural, 20 de enero de 2005.

[8] Gil, L.: “El orden improbable”, [en línea], Dirección URL: (Consultado el día 18 de septiembre de 2011).

[9] Rodríguez Santos, C.: “La vida por delante”, El Cultural de ABC, 29 de enero de 2005, p. 8.

[10] Basanta, A.: “Ucrania”, El Cultural, 18 de enero de 2007.

[11] Cortés, R.: “Pablo Aranda consigue el Premio Málaga de novela”, Sur, 17 octubre de 2006.

[12] Mellado, S.: “Me atraen las mentiras y los que no pertenecen a un sitio”, El País, 1 de diciembre de 2006.

IMÁGENES DE LA PRESENTACIÓN DE JORGE LUIS BORGES, LA INFAMIA COMO SINFONÍA ESTÉTICA DE F. MORALES LOMAS

2011-10-10T04:28:00.001-07:00

F. MORALES LOMAS Y JORGE LUIS BORGES, LA INFAMIA COMO SINFONÍA ESTÉTICA

PRESENTACIÓN EN MÁLAGA, DÍA 6 DE OCTUBRE DE 2011

A. GARCÍA VELASCO, PRESENTADOR DE LA OBRA, Y F. MORALES LOMAS, AUTOR DE LA MISMA

LA FUENTE ES DIARIOLATORRE.ES

http://www.diariolatorre.es/index.php?

id=39&tx_ttnews[tt_news]=19494&tx_ttnews[backPid]=176&cHash=59c85c9437

FIRMA DE EJEMPLARES DEL LIBRO

ASISTENTES A LA PRESENTACIÓN

C. BENÍTEZ VILLODRES, J. GARCÍA PÉREZ Y ANTONIO J. QUESADA

DURANTE LA PRESENTACIÓN

NUEVO LIBRO DE MORALES LOMAS SOBRE BORGES

2011-09-02T03:35:00.000-07:00

JORGE LUIS BORGES, LA INFAMIA COMO SINFONÍA ESTÉTICA

DE FRANCISCO MORALES LOMAS,

EDICIONES CARENA, BARCELONA, 2011, 300 PÁGS.

Será presentado en Málaga el jueves 6 de octubre a las 20:00 h. en la librería CinchoEchegaray por el escritor y profesor titular de la Universidad de Málaga, Antonio García Velasco.

http://www.google.com/imgres?imgurl=http://www.edicionescarena.org/banco/upload/img462_p1.jpg&imgrefurl=http://www.edicionescarena.org/contact/69&usg=__3rGmkTo7ZGkXacSROtap30TQLao=&h=140&w=98&sz=13&hl=es&start=5&sig2=lLvsUT7AT_uUC-fX3kkL4w&zoom=1&tbnid=Z1PxDW_EryxXtM:&tbnh=93&tbnw=65&ei=hLJgTpmwG8bxsgb154nqDQ&prev=/images%3Fq%3Dfrancisco%2Bmorales%2Blomas%252BBORGES%26hl%3Des%26tbm%3Disch&itbs=1

Se acaba de publicar la obra “Jorge Luis Borges, la infamia como sinfonía estética” del escritor y ensayista F. Morales Lomas.

Borges es un escritor universal. Su obra abarca lo oriental y lo occidental, lo cristiano y lo musulmán pero también un nuevo concepto de la realidad y de lo mágico. Su figura se agranda con el tiempo tanto que es necesaria su revisión constantemente y su consideración como uno de los grandes escritores en español del siglo XX. El escritor y profesor Morales Lomas ha querido adentrarse en los mecanismos que conforman su capacidad creativa a través de “Jorge Luis Borges, la infamia como sinfonía estética”, con la que ha querido revelar un mundo preciso desde su obra inicial, cuando la lectura llevada a la obra propia alcanzaba un valor literario en sí mismo. Metaficción, metaliteratura, creación de mundos cabales de gran capacidad artística y, sobre todo, organización de una narrativa tan original y personal como pocos escritores en la historia de la literatura.

Morales Lomas

(Fragmento del Prólogo)

El principio que sostiene la literatura borgeana es que «la literatura no es otra cosa que un sueño dirigido». La ficción estética y sus galanes procesos nacen y crecen en los sueños, como la existencia de los seres humanos en la imaginación de Dios y de Lucifer. Así lo declara en el Prólogo de El informe Brodie (1970), donde realiza un análisis epilogal y expresivo de su estética literaria y, entre otras cosas, observa que con sus cuentos no pretendió sino distraer y conmover. Creo que estos dos principios, que suscriben muchos escritores entre los que me encuentro, son inherentes al hecho literario, lejos de esa dimensión estética y ética que igualmente posee, al menos para el que esto subscribe. También nos afirma Borges que pocos han sido los argumentos que le han hostigado a lo largo del tiempo y, en consecuencia, se autodefine como un escritor monótono temáticamente. Y siempre ha preferido en su obra «la preparación de una expectativa o la de un asombro» y no las sorpresas del estilo barroco o las que deparan un final imprevisto. Se define lingüísticamente en la indefinición porque nunca ha pretendido concentrar su obra en lo que dicen los diccionarios a los que considera reductores de la realidad. Pero, sobre todo, se ha dejado llevar en la construcción por el principio absoluto de la libertad, de ahí el situar sus obras en lugares lejanos al momento en que escribe que impidan los límites espaciales tanto como la relación sentimental con la causa-efecto.
En consecuencia, sus principios rectores son:
1) El escritor debe elaborar su obra en plena libertad creativa.
2) La literatura debe distraer, entretener o divertir al lector.
3) La literatura debe conmover, emocionar, impresionar al lector.
4) La literatura debe crear expectativas y asombro en el lector.
5) La literatura debe abarcar la lengua en su más elevada dimensión.

LA POESÍA COMPLETA DE J. HILARIO TUNDIDOR POR MORALES LOMAS

2011-07-02T02:28:00.000-07:00

(Este texto que tiene ante sus ojos el lector/a es un extracto de un amplio estudio sobre la obra completa del poeta zamorano Jesús Hilario Tundidor que se publicará próximamente en una revista literaria. En su momento pondremos la referencia donde el lector podrá satisfacer cumplidamente su curiosidad una vez que se publique)

Hace unos meses la Editorial Calambur publicó Un único día[1] del escritor zamorano Jesús Hilario Tundidor, obra en dos volúmenes y cerca de mil páginas que se considera hasta ahora su obra completa:

Sus dos partes –dice el poeta- formarán una entidad única, organizada, que ofrece mi visión personal del mundo, mi reflexión sobre la vida que viví y mi esfuerzo por clarificar la emoción del conocimiento que me produjo el acontecer, sus circunstancias y sus experiencias.[2]

Hilario Tundidor es uno de los más conspicuos miembros de la generación del 60, lo que en algunos estudios he dado en llamar Poetas del 60. Una promoción entre paréntesis[3], y a la que pertenecerían, entre otros, Antonio Hernández, Diego Jesús Jiménez, Joaquín Benito de Lucas, Francisca Aguirre, Ángel García López…
Un grupo poético anterior a los Novísimos y al que estos, quizá por azares de la mercadotecnia de Castellet y el grupo catalán, despojaron del protagonismo que se merecían. No obstante, aunque lentamente y de la mano de ensayistas y críticos como Gonzalo Santonja, Francisco J. Peñas-Bermejo, Manuel Rico, Pilar Palomo, L. García Jambrina, Antonio Domínguez Rey, Miguel Galanes, Alberto Torés, y yo mismo… se está ubicando a este grupo en el lugar histórico que se merece y se le está devolviendo el protagonismo cultural y social que ha tenido, aunque es evidente que se necesita de estudios de conjunto necesarios –en uno de ellos estamos inmersos- que hagan definitiva esa imagen pública. Algo similar sucedió en su momento con el Grupo Cántico de Córdoba (y su máximo representante, P. García Baena) cuya ubicación en los manuales de literatura como excelente grupo poético ha sido relativamente reciente, gracias fundamentalmente a los estudios de G. Carnero.
La publicación última de la obra completa de algunos poetas de este grupo como Ángel García López, Antonio Hernández, Joaquín Benito de Lucas y ahora J. Hilario Tundidor contribuirá sin duda a ello.

Volumen 1 Borracho en los propileos

La poesía de Hilario Tundidor es personal y original. Tiene un estilo propio, una marca indeleble que concita la nutrición del mundo, del hecho de vivir y del camino y la jornada con un lenguaje creador aunque inserto en una tradición literaria que llega desde Jorge Manrique y el Renacimiento. Posee una voz propia, rotunda, castellana aunque también en ella existen efluvios del Sur, vía JRJ básicamente. Para Hilario Tundidor la poesía es “inteligencia, emoción, intuición y lenguaje”. ¡Cuántas resonancias de Juan Ramón Jiménez! Y esto le permitirá, como en su momento al poeta de Moguer, relacionar inteligencia y poesía, pero en el caso de Hilario Tundidor con una variante manifiesta de la libertad y sus correlatos jugando a la síntesis: “Sólo tú inteligencia, puedes darnos el nombre: Poesía, oh, libertad, oh libertad inmensa”. Y, en esa dinámica creadora, es el signo lingüístico, la palabra (“ácido código”, “inhóspita soledad, cauce imposible de la forma seca) quien funde y dilata el poema, desvelando y ordenando la realidad: “la realidad real que cerca al hombre y que nunca podremos establecer definitiva en el conocimiento”.

Aunque dividido en dos volúmenes, Un único día ha sido concebido con una voluntad esencial y unitaria, de circularidad, por cuanto Hilario Tundidor ha optado por darle sentido al conjunto desde la ordenación sistémica del mismo en dos grandes apartados que llevan al final un colofón (el poema último) a modo de cierre; pero también por las palabras de la “Addenda” en la que el poeta explica la razón de ser de Un único día como una síntesis entre un intento por comprender el mundo y su luminosidad junto al encuentro del ser en una dialéctica profundamente conmovedora. La ensayista Giuliana Baita hablaba también de dos épocas en su obra: “El vivir y su entorno” para los libros de la primera época y “La poesía ontológica”, para la segunda. En la primera habría una visión existencial máxima, una inmediatez geográfica emocional de implicaciones personales y reflexiones críticas de carácter testimonial que trascienden la objetivación específica: “En esos reflejos mi tono poético nunca ha sido, plenamente, ni testimonial ni crítico hasta ahora, sino reflexivo”[4].
La unidad del libro, salvo Pasiono, no se presenta en aspectos argumentales temáticos sino emocionales. En la segunda, cada libro, “refiriéndome exclusivamente a la construcción formal ofrece una estructura orgánica de argumento unitario, bien en su totalidad (Libro de amor para Salónica, Mausoleo, Construcción de la rosa) bien en cada una de sus partes (Repaso de un tiempo inútil, Tejedora de azar y el mismo Tetraedro)”[5]. Pero esta elaboración en dos apartados, desde el punto de vista crítico, no debe verse como compartimentos estancos tal como ha dicho la crítica:

No se trata, pese a lo que podría pensarse, de bloques estancos, cerrados en sí mismos, sino que, aunque existan similitudes y diferencias que permitan realizar la división entre ambos conjuntos (por ejemplo, la unidad orgánica y temática de los segundos, frente a una unidad lograda por cierto tono general en los primeros), la obra de Tundidor, puede ser valorada, según expresión de Miguel Casado, como "un continuo", que asienta su trabazón orgánica en la dinámica desarrollada, a lo largo del recorrido creador, por la adopción de posturas sucesivas, pero a la vez superpuestas, que podríamos resumir mediante el triple calificativo: EXISTENCIAL- EMOCIONAL-ESENCIAL. Este trinomio funcionará como eje conductor de una poesía que se debatirá en un primer momento dentro de una preocupación existencialista y social, para más adelante, centrarse en la reflexión sobre el conocimiento, en una epistemología.[6]

En el primer volumen, que lleva por título Borracho en los propileos (1960-1978), reúne los siguientes libros: Río oscuro (1960), Junto a mi silencio (1963), Las hoces y los días (1966), Voz baja (1969), Pasiono (1972) y Tetraedro (1978). Expone Hilario Tundidor las razones de este título de Borracho en los propileos:

El argumento general de este poema globaliza las connotaciones de la búsqueda de conocimiento y la luz en la emoción de la escritura poética (…) La materia fundamental unitiva, organizante del libro, es la emoción existencial y sentimental del individuo ante la existencia y lo consuetudinario.[7]

Volumen 2 Repaso de un tiempo inmóvil

El segundo volumen de su poesía, titulado Repaso de un tiempo inmóvil (1980-2008), se compone de los siguientes títulos: Libro del amor para Salónica (1980), Repaso de un tiempo inmóvil (1982), Construcción de la rosa (1990), Tejedora del azar (1995) y Las llaves del reino (2000).

[1] Hilario Tundidor, J.: Un único día, Madrid, Calambur, 2010.
[2] Hilario Tundidor, J.: “Addenda” en Un único día, op. cit., p. 416.
[3] Morales Lomas, F.: “Promociones y grupos poéticos” en Travesías de las lírica española, Centro de Ediciones de la Diputación, Málaga, 2006, pp 309-331 y también en mi estudio “Poetas del 60 (Una promoción entre paréntesis)”, Canente (2ª época), núm. 1, Málaga, 2001, pp. 259-300.

[4] Artuñano, G.: “Dos entrevistas fundamentales”, ABC Castilla y León, 23 de enero de 2000.
[5] Ibidem.
[6] Hilario Silva, P. y Crespo Massieu, A.: “Apasionar la inteligencia: un recorrido por las claves poéticas de Jesús Hilario Tundidor” en La Pasión por reconocerse. La poesía de Jesús Hilario Tundidor (Ed. de Baita, Giuliana, traducción de la autora con revisión de Pedro Hilario Silva y Prólogo del mismo y Antonio Crespo Massieu). Valladolid, Ediciones de la Academia Castellano–Leonesa de Poesía. 2002.
[7] Rodríguez Muñoz, P.: “Enclaverevista analiza Un único día, toda la poesía de Tundidor”, [en línea], dirección URL:< http://www.enclaverevista.com/libros/articulo.php?id_articulo=795> (Consultado el día 11 de junio de 2011).

Algunas reflexiones sobre la poesía de Rafael Guillén, Premio Nacional de Literatura, por Morales Lomas

2011-06-30T07:27:00.000-07:00

Recientemente, he llevado a cabo la edición, selección y estudio crítico (ochenta y seis páginas donde analizo la obra) de Ser un instante (Antología poética 1956-2010) del poeta granadino Rafael Guillén, Premio Nacional de Literatura en 1994 y uno de los autores vivos más importantes del panorama actual de la literatura española. La publicación ha sido llevada a cabo en un bello volumen de cuatrocientas cuarenta y tres páginas por la Fundación Unicaja, dentro de la colección Clásicos Contemporáneos de Poesía que coordina J. García Pérez.

Rafael Guillén nació en la calle San Juan de Dios, esquina a Cardenal Mendoza, el año 1933. A los dos años muere el padre. Después llegará una dura posguerra en la que cursará estudios elementales en el Seminario de S. Cecilio, dirigido por los Jesuitas, y realiza diversas ocupaciones para ayudar a la familia. Asiste más tarde como libre oyente al Instituto Padre Suárez y después se matricula en la Escuela de Comercio, ingresando en el Banco Hispano Americano.
En 1953 funda con José G. Ladrón de Guevara, Elena Martín Vivaldi, Julio Alfredo Egea, José Carlos Gallardo, Miguel Ruiz del Castillo y otros poetas el grupo "Versos al aire libre”, un grupo que rompió el silencio tras el asesinato de García Lorca. Conoció a Blas de Otero con motivo de su servicio militar y fundó y dirigió, junto con José G. Ladrón de Guevara, la colección de libros Veleta al Sur, única manifestación poética en Granada desde 1957 hasta 1966.
En 1962 colabora con Jaime Gil de Biedma, José Agustín Goytisolo, Félix Grande y Jaime Ferrán, en el nº 1 de la rev. "La Trinchera", dirigida en Sevilla por José Batlló. Y en 1963 consiguió el Premio Internacional del Círculo de Escritores Iberoamericanos de Nueva York al que se unirá desde entonces un largo etcétera de reconocimientos como el Premio Leopoldo Panero, el Boscán… hasta llegar al Premio Nacional de Literatura en 1994, premio que hasta entonces sólo había recaído en un granadino, Luis Rosales, en 1951.
Posee la Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de Granada y es miembro de la Academia de Buenas Letras, también de Granada, en cuya creación ha participado.
Poemas y artículos suyos han sido traducidos a numerosos idiomas. La Editorial Northwestern University Press, de Evanston, Il. (USA) ha publicado en 2001, con el título I´m Speaking, una antología de su obra, en edición bilingüe, con traducción al inglés de Sandy McKinney.
En la Historia Crítica de la Literatura Hispánica la catedrática Pilar Palomo lo estudia en el epígrafe "Poetas de los 50"; y se le consideraba como a "uno de los mejores poetas actuales".
Pilar Gómez Bedate en la Historia de la Literatura Española (Cátedra), Elena Barroso en Poesía Andaluza de hoy (1950-1990) (Biblioteca de la Cultura Andaluza) y Angel L. Prieto de Paula en Poetas españoles de los cincuenta (Biblioteca Hispánica, de Ediciones Colegio de España, Salamanca), entre otros autores, lo incluyen igualmente entre los más importantes autores de su generación.

Rafael es el caso significativo del escritor fiel a sí mismo y a su modo de ser y estar en el mundo. Siendo su lírica uno de los acontecimientos poéticos más importantes de los últimos años.
Su lenguaje del sur ha enriquecido la lírica española a la que ha dotado de una profundidad en lo esencial, en el núcleo de los temas que han preocupado históricamente al ser humano: el amor, el tiempo, la materia, el sentido de la existencia, nuestra necesidad de conocimiento y nuestra soledad ante los avatares del mundo, con esa duda metódica que aspira a la esperanza.
Su profunda reflexión de todo ello conlleva la emoción sublime de la palabra poética.
Hay poetas que organizan, sistematizan, crean pero son contenidos en la conmoción lírica, romos en sus esencias de humanidad conquistada.
No lo es Rafael Guillén, en el que impera el sentido de la excitación poética y acude al lector como su mejor y más conmovido intermediario.
Un aliento poético creador que tanto se aprecia en los temas amorosos, metafísicos, sociales o puramente testimoniales… inmersos en las cosas cotidianas.
Hay una profunda reflexión neorromántica también en torno al ser humano y una apreciable conquista del terreno cuántico del hecho lírico.
Pero su poesía está originada en el clasicismo español, se adentra en él y lo perfecciona para después seguir sus propios derroteros líricos al imbuirse del sentido último que posee la realidad y la inmersión en ella del ser humano. De ahí también una poesía profundamente humanista y esencialmente solidaria con la que pretende crear una metáfora del mundo.
Su independencia artística, su voluntad de creación personal, le ha hecho conformarse como un escritor con su propio camino, al entender la poesía como una forma de ser y como una forma de sentido de la existencia. Un personal estado de palabra a través del que ha querido llegar a la transparencia del mundo, su comprensión última, y conquistar las grandes respuestas cuando todo eran/son preguntas.
Una poesía que sorprende, sugerente y seductora, que trata de iluminar las últimas verdades del ser humano a través de la búsqueda y la interpretación intuida.
Presentación de Ser un instante: J. García Pérez, Mariano Vergara, Rafael Guillén y Morales Lomas

La conciencia poética y la voluntad creadora de la palabra irán de la mano para organizar un sentido del espacio y del tiempo desde la esencia de eso que llamamos humanidad. Y para ello todos los sentidos se necesitan porque hay una singladura en la que entrar y un camino que recorrer, por lo que, a veces, su lírica se proclama desde la perspectiva del homo viator o de un camino de conocimiento. Lo que hace engrandecer una poesía profundamente sensorial y creadoramente reflexiva con la que se aspira a la transparencia, a la luz, a un estado de conciencia con el que superar los límites de nuestra gnosis y de nuestro mundo físico.

Por su parte, Joaquín Marco, en la Historia y Crítica de la Literatura Española (Grijalbo) de Francisco Rico, lo sitúa genéricamente entre los "poetas de postguerra" y Emilio Miró, en la Historia de la Literatura Española (Taurus) coordinada por Díez Borque, entre los que "ocupan un puesto indiscutible en nuestro panorama poético".
Sobre su obra existe una extensa bibliografía que incluye monografías y tesis doctorales.
Todos estos son méritos suficientes para ensalzar una obra sobre la que recientemente he realizado un estudio crítico que conocerán en poco tiempo en el que digo entre otras cosas, que su obra tiene una proyección humana, vitalista, ecuménica y formal sostenida sobre la precisión, el cuidado y la eficacia de la palabra poética que progresivamente van a desarrollar escritores como Caballero Bonald, Claudio Rodríguez o José Ángel Valente.
Rafael Guillén reivindica la palabra como concepto poético y sustenta su visión de la poesía en el macrocosmos de riqueza vital y cultural que es el planeta Tierra, por el que ha viajado con profusión y cuya obra ha visto la luz desde Chile a China o desde África hasta Noruega.
Desde su origen la obra de Rafael Guillén ha seguido un camino personal aunque asentado en esa rica tradición que procede del 27 con la que él conecta directamente. De hecho, Rafael Guillén ha manifestado no sentirse adscrito a ninguna de las promociones de posguerra y sí considerarse contemporáneo de la Generación del 27. Y aunque Guillén llegó a cultivar la lírica social, sin embargo, su obra se diversificó, se fortaleció y amplió por otras sendas mucho más sugerentes y ricas en las que habría que constatar su voluntad de realzar la palabra, el lenguaje, trascendentalizar sus contenidos poéticos y acercarlos a una realidad metafísica y existencial que alcanzará una gran vía en la lírica de José Ángel Valente o la de Francisco Brines en la cavilación elegíaca y melancólica, como ha visto Prieto de Paula.
No es el individuo en cuanto integrante de una entidad social sino el individuo en cuanto ser humano el que realmente le importa. Es la humanidad del ser lo que prima en su obra, su esencia como individuo en libertad, su percepción como persona con unos valores precisos. Por tanto, su poesía más que socializadora (que en determinados momentos puede darse) tiene más una proyección de neorromanticismo humanista con ascendiente universal, concentrado en ocasiones en la trascendencia de los derechos humanos como guía y en la voluntad del poeta de oponer resistencia.
Una poesía siempre abierta a la capacidad de sugerencia de la palabra con la que pretende organizar una particular visión del mundo y de la existencia, pero nunca como proceso de reducción sino de amplificación consciente.
También hay en su obra una especial concepción de lo real que la conecta con las nuevas vertientes del pensamiento que se ha desarrollado con fuerza en los últimos cincuenta años, la lírica cercana a los descubrimientos de la ciencia y de una nueva forma de mirar la realidad. Esta constatación, que tiene que ver mucho con el concepto de estética cuántica y su especial observación del hecho en sí, nos permite adentrarnos por una poesía conceptual que indaga con solvencia en todo aquello que aparentemente no es realidad (una apariencia sensible) pero que lo constatan el pensamiento y los sentidos.

Obras como Los estados transparentes, Los vientos, Límites, Moheda, Mis amados odres viejos, Los dominios del cóndor, Las edades del frío o el ciclo gestos que reúne: El gesto, Gesto Segundo, Tercer Gesto... son ya literatura de un profundo clasicismo en la lírica española contemporánea. Con ellas se capta la emoción que es atendida como una estridencia permanente en la mente y la sensibilidad del lector y conforma una de las obras más seductoras que le ha llevado a decir al catedrático Antonio Sánchez Trigueros estas palabras que comparto:

Poeta de la palabra precisa y de la versatilidad expresiva, poeta de tradición, moderno y vanguardista, distanciado de modas, poeta de la sorpresa en cada rincón del poema, poeta reflexivo, indagador del ser en la palabra, poeta del tiempo como proceso de vida y como proceso de muerte, poeta del amor más allá de la arruga, poeta de la duda, poeta que trastorna, que perturba, poeta solidario, poeta elegíaco, poeta de los vacíos expresivos, de lo perdido y recuperado por la palabra, poeta de la luz, de los sentidos, poeta de los límites, poeta de los mil temas y los mil matices, poeta, en suma (y son palabras suyas) para quien la poesía no es sino una manera de respirar[1].

.

[1] A. Sánchez Trigueros, La pluma en el dintel, Universidad de Granada, Granada, 2008.

Mitomanía y realidad de Al-Ándalus en la narrativa de J.M. García Marín por Morales Lomas

2011-06-30T06:51:00.000-07:00

José Manuel García Marín

Es necesario el transcurso del tiempo, sucesivos siglos para que la realidad adquiera ensoñaciones diversas y su proceso natural de construcción se sostenga sobre la voluptuosidad de los deseos, sobre la mitomanía de los sueños o sobre la conformación de realidades que se han perdido a medida que la memoria histórica se tergiversa o se arrumba en el moho oscuro de un rincón cualquiera de la tradición.
Desde pequeños convivimos con el mito de las tres culturas. Acaso porque nos había llegado desde la lectura de “El ingenioso hidalgo D. Quijote de la Mancha” en el que Cervantes las reivindicaba como uno de los grandes logros del momento. Otros, siglos más tarde, como Juan Goytisolo o Antonio Gala, las han reclamado de nuevo y se han convertido en sus más combativos defensores. Nos imaginábamos a cristianos, musulmanes y judíos conviviendo durante siglos en armonía (armonía más o menos confusa, deleznable y guerrera, por momentos, es verdad) sin que la religión fuera un impedimento cuando ahora se ha convertido en un arrebato y ha sido necesario crear el “encuentro de civilizaciones” (en realidad, encuentro de religiones) para disipar tanto aciago combatiente. Pero las espadas están en alto y la universalización a la que aspira cristianismo e islamismo son sus principales enemigos.
Algunos incluso han tildado esta coyuntura idealizada y falsaria de “patraña de las tres culturas”, afirmando que si España fuese el resultado social, cultural e histórico de esas tres culturas, habría que pensar que una de las tres comunidades cometió la injusticia histórica de expulsar a las otras dos. En la argumentación de los defensores de la España de las tres culturas, de aquí se desemboca con toda naturalidad en la Inquisición, que es presentada como un bestial e inhumano medio de practicar la intolerancia: se la expone como el hecho más repudiable de nuestra Historia, un hecho o institución de la que España debería avergonzarse.

El narrador José Manuel García Marín entra directamente en lo íntimo de esa polémica a través de la ficción, creando historias, personajes, seres que pueden parecernos de carne y de hueso por la verosimilitud con los que los trata, pero también seres simbólicos, seres que persiguen siempre una idea, en el sentido de ideal que tratan de recuperar para las generaciones actuales. Una visión idealizada que tiene mucho de cosmovisión complaciente sostenida en un pensamiento y una erudición que conecta con lo mejor de la cultura judía y musulmana fundamentalmente.
Practica un agradable aroma filosófico en la defensa de unos principios (los de las tres culturas o las tres religiones o las tres místicas) con los que, sin duda, se encuentra en comunión. Dice, verbigracia, en Azafrán: “Así como las religiones tienen sus divergencias, que en lo esencial no son tantas (…), cada tradición mística respeta a las demás y las considera tan válidas como la suya. Es una cuestión de elección de caminos, pero lo importante no es el camino, sino el objetivo final, que es convergente. El mismo en todas” (p. 31). Y en este propósito también dirá en su momento que lo importante es llegar a esa sublime iluminación y cualquier religión puede ser buena pues cuando el amor a la filosofía es auténtico y el razonamiento impecable, ¿qué importa la religión del autor? (p. 64). E incluso, en otro momento, cuando el musulmán protagonista de Azafrán defienda con fortaleza y espíritu devoto, ciertamente paradójico visto desde fuera, a un sabio judío demostrando “con ello la superior importancia que éste concedía al humano, por encima de creencias religiosas” (p. 138).

En Azafrán desarrolla la historia de un maestro musulmán de cuarenta y dos años con cuyos ideales se identifica el autor, Mukhtar ben Saleh, que sale de su pequeña localidad, Sanlúcar del Alpechín (cerca de Sevilla), tomada por los cristianos y decide marcharse a Granada (y después a un pueblo de Almería) donde pueda vivir su cultura y profundizar en el conocimiento. Personalmente, por tanto, lo considero un camino iniciático, pero también profundamente lírico, en el que siempre están presentes las simbologías en torno al agua, la tierra… en esa aleación cabalística que todo lo inunda y que persigue como objetivo último trascender el momento de nuestra existencia: “Ahora el poder es de los cristianos y, rotas sus promesas a sangre y fuego, han acabado con todo, incluso con el sentido de mi vida” (p. 11).
Mukhtar ben Saleh, que no ha salido nunca de su pueblo, sin embargo, es un aprendiz del mundo y sus realidades, un aprendiz que observa que sus sueños han ido perdiéndose y pretende recuperar la esperanza en Granada, un símbolo, una ciudad que todavía tardará doscientos años en ser conquistada. Y a través de esa visión se conquista el valor sublime del título de la obra, el azafrán, una especia de forma alquímica que halla similitud con esa carrera vivencial que pretende conquistar Mukhtar en tanto el proceso de la planta, que resulta en una especia tan estimada, es similar al camino y la actitud del hombre que busca el Conocimiento: “¿Puede el hombre recorrer su senda espiritual sin haberse abierto al universo? ¿Qué avanza de él, sino su esencia? “ (p. 212). Al igual que el fuego transmuta las hebras en la especia más valiosa, el fuego de los sentimientos, de las circunstancias, le obligan al ser humano a aprender, a enfrentarse, a conocerse y a resolver su existencia. Y en ese proceso se produce una transmutación personal de ámbito espiritual semejante a la que quiere llegar a conquistar nuestro protagonista.
En cierto modo, en ese camino la contemplación de algunos paisajes puede servir de símbolo para catapultar su pensamiento. Así, el quietismo decadente de las ruinas de Medina Azahara (en Córdoba) será una alegoría de ese transcurso infalible de la historia; a lujosa ciudad fundada por el califa tras ser derrotado por las tropas de Ramiro II, quizá como una respuesta última y a la desesperada de un mundo que se venía abajo.
Nuestro protagonista también observa que ese mundo en el que cree se está viniendo abajo como consecuencia de fuerzas inquebrantables (la conquista de los cristianos), pero es un idealista para el que los cambios históricos representan una necesidad de reconquistar el camino espiritual en tanto el otro camino desfallece y, en consecuencia, Mukhtar se enfrenta a la destrucción de su mundo pero huyendo (de ahí el título del primer capítulo, Huida. Ishbiliya) para no ser arramblado por el inexorable proceso histórico, pero también para vivir en paz. Su pacifismo es real y creíble, como era el de Al-Ahmar en la referencia que se hace en La escalera del agua. Mukhtar ben Saleh es un hombre extraño que vive soltero y que solo estuvo una vez enamorado, aunque su amada nunca lo supo, y que presiente que en el amor se halla (en el fuego) su respuesta, amor al otro pero también al conocimiento.

En ese trayecto, en ese bildungsroman que es su vida narrativa, antes de llegar a la ciudad de La Alhambra (destino inexorable y también simbólico, símbolo de su segunda novela, La escalera del agua, aunque sea Toledo el emblema y símbolo máximo), en el capítulo quinto, Ben Saleh recorre diversos lugares que le van a ir enseñando la situación del mundo de entonces, la forma de vida y la cultura que la sostiene: su llegada a Sevilla, donde vive en la casa de un médico musulmán, Târek ben Karim, que lo acoge muy amablemente; el encuentro con la familia judía de Yonatán ben Akiva en la ciudad de Córdoba, donde la cultura judaica adquirirá especialmente relevancia; y la llegada a Granada con la recuperación del pasado místico y el definitivo encuentro con la sabiduría: “Sé que estoy en la cristalina melodía del agua… en el murmullo de las arenas… en el aullido del viento entre los bosques… en la desgarrada llamada del muecín… en la fuerza de la materia… en la inevitable, irresistible, atracción de la vida…” (p. 226). Más adelante acabará sus días literarios en cerca de Pechina (Almería), en lo que hoy llaman "Baños de Sierra Alhamilla", por donde es muy posible que tuviera, en su época, la escuela mística, Ibn al-Arif.
Un viaje que nos va a permitir crear tres imágenes decisivas sobre un periodo histórico que se sitúa en torno a 1252 (en marzo de este año sale de su ciudad Mukhtar ben Saleh), en que sube al trono en Castilla el rey Alfonso X el Sabio.

Existe una cierta bonhomía y una proyección de pacifismo, humanidad y misericordia en muchos de los personajes con los que se encuentra. Por ejemplo, el médico Târek, que en un momento determinado dirá: “El día que comprendamos que somos mucho más que hermanos –repuso sin dudarlo Târek-; el día que seamos conscientes de que sólo somos uno” (p. 29). Hay a lo largo de toda la obra un canto al ser humano, un humanismo romántico preciso que alcanza su aspecto sublime en el sentimentalismo creador de algunas de sus propuestas, de corte ingenuista sin duda, y que, en cierto modo, existen en esa visión histórica en torno al desarrollo humano que ha sido visto por algunos (Rousseau es un caso sintomático) como un proceso de descenso a la naturaleza primigenia después de las contaminaciones diversas de la convivencia. De ahí que García Marín quiera aprovechar lo mejor de las tres culturas, de las tres místicas, para profundizar en ese humanismo recreador y reconfortante con el que aspira a ilustrarnos.
De hecho Târek, que significa “el nombre de una estrella”, es figuradamente quien pretende iluminar a Mukhtar cuyo nombre significa “el elegido” en su camino de perfección (como diría Baroja) y de iluminación (como podrían decir Santa Teresa de Jesús, San Juan de la Cruz o cualquier místico árabe). Târek trata de inculcar en ese ya maduro Mukhtar su visión del mundo que llega desde muchos de esos textos filosóficos-históricos y le habla de la indisolubilidad del todo, del universo como una gran Unidad, como un camino también (como el camino que emprende desde su microcosmos particular Mukhtar), y un regreso alegórico.
El encuentro con Târek le va a permitir a Mukhtar, pues, profundizar en alguna serie de ideas transcendentes y llenar diálogos interesantes sobre la filosofía del momento: la trascendencia del agua (fundamental en la novela siguiente), de la naturaleza, la igualdad de la mujer (“la mujer es un ser humano con igualdad dignidad que el hombre”, p. 37), el haber conseguido para él un camino de iniciación. De hecho le dirá Târek: “Con esto, Mukhtar, creo que he consumado tu preparación, que sólo es un inicio” (p. 72). Pero también las enseñanzas le llegan a través del jardinero-loco Hamza que le habla de la metáfora del río, que corre, alimenta a hombres, animales y plantas y su blandura encuentra su fortaleza es toda una metáfora para Mukhtar. Una metáfora permanente, persistente y reiterativa que en la época medieval tanto juego daría a poetas como Jorque Manrique al decir que nuestras vidas son los ríos que van a dar a la mar que es el morir.

En Córdoba conocerá Mukhtar el amor, gracias a Yael, la hija del rabino. En cierto modo, este encuentro amoroso podemos considerarlo emblemáticamente como un encuentro entre culturas, aunque son conscientes de la imposibilidad de un amor que lleva parejo en sí a miembros de religiones diferentes. En la casa del rabino el lector accederá a algunos conocimientos básicos del judaísmo. Por ejemplo, de la cábala, herramienta o medio (como lo define García Marín) que “conecta al ser humano con lo cósmico, una vía de sabiduría, no la sabiduría en sí” (p. 125).
Es una historia no resuelta la de Yael y Mukhtar (o resuelta negativamente), que en sí lleva el germen de una antítesis irresoluble. Y es que en el trasfondo de todo sumario religioso existe siempre un origen infausto si bien profundo. Insondable en cuanto toda religión aspira, al menos en su origen, a dar una explicación del mundo y a profundizar en el conocimiento; pero infausto por su individualismo, exclusividad (la exclusividad atroz, diría, de todas las religiones) y negación de las demás como las verdaderas (cada religión se considera a sí misma como la verdadera, la única) y esta consideración última a sus líderes históricamente les ha hecho iniciar el camino de la confrontación y a sus seguidores convertirse en mártires, víctimas, santos o profetas (las religiones han necesitado a veces sangre para crecer), evitando así el original sentido espiritual de cada una de ellas y el sentido último que, en sí, puede resultar comprensible y aceptable. Su exclusividad encierra una ruptura, ruptura que se produce en la historia de Yael (judía) y Mukhtar (musulmán) para evitar que su amor se convierta en solución factible.

A veces la historia está entreverada, siguiendo un tanto el canon de El Quijote, de breves o brevísimas historias secundarias que producen una detención en el proceso narrativo o cuando no pequeños descansos en el proceso normal del protagonista. Así sucede con la historia de Zaynab, violada por los soldados cristianos; el benedictino Manrique y la homosexualidad; el loco Hazam; la historia del libro que le regalan a Ben Akiva… Un conjunto de fragmentos que forman el gran todo novelístico que aspira a completar esa amplia visión del mundo.

A través de los diversos diálogos de la novela se van creando las condiciones para conocer las ideas que sostienen su naturaleza. La interpretación sobre el amor llega desde las revelaciones de Hermes Trismegisto y su relación entre el microcosmos y el macrocosmos en esa circulación de energías, como le recordará Târek.
Hay por momentos expresiones muy líricas como “tengo miedo de que me delate la luna” y reproducción de poemas de escritores musulmanes o judíos como Ben Gabirol, Maimónides… Pero, en última instancia, lo que siempre se persigue en la novela es la configuración de un sentido a la existencia. García Marín trata de explicarlo y es consciente, por enamorado del tema, de que en el fondo de cada una de las culturas, de cada una de las religiones (al menos en este libro de la cultura musulmana y judía, porque la cristiana no aparece prácticamente) existe esa voluntad creadora, de ser como la flor del azafrán que en sus tres filamentos concita la voluntad simbólica de las tres tradiciones místicas, los tres estambres, los tres dentro de la misma rosa: “Además de instruirte en tu camino –le dice Nicolás- debes conceder la misma importancia y respeto a los otros dos. Ten presente que de la flor surgen tres filamentos diferentes, aunque de una raíz común, pero acaban siendo la misma especia. Tres senderos distintos en una única dirección”. Estas tres direcciones místicas son las tres culturas, las tres formas de ver el mundo tanto tiempo enfrentadas por los hombres y tanto tiempo unidas por conceptos de conocimiento y por aspiración a ideales similares.

Su siguiente novela, La escalera del agua (2008) aunque se nos presenta como una novela histórica, yo diría que es una narración de la memoria, una alegorización simbólica con ribetes o componentes históricos. Hay una voluntad auténtica en cuanto acceso a la información de época y a la interpretación (si quieren) figurada. Ahí está su simbología humana sobre la emblemática Toledo en la última parte (p. 214) donde Toledo le habla, nos habla como un cerebro cuyos surcos son vías, plazas, calles… donde surge el sentido de la vista por el Paseo de Cabestreros y el Museo de Santa Cruz; el sabor en la Catedral, y el de la Audición en el Ayuntamiento… Pero también germina una transfiguración del corazón, pues por el puente de Alcántara se llega a la entrada interior que recibe en torrente a las muchedumbres (sangre venosa) que pasa por la aurícula y el ventrículo derechos y sale por la Puerta del Cambrón… y regresa, como sangre arterial, por el Paseo de Candelaria: “El latido de mi corazón marca ritmo de vida a edificios, calles y ciudadanos. El cerebro, en cambio, guarda celosamente, en la maraña de travesías, las pisadas y los ecos de los hombres, grandes y pequeños, que han tejido aquí sus vidas a lo largo de la mía. Yo soy la ciudad viva, el ser que hará de guía imperceptible a aquel que, bien despierto, aspire a descubrirme” (p. 215).

Entendemos que se trata también de una novela iniciática, de comienzo de la existencia vital en la que el joven narrador, y descendiente de moriscos, Ángel Castaño Crespo, nos explica su azarosa existencia una vez que asesina a un hombre que ha forzado a su hermana en Las Hurdes y huye a Toledo para ser recogido por los hermanos franciscanos, que lo ayudan e intentan completar su formación humana. Si bien es verdad que, en este proceso, los acontecimientos históricos, con continuas analepsis, se manifiestan en todo su esplendor aunque muy resumidamente.
Sus ascendientes eran moriscos expulsados de Granada en el siglo XVI y refugiados en Las Hurdes. Este tránsito entre diferentes siglos (la época actual y el XVI) genera en la novela un diálogo histórico sostenido en el que se parte de una tesis evidente en la obra de García Marín: las víctimas de antaño también siguen siendo, a pesar del transcurso de los siglos, las de hogaño.
Ángel Castaño Crespo tiene similitudes con el protagonista de Azafrán. El motivo de la huida (aunque por razones harto diferentes) conserva señas iniciales en ambos, pero también el motivo del camino como instrumento de iniciación personal y descubrimiento del mundo. Es cierto que la edad de Ángel Castaño Crespo es inferior a la de Mukhtar pero también lo es que en ambos su lugar de referencia es cerrado. Su mundo se circunscribe a una aldea prácticamente y es necesario el descubrimiento de una realidad más amplia para que sus mundos se enriquezcan y el conocimiento aflore a ellos.
Gran parte de los acontecimientos se centran en la consolidación de la imagen de este joven bondadoso, honrado, que actúa con la solvencia de un joven responsable. Elementos símiles también con los de Mukhtar cuya moralidad y bonhomía forman parte de su ser más íntimo.
En el trasfondo de esta historia está la consolidación de un error histórico y la reflexión del escritor sobre esta barbaridad que llevó al exilio (interior o exterior) a parte de los españoles de su tiempo. Compromiso que se manifiesta a través de estas palabras de Ángel: “En las expulsiones de judíos y musulmanes se desterraron auténticos españoles, con otra religión, pero españoles”. Aunque es evidente que el concepto de España será y ha sido siempre discutible como entidad nacional. Sin embargo, la tesis de García Marín es muy clara y con ella muestra una preocupación permanente y una apuesta decidida por esa vía historicista que sostiene el gran error de los Reyes Católicos al provocar la expulsión de los judíos y musulmanes. Una riqueza inmensa, desde el ámbito espiritual pero también desde el ámbito real, crematístico, que se va constatando a lo largo del siglo XVI y, finalmente, en el XVII, porque, como se verá durante la monarquía de Felipe III y el duque de Lerma, la salida de muchos moriscos supuso el empobrecimiento más atroz de zonas de Levante...

Organiza la novela en seis capítulos: los primeros, más breves y el tercero y cuarto (que se centran en la expulsión y el monasterio) más amplios. A través de la primera persona (que lo hace conectar con la novela picaresca en la organización de las vivencias y antecedentes del protagonista y con la cervantina en la versatilidad y cambio de acontecimientos, lugar y tiempo) García Marín, con una prosa cuidada y una adecuada selección léxica, transmite una imagen entrañable de los moriscos.
Las circunstancias históricas de la posguerra española, sin embargo, están ausentes, como no sea la referencia al hambre que se pasó. El resto se soslaya. Una elipsis que creemos intencionada, por cuanto al escritor sólo le interesa la relación entre el personaje como ser en crecimiento y su pueblo como referente histórico. Sólo el lector juzgará. Existe esa necesidad histórica de demostrar la tesis de un pueblo atacado y zaherido, y su recuperación y su memoria. En cierto modo, el narrador hace un ejercicio de resarcimiento histórico si es que existe esa compensación a través de la literatura.
Su llegada al mundo el día 4 de abril de 1492 en Las Hurdes, sus hermanos Gabriela, Anastasio y José, sus sensaciones infantiles (a veces forjadas con descripciones muy rigurosas y precisas), las historias del abuelo y sus antepasados granadinos, el resumen histórico de la expulsión (en este sentido hay que decir que los acontecimientos históricos están adecuadamente integrados y son suficientes para no ahogar el proceso narrativo y tampoco debemos olvidar que en Azafrán el protagonista vive en Granada un tiempo, lugar simbólico y emblemático de este proceso con el que conecta la novela), la historia de Eusebio y Clementina, la muerte del vinatero a sus manos, la huida, el encuentro con el padre Zaragüeta (que va a mantener en secreto todo lo que sabe sobre él y lo va a ayudar)… Salto histórico para estudiar los acontecimientos de 1610, y antes de 1570, la ida de Gerónimo y su grupo a Portugal (siempre perseguidos por las injusticias), los diversos asentamientos y cambios de costumbres, los múltiples problemas y, de nuevo, el momento presente, su situación en el monasterio y su vida en progresión personal gracias a los frailes... hasta encontrar su amor adolescente.
Son los acontecimientos esenciales que jalonan una obra que tiene momentos también para la metaliteratura y la exaltación de los libros (como en las páginas 162 y ss.) de raíz cervantina y nos permite entrar en el análisis histórico sin olvidar los fundamentos novelescos y la formación de un ser humano y su tiempo.
Las referencias a las tres culturas persisten en ella porque forman parte del pensamiento idealizador, no exento a veces de optimismo histórico, en el que realmente cree García Marín: “Nuestros antepasados vivían felices en un reino que se llamaba Granada (…) El último de estos pueblos trajo consigo una cultura superior a la conocida, costumbres a las que se amoldaban los nativos con placer, y una religión, que defendía que Dios sólo era Uno, que tomaron libremente éstos como propia después de mucho tiempo. Al menos, la mayoría, porque había otros que practicaban el judaísmo y algunos, los menos el cristianismo, pero convivían en paz. A esa mayoría, a la que pertenecieron nuestros antiguos parientes, se les llamó «moros»” (pp. 29-30).
Con esta novela también, decíamos, se produce en cierto modo un resarcimiento histórico. Si en la anterior, Azafrán, los cristianos aparecían desde una perspectiva crítica muy negativa, ahora se convierten en protagonistas positivos en tanto es el padre Zaragüeta el que ayuda al protagonsita. Con ello, traslada al lector la imagen de que el proceso histórico no se produjo por la religión sino por las decisiones políticas que se adoptaron y por las decisiones de la jerarquía religiosa. Nunca por el pueblo ni por los que han defendido las ideas de un cristianismo solidario y humanitario. Pero también, a través de él, se produce la exaltación del libro como instrumento único para comunicar el mundo: “El escritor es un alquimista que une dos naturalezas: la abstracta, en al que se interna para absorber esencias del universo platónico de las ideas, y las conduce, por el alambique de su pluma, a la terrenal, transformadas ya en palabras, retenidas para siempre en el papel, cautivas de la tinta” (pp. 162-163).
E insiste una vez más en la idea fundamental (ya comentada) de que la expulsión de los judíos y los musulmanes no fue la de miembros de otras religiones sino la de unos españoles que expulsaron a otros. Hay una traslación en este caso del tema (en cierto modo, pero desde otra perspectiva) de las dos Españas: la de los vencedores (los cristianos) y la de los vencidos (los judíos y los musulmanes) en tanto todo fue un proceso en el que la realidad se sostenía sobre elementos económicos. Su expulsión supuso un enriquecimiento para los cristianos aunque se produjera una pobreza general en otros ámbitos.
Y desde la novela proyecta esa pérdida y trata de crear un relato objetivo de lo que ocurrió y de lo que significó el florecimiento de al-Ándalus “para que recuperemos la conciencia y el orgullo de nuestras raíces” (p. 233).

DIÁLOGOS CON ESCRITORES CONTEMPORÁNEOS: JOSÉ MANUEL GARCÍA MARÍN

2011-06-20T09:20:00.000-07:00

ATENEO DE MÁLAGA, 22 de junio a las 20:00 h.

Los asistentes al acto podrán dialogar con el novelista malagueño sobre sus obras y su proceso creativo.
García Marín ha compatibilizado durante varios años su labor profesional en el mundo de la empresa con el estudio y la investigación sobre las claves de Al-Ándalus de la que es un grandísimo apasionado y entendido. Es autor de "Al-Hamrá", un ensayo sobre el contenido místico y simbólico de la Alambra. "Azafrán", una historia que habla de la partida del maestro musulmán Mukhtar ben Saleh desde Sanlúcar de Alpechín hasta Granada. "La lámpara de plata", un homenaje a la Málaga nazarí del siglo XIV. "La Escalera del Agua", segunda parte de su primera novela, pues en ella sigue hablando sobre el tema de Al-Ándalus su gran pasión.

http://josemanuelgarciamarin.blogia.com/

ENTREGA XVII PREMIO ANDALUCÍA DE LA CRÍTICA

2011-05-17T11:05:00.000-07:00

Manuel Gahete (secretario AAEC), F. Morales Lomas (presidente AAEC), Paulino Planta (Consejero de Cultura Junta de Andalucía), Inmaculada Nieto (Teniente Alcalde Algeciras), Francisco Cañadas (Fundación Unicaja)

El viernes 13 de junio a las 12 h. se entregaron en el Hotel Reina Cristina de Algeciras los XVII Premios Andalucía de la Crítica 2011 en narrativa a José Antonio Ramírez Lozano por su obra Las manzanas de Erasmo (Algaida Editores) y en poesía a Rosa Romojaro por Cuando los pájaros (Ed. Hiperión), y se rindió homenaje al escritor José Luis Cano en el centenario de su nacimiento. Ambos escritores galardonados han recibido una escultura de Andrés Alcántara, reproducidas por la Escuela del Mármol de Andalucía (Almería).

La defensa de las obras ganadoras la llevaron a cabo los críticos y escritores José Sarria Cuevas que defendió la obra de narrativa ; y Rosa Díaz que defendió la obra en poesía. A los ganadores se les entregarán sendas esculturas del escultor internacional D. Andrés Alcántara reproducidas por la Escuela del Mármol de Andalucía (Almería). La defensa del escritor homenajeado, José Luis Cano, la llevó a cabo la escritora y crítica literaria Paloma Fernández Gomá.

El consejero de Cultura de la Junta de Andalucía, Paulino Plata, ha presidido en Algeciras (Cádiz) el XVII Premio Andalucía de la Crítica acompañado por el presidente de la Asociación Andaluza de Escritores y Críticos Literarios, Francisco Morales Lomas y el secretario Manuel Gahete, además de por la Teniente Alcalde Inmaculada Nieto y el representante de la Fundación Unicaja, Francisco Cañadas.

Romojaro recogió el premio emocionada por encontrarse en la ciudad en la que nació y al estimar que el galardón es «un emblema de la poesía y las letras andaluzas». Una obra que, según explicó, «responde al deseo de decir, un anhelo que se presenta como la salvación del yo y como rescate de las cosas, del tiempo y del espacio». El hilo conductor de sus textos son esas aves a las que alude el título y que no son sino una metáfora de la libertad: «En la obra aparecen los pájaros cotidianos, que son los de siempre, los que vienen a la terraza y al jardín; señas de identidad, puntos de fuga. Otros, más simbólicos, arrojan a esos pájaros de su atmósfera», señaló.

Ramírez Lozano ha comentado que aunque está "un poco acostumbrado a los premios a los que se envían libros" a concurso, el premio de la crítica "es muy distinto porque tiene algo de eso que se llama reconocimiento y porque se reconoce al autor".
"Es mucho más satisfactorio en un sentido más amplio", ha apuntado el escritor, quien ha insistido en que no le importan los límites entre los géneros.
"He llegado a escribir poesía de una novela y al contrario, he sacado ramificaciones poéticas o líricas de una novela", ha indicado el galardonado.

Rosa Romojaro y José Antonio Ramírez Lozano

Para la primera teniente de alcalde y delegada de Cultura, Inmaculada Nieto, “la celebración de esta entrega de premios en nuestra ciudad, junto al homenaje que se rendirá a José Luis Cano, constituye una enorme satisfacción y nos reafirma en nuestro propósito de reconocer y destacar la figura de quien fue clave para agrupar, difundir y evitar se olvidara a aquella Generación del 27, quizás la más brillante de la reciente historia de España. Además, no podemos olvidar que la colección Adonais de literatura y el premio que lleva ese mismo nombre, estuvieron dirigidos por José Luis Cano durante muchos años”.

El consejero de Cultura, Paulino Plata, cerró el acto destacando el tesón y la perseverancia de la Asociación Andaluza de Escritores y Críticos Literarios, que han conseguido consolidar este certamen como uno de los más prestigiosos de España, señalando además que sirva para orientar a los lectores en la elección de buenas lecturas, destacando lo importante que resulta” contar con personas y obras de referencia, en todos los ámbitos de la vida”.

Rosa Díaz, José Antonio Ramírez Lozano, Rosa Romojaro y F. Morales Lomas

ALGUNAS PÁGINAS QUE DAN LA NOTICIA DE LA ENTREGA DE LOS PREMIOS ANDALUCÍA DE LA CRÍTICA
Noticias entrega Premio Crítica en periódicos

http://www.europapress.es/andalucia/cultura-00621/noticia-jose-antonio-ramirez-rosa-romojaro-reciben-xvii-premio-andalucia-critica-20110513182144.html
http://www.diariosur.es/v/20110514/campo-gibraltar/romojaro-ramirez-lozano-reciben-20110514.html
http://andaluciacultura.es/index.php/archives/8820
http://www.ayto-algeciras.es/verNoticia.php?num=10935
http://www.algecirasalminuto.com/index.php/cultura/10907-entregados-en-algeciras-los-xvii-premios-andalucia-de-la-critica
http://www.diariosur.es/v/20110514/cultura/rosa-romojaro-poesia-donde-20110514.html
http://www.diariodecadiz.es/article/ocio/974212/algeciras/acoge/la/entrega/los/premios/la/critica.html
http://www.europasur.es/article/ocio/974416/recuerdo/jose/luis/cano/preside/la/entrega/los/premios/la/critica.html
http://www.abc.es/agencias/noticia.asp?noticia=815694
http://www.europasur.es/article/ocio/973562/los/premios/andalucia/la/critica/seran/entregados/hoy/algeciras.html
http://www.algeciras.es/verNoticia.php?num=10944
http://www.ideal.es/agencias/20110513/mas-actualidad/cultura/romojaro-j.a.-ramirez-reciben-premios_201105131421.html
http://www.malagahoy.es/article/ocio/974718/romojaro/y/ramirez/reciben/premio/andalucia/la/critica.html
http://www.andaluciainformacion.es/portada/?i=17&a=178071&f=&s=&b=&penc=2
http://www.grupoalminuto.es/index.php?id_url=1&sec=6&id=28123&tipo=ficha
http://www.hoy.es/agencias/20110513/local/merida/extremeno-jose-antonio-ramirez-recibe_201105131458.html
http://www.andaluciainformacion.es/portada/?a=178071&i=112&f=0
http://www.lacronicabadajoz.com/noticias/noticia.asp?pkid=69713
http://www.getout.es/noticias/item/1014-algeciras-acoge-la-entrega-del-xvii-premio-andaluz-de-la-cr%C3%ADtica
http://www.diariolatorre.es/index.php?id=39&tx_ttnews%5Btt_news%5D=18252&tx_ttnews%5BbackPid%5D=9&cHash=51a27fdac6
http://www.malagahoy.es/article/ocio/974718/romojaro/y/ramirez/reciben/premio/andalucia/la/critica.html
http://www.diariolatorre.es/index.php?id=39&tx_ttnews%5Btt_news%5D=18322&tx_ttnews%5BbackPid%5D=12&cHash=4fd0ff7266
http://www.algecirasalminuto.com/index.php/cultura/10907-entregados-en-algeciras-los-xvii-premios-andalucia-de-la-critica
http://apuntaguia.com/content/blogcategory/3/3/
http://www.getout.es/noticias/item/1014-algeciras-acoge-la-entrega-del-xvii-premio-andaluz-de-la-cr%C3%ADtica?tmpl=component&print=1
http://www.aulamagna.com.es/Actualidad-Malaga/Rosa-Romojaro-ganadora-del-Premio-Andalucia-de-la-Critica.html
http://www.abastodenoticias.com/noticia.asp?id=33610189

Francisco Cañadas, José Sarria, F. Morales Lomas, Paulino Plata, José Antonio Ramírez Lozano, Rosa Díaz, Rosa Romojaro y Andrés Alcántara

PROMÉTEME QUE SERÁS LIBRE DE JORGE MOLIST POR MORALES LOMAS

2011-05-07T04:04:00.000-07:00

En el número 131, mayo 2011, de la revista Mercurio que publica la Fundación José Manuel Lara bajo la dirección del narrador, crítico y periodista Guillermo Busutil he publicado en la pág. 34 una crítica literaria sobre la última novela de Jorge Molist, Prométeme que serás libre, Temas de Hoy, 768 págs.

http://www.revistamercurio.es/images/pdf/mercurio_131.pdf

Siempre se ha perpetuado la idea de que la narrativa de género se sostiene sobre unos parámetros específicos que conforman su atracción de masas. La vieja discusión de tipo aristotélico entre el discurso y la fábula alcanza su mayor sentido en esta coyuntura porque se cree que son, entre otros, los fundamentos del discurso los que sostienen el atractivo ensamblaje de la narrativa de género. Una buena historia es necesario contarla con una estrategia narrativa y con unos recursos literarios que alcanzan sin duda a esta nueva novela de Jorge Molist, un ingeniero industrial que nació en Barcelona y actualmente vive en Madrid. Ha desarrollado su actividad anteriormente en una multinacional en EE.UU. y España. En 2000 publicó Los muros de Jericó, relanzada con el nombre de El retorno cátaro en el 2005. En 2002 publicó Presagio; en el 2004 su tercera novela El anillo y en el año 2007 se editó La reina oculta, ganadora de la séptima edición del premio de novela histórica Alfonso X el Sabio.
En la fábula de Prométeme que serás libre Molist desarrolla la historia del joven Joan desde finales de verano de 1484 y a partir del momento en que su familia es atacada por una nave musulmana (o que se supone que lo es, después descubriremos las claves), secuestran a la hermana y a la madre y matan al padre. Él logra huir con su hermano menor y posteriormente dirigirse a Barcelona. Allí aprende el oficio de encuadernador en la librería Corró, ingresa en la pandilla de Felip y va abriéndose al mundo al tiempo que se enamora de Anna. Posteriormente tras producir una muerte por honor es llevado como galeote y se resuelve el enigma del secuestro de su madre y hermana, a la vez que logra encontrar de nuevo a su amada Anna, que había huido de Barcelona con sus padres por miedo a caer en manos de la Inquisición. Anna se ha casado pero su amor sigue vivo. La muerte del marido de Anna permitirá tener aspiraciones pero se verán pronto frustradas. La búsqueda de su madre y su hermana se hacen precisas porque le constan que fueron vendidas como esclavas y viven en la costa italiana. E inicia su búsqueda con inciertos resultados. El final no lo desvelamos con objeto de mantener la intriga.
Con Prométeme que serás libre Molist ha querido crear una novela que desarrolle acontecimientos históricos y novelescos en los últimos años del siglo XV en Barcelona e Italia, lugares donde se centra el desarrollo de la intriga. Joan, el héroe al uso, de familia humilde y con aspiraciones culturales y sentimientos muy primigenios y atractivos para el lector, posee ese encanto original de los seres inocentes que se abren de par en par al mundo, va conquistando con sus sentimientos el sentido del lector y adentrarnos en la historia de su vida que no es ni más ni menos que la de un tiempo histórico muy bien reconstruido y estudiado por Jorge Molist, cuya documentación ha sido exhaustiva y precisa sin llegar a ahogar la fábula. Jorge Molist

Sin embargo, el gran acierto de la obra es la agilidad, la introducción de diálogos breves y ligeros y la rapidez narrativa. La estructura formal opera sobre situaciones-secuencias que poseen un enorme valor cinematográfico y, a veces, nos resultan más propias de un guión fílmico por su soltura y rapidez.
Molist apuesta por la intriga y también por el entretenimiento y la soltura en el proceso de creación novelesca. Una dinamización narrativa que es uno de sus mejores aciertos narrativos, así como la serialización acumulativa de elementos novelescos, que encantan y hechizan al lector, y una simplificación en el proceso de la construcción del pensamiento del héroe novelesco. El léxico sencillo, el proceso constructivo lineal, la estructura del relato tradicional, con abundancia del diálogo, y la acción trepidante… conforman los elementos fundamentales de una obra en la que el amor, la intriga familiar, las venganzas y los odios… y la lucha por clarificar el pasado y alcanzar el propio destino tienen mucho que ver con esa novela de de corte bizantino que tanto éxito alcanzó en la Edad Media y sería el germen de la novela de aventuras posterior.

LA POESÍA DE MARTÍNEZ MENCHÉN POR MORALES LOMAS

2011-04-19T04:15:00.000-07:00

Hace unos años dedicaba a Martínez Menchén, junto a L. A. Espejo-Saavedra Santa Eugenia, el ensayo “Fantasía y compromiso literario. La narrativa de Antonio Martínez Menchén” (Instituto de Estudios Giennenses, Jaén, 2008), un estudio de más de trescientas páginas que analizaba toda la obra narrativa del escritor linarense afincado en Madrid. Sin embargo, desconocía su labor poética. Hace unos días me llegaba su obra titulada “Poesías” (publicada inicialmente en Internet). Fue su hermano, el también escritor y crítico Jesús Felipe Martínez Sánchez, el que le animó a enviarle unos versos para incluirlos en Internet en su web jesusfelipe.es. Es la primera vez que se publican estos versos, inéditos hasta ahora, y con ellos abre nuevas expectativas a sus seguidores en prosa.
La mayor parte de estos versos los escribió cuando estudiaba Derecho, años 50 y 51 del siglo pasado; las tres últimas series son de la primera mitad de los 60 y Campo de Marte de la segunda mitad de los 70. Los considera “un producto de la nostalgia”, la de una lejana juventud que ahora se recupera en su sentido con estos versos.
Aunque organizado en ocho apartados, existe un aliento homogéneo que alimenta el sentido postrero de los mismos: la reconstrucción de un sentimiento, de un sentido, de una vivencia en el tiempo y la memoria. Además de una cadencia, una entonación llena de tristeza, melancolía y desazón. Creo que es un espíritu que alimenta una época triste y desoladora de nuestra historia de España, aunque solo tenuemente entra en su valor crítico.
Sí hay más una forma de acceso al sentimiento, a la contemplación de la tarde de lluvia, a la monotonía de los días, al paso del tiempo y a la sensación de que nunca sucede nada y si algo acaece es triste e infecundo. Las emociones, las sacudidas, los estremecimientos se crean y amplifican el poema, sensaciones de pérdida, de ausencia, de reconstrucción de la memoria, del frenesí de los afectos y de la espera de la muerte. Para ser un hombre joven el que escribió estos versos su espíritu había envejecido y la presencia de lo efímero y la audacia de lo nihilista está muy presente en ellos. No en vano comienza el poemario con este endecasílabo: “Llora hoy mi corazón tierno y doliente”. Imbuido por la poesía machadiana y su veta que llega desde el canto doliente de Rubén en sus versos de “Cantos de vida y esperanza”, Martínez Menchén no es ajeno a ese dolor de la existencia, a ese morirse lentamente en el precipicio de la nada: “Me empuja inexorable hacia la nada”.
Solo hay un remanso de paz cuando el poeta, a través de sus versos narrativo-descriptivos, se complace en observar la tarde, su dulce agonía, su penumbra…, a veces recuperada por la contemplación de la amada, por sus ojos, por su carne encendida. Como una música de Chopin, la singladura de las palabras de Martínez Menchén se hacen campo observado, campo detenido, con la lluvia siempre, con el barro, con la grisácea presencia de los chopos o los álamos que se agitan pero siempre temblando. Las calles taciturnas, la ciudad languidecida, las largas avenidas… sirven de marco para crear sensaciones y sentimientos que ahonden en esa vivencial monotonía, que actúen como pulso de los días, que se sucedan en el tiempo con ellos y se hagan a la vez tiempo recobrado, frutos de sensación o esplendentes cúpulas de grises y vidrieras oscuras.
Su poesía nace de esas tardes tristes que duermen los sueños, de una soledad bien timbrada que va creciendo en el poema como una breve historia del corazón, del corazón dolorido, incluso del corazón que teme, que busca y no encuentra: “Esta tarde muerta me llega aún en el perfume de tardes que murieron”. Una estación que preside el otoño, como no podía ser de otro modo, con sus matices envolventes y melancólicos, con su rumor de hojas secas y sueños y fantasías. Un aire machadiano ciertamente pero que llega desde “Soledades, galerías y otros poemas”. Y así lo constata cuando dice que “La tarde se ensombrece. En las palabras grises/ del Código resbalan los versos de Machado”.
La vida transcurre desde su contemplación, desde el alimento que llega al corazón y lo agita, desde la alegría contenida y desde la tristeza ensalzada. Pero también hay momentos para la exaltación, como cuando se refiere a la María del poema cuarto, con el sintagma con valor apreciativo de “alegre despertar”, y su carne fresca que enciende la pasión y los deseos: “Dulcemente… Una mujer de carne rubia y plena,/ un lánguido desmayo de placer ya sabido,/ uva dorada, un sol pequeño y dulce,/ un perfume azulado y un presentido mar”.
También el recuerdo de la madre amplifica el valor de los sueños, de esa vida que si fue una flor sombría puede también agradecer la dulce sensación de sentirse amado. Y este reconocimiento puede romper la quietud de la tarde y hacer madurar los silencios y transformarse en búsqueda sublime.

Morales Lomas y Martínez Menchén (Centro Cultural Hospital San Juan de Dios, Jaén, 2006)

Y siempre la memoria, tratando de reconstruirse, con ideas marchitas, como tratando de resucitar a los muertos que ya no están, implicando en ello la sangre y su fortaleza también de palabra, de nostalgia en sazón y de lucha. La lucha con la palabra para construir con ella el sentimiento hecho dulce melancolía, vieja sombra, viejo dolor. Una naturaleza que sirve de entorno para construir la horma del afecto y las emociones, siempre con aire fúnebre, como si el ocaso se apoderara del poema y en breves sustanciaciones vertiera el cansancio y el miedo, cuerpo retorcido, cuerpo desorientado, como el de Rosa, la ramera que dio su juventud a “la voraz manada de los hombres”.
Martínez Menchén logra crear imágenes dolientes y proyectarlas como Munch hacia el lector y jugar al cansancio y la desolación, y profundizar en el misterio de la tierra, en su fortaleza y en su negrura y crueldad, en el dolor rechinante y en la radiografía de sí. Porque siempre encontraremos en sus versos al escritor que siente, y el vacío como respuesta: “Qué dolientes las tarde sin aroma… Qué dolientes los gestos sin palabras… Qué doliente sonrisa la que vaga…”
Pero también, como en el último poema, puede haber momentos para la profunda pasión, y eros, desde su distancia, emerge con fueraza y aparece el tú de la amada que se adueña del poema-amor, de la ternura, de la palabra que sueña de nuevo y siente el cosquilleo del ser. Es primer domingo de otoño de 1964, y, aunque envuelto en la tristeza, resurge esa amada, esa vieja amada, con un claro deseo: “Que nos desnudemos y saltemos/ sobre el tiempo y sobre la angustia/ haciendo un rítmico espectáculo de nuestro amor/ para intentar, como tantas veces, ya que no conmoverla,/ al menos hacerla sonreír”.
Un descubrimiento el de estos versos, una evidente constatación de que la obra de Martínez Menchén es fiel a sí misma, profunda y desoladora, álgida en la creación y nunca ajena a la voluntad del sentimiento, producto histórico donde lo haya que, como los afectos, nacen en un momento y vuelven en un eterno retorno sobre sí.

LLUVIA DE ALJÓFAR DE ENCARNA LEÓN POR MORALES LOMAS

2011-04-18T11:52:00.000-07:00

Lluvia de Aljófar (Editorial Zumaya, Granada, 2010) de la escritora granadina, afincada en Melilla, Encarna León, se detiene en la reconstrucción de un tiempo vivido. Personajes y paisajes que han conformado la memoria ahora aparecen desde diversas perspectivas, pero siempre bajo el paraguas de los afectos y la recuperación de un sentimiento.

Se organiza en tres grandes apartados. El primero, San Antonio de la Florida (Madrid). En él recupera el año 1984 y la presentación de su primer libro; el segundo, De frondas y de Cirios (La Granja, Murcia): es un recorrido por La Granja y un canto a la naturaleza; y, el tercero, Un roce con el tiempo (Melilla, Marruecos, Otros itinerarios), se ofrecen diversos itinerarios.

En su “A modo de dedicatoria” la escritora nos anuncia que el presente libro ofrece una memoria emocionada al poeta melillense Miguel Fernández cuando se cumplen diecisiete años de su fallecimiento. La amistad que va surgiendo con él le ayuda a ir construyendo una serie de poemas que ahora se publican. Se considera su discípula y es todo un reconocimiento a su memoria. En él abunda en las explicaciones que serán de interés para el lector.

Abunda la luz y el desdoblamiento dialógico en la contemplación de las oscuras transparencias o en el rastro que van dejando los octosílabos de “Un ángel sostenía”, con su lírica sensual y barroca tan preciosista y fonética que se va adentrando por las sugerencias y una imaginería dominada por las sensaciones que ha producido el pálpito de la memoria. Poesía de la mirada, poesía que crece con el sentimiento mientras se aspira a la contemplación y la emoción interior con un abundante juego metafórico. Hay también mucho de restablecimiento y de historia personal de las emociones que se van abriendo a la naturaleza en los diversos apartados: “Despoblada campiña/ derramada por silentes caminos/ se ofrece atrevida”. La fotografía queda impresa en el poema, pero fundamentalmente la emoción de un momento vivido “mientras el susurro templado/ de los cirios alumbraba quedo/ y ascendía, en medrosa huida,/ llevándose el pensamiento/ hacia un infinito/ poblado de aguaceros”.

En la segunda parte podemos encontrar un encuentro con la naturaleza, con las frondas y los manantiales, con la sensualidad que despierta el serpenteante aire y el rumor sosegado de los trances. Una lírica para el encuentro emotivo y la conspiración de los afectos, embriagada y embriagadora con su abundante adjetivación tanto como las frondas o las luces y sus matices. Un recuerdo que crece y entusiasma a medida que la memoria toma cuerpo.

Melilla y sus habitantes ocupan un pedazo de ese sentir en el último agrupamiento. Contemplación del faro desde lejos que va abriendo el iris de la mirada hacia el pasado y todo ese tiempo tibio de aroma en Melilla: “No hay duda de amor/ en esta nuestra tierra/ donde la memoria presiente/ un destino curvado de naufragios”. El tiempo se apodera del poema y el pensamiento que se hace candor, imagen o proyección hacia el futuro en tanto se despierta como hija del sueño y “Melilla repite sus auroras”. Una lírica que nace tanto de la contemplación emotiva del paisaje cuanto de la profunda raíz de la memoria de los días y esa templanza del fluir del tiempo en el que se aprende a apreciar lo humano. Pero también aparece Nador, “coronado de azul y blanco”, o los atardeceres dorados en los que el muecín endulza el aire con su canto. El viaje, finalmente, se adueña de los últimos poemas para recordar a la promoción del 57 de La Salle y el éxodo de la memoria, lleno de alcázares y sueños.

Encarna León y Morales Lomas (Melilla, 2010)

ECONOMÍA Y EMPLEO EN LA CULTURA POR MORALES LOMAS

2011-04-03T02:22:00.000-07:00

Economía y empleo en la cultura (Consejería de Cultura, Junta de Andalucía, Sevilla, 2010) es un ensayo de más de quinientas páginas donde veinticuatro especialistas en temas culturales entre catedráticos de universidad, doctores en diversas disciplinas, presidentes de diversos organismos... analizan de modo concienzudo y riguroso el estado de la cultura y su tejido industrial. Como dice el consejero Paulino Plata en las palabras liminares, "la cultura es un elemento muy valioso para el desarrollo económico de un territorio, actúa como fuente de riqueza y de empleo, a la vez que actúa como un indicador crucial de la madurez y dinamismo de una comunidad (...) Su rentabilidad económica es en muchas ocasiones invisible o poco reconocida, pero lo cierto es que se trata de un sector con un enorme potencial. La contribución de la cultura a la riqueza nacional, en términos de porcentaje del Producto Interior Bruto español puede situarse en torno al 4% (...) Esta obra aborda la vida laboral desde distintas miradas -económica, jurídica, sociológica, psicológica...-. Los autores transitan por un escenario económico para estudiar y reflejar la actividad de los profesionales y las empresas del sector. Ahora, más que nunca, es conveniente hablar y trabajar en la economía de la cultura. Debemos destacar las aportaciones que hace a nuestro bienestar y ser capaces de aprovechar todas las posibilidades que ofrece".

A continuación pueden ver el índice de la obra.

Uno de los capítulos de la misma figura la contribución de Morales Lomas como presidente de la Asociación Andaluza de Escritores y Críticos Literarios que lleva por título "La actividad del escritor" (pp. 299-322).

FRAGMENTO DE LA ACTIVIDAD DEL ESCRITOR POR MORALES LOMAS

La obra la pueden solicitar a la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. Resumen La situación del escritor ha sido vista tradicionalmente y por el neófito como un mundo idealizado en el que existe mucho de proyección mítica de esa figura que crea mundos paralelos al nuestro. Sin embargo, en muchas ocasiones, no es este el perfil real. El escritor es ante todo un trabajador, un creador de palabras y mundos, y como tal su función es doble: inventar algo ex novo y darlo a conocer a sus congéneres. La mayor singladura, la aventura más peligrosa se produce cuando un escritor pretende dar a conocer sus obras pues encuentra múltiples dificultades. En el presente escrito llevo a cabo un sucinto análisis de la situación general del escritor, los diversos modos de abordar la escritura, la función social del escritor en la sociedad contemporánea, la dinámica de su trabajo creador, las dificultades de la edición y la incertidumbre que encierra esta, así como las perspectivas de futuro en una sociedad cada vez más tecnológica. En otro apartado abordamos la relación con las instituciones y la labor que estas hacen en Andalucía. La situación es compleja pero se puede reducir sensiblemente a la necesidad de la búsqueda de la expresión en un mundo cada vez más deshumanizado en el que, progresivamente, se está poniendo de moda un tipo de literatura con la que se pretende única y exclusivamente la plusvalía y deja al escritor en el onanismo literario. Esta perversión incide en ese proceso que va de la creación de la escritura al lector, con toda la problemática que se produce en la edición, la distribución y la publicidad de la obra. Palabras clave Escritor, problemática, función social, libreros, editores y distribuidores. El escritor y su función social El escritor cumple una función social: convierte el mundo en objeto artístico. Esta capacidad para subjetivar la realidad con sentido o sin él, es decir, con el absurdo del arte, que sería el mayor de los discernimientos, convierte al escritor en un demiurgo. Y adquiere el bagaje de la creación. Toma sus bártulos y se echa al camino para conquistar la verdad del hombre o su tontería, su bondad o su maldad, su personal comprensión o concepción de lo observado. El escritor, a su modo, es un dios pequeño, un dios vago y estéril que trata de encontrar acomodo en la creación. Intenta descubrir «objetos» que adquieran forma definida. La reinvención de la realidad o su acomodamiento a la misma (su mimesis) con otros ojos es el ministerio del escritor y, en consecuencia, cumple la función de dotar a la realidad de múltiples sentidos y de ampliar su punto de partida, su recepción múltiple. Decía Antonio Machado que la poesía es diálogo del hombre con el tiempo, y esta dimensión temporal del escritor va en relación con su transitoriedad pero, sobre todo, y también, con la proyección de su obra ad límine, en otras épocas, con objeto de que sirva de comprensión novedosa de su visión en la tierra. Este afán testimonial ha permitido hablar del escritor como artista transformador o revolucionario y de la literatura con un afán claramente instigador, la palabra como un arma cargada de futuro en versión de Blas de Otero, Gabriel Celeya o José Hierro. Y así fue en determinados momentos, sobre todo cuando esta podía coadyuvar en la transformación del statu quo. Quizá por ello el arte (y la literatura como tal) no es para Marx una actividad humana accidental sino un trabajo superior en el cual el hombre despliega sus fuerzas esenciales como ser humano y las objetiva o materializa en un objeto “concreto-sensible”, como bien nos decía Adolfo Sánchez Vázquez en Las ideas estéticas de Marx[1]. Pero no siempre fue así. En muchas ocasiones el escritor lo que trata es de comprender el mundo y transmitir su visión de esa comprensión, que no tiene el porqué ser verdadera o cierta, pero sí personal y única. En consecuencia, mucho hay de transitoriedad en la labor del escritor y disposición a ser testigo de una época. Y como no todas son iguales, la literatura es informadora siempre de un momento histórico, aunque la comprensión de una realidad en un momento histórico determinado pueda sentirse en otras circunstancias ad futurum o al menos puede apreciarse su voluntad de objeto artístico permanente. Y esto sucede así porque la literatura es la recipiendaria de un sentimiento. Y los sentimientos son históricos: pertenecen a una coyuntura, nunca son eternos. El escritor dota de sentido a la observación de lo contingente y perecedero. Su trabajo es apasionante porque su encuentro con la materia es doble: por una lado, lo observado; por otro, la praxis de la escritura[2], su voluntad de ordenar el mundo desde el verbo: al principio fue el verbo, y el verbo habitó entre nosotros: “El poeta que va a hacer un poema tiene el vago sentimiento de que parte hacia una cacería nocturna en un bosque muy lejano”, dirá García Lorca[3] para expresar esa dimensión ignota del hecho creador. Esta plenitud tenebrosa de la creación literaria ofrece para el escritor una sugestión extraordinaria, la verdadera motivación de la escritura (o al menos una de ellas) pues sucumbe a la seducción ex nihilo: crea algo que no había antes. Pero también es cierto que, en esta búsqueda y tránsito por un mundo inédito, el escritor también se enfrenta solitariamente a la creación en su dimensión dramática, en absoluta soledad y con la intuición de que la creación a la que se ha encomendado lo sitúa frente al problema de su propia existencia, su libertad y el lugar que ocupa en el mundo, material o espiritual, que quiere representar, como decía Pérez Rizzi[4]. Pero en su poder de creación, en esa consistencia de demiurgo, la vocación estética procede del objeto observado: “La obra de arte adquiere verdaderamente una existencia propia, que le permite imponerse como individualidad estética, sólo en la medida en que parece habitada por una especie de necesidad interna, que debe traducirse en una adecuación rigurosa de la forma al material y viceversa. En la obra acabada se da como un equilibrio milagroso que el menor desplazamiento podría romper y que corresponde a la perfecta materialización de la forma”[5]. Pero también la literatura aporta una dimensión colorista al dar una visión esperanzadora (al menos así la ha visto Alan Woods) pues el arte (y la literatura lo es) en todas sus formas “nos hace abrir los ojos, aunque sea sólo por un momento fugaz, ante nuestra monótona existencia cotidiana, nos hace sentir que hay algo más en la vida, que podemos ser mejores de lo que somos, que las relaciones entre las personas pueden ser humanas, que el mundo puede ser un lugar mejor. El arte es el sueño colectivo de la humanidad, la expresión del sentimiento arraigado de que nuestras vidas no deberían ser así y que deberíamos luchar por algo diferente”[6]. El artista debe huir de su propia persona y situarse en un plano superior sobre el que contemplar el teatro del mundo. El artista es el único que puede desprenderse del guión establecido y sentarse en el auditorio para contemplar cómo los simples mortales interpretan su papel. Él puede llegar a comprender el guión y situarse en la verdadera realidad, fuera del tiempo y el espacio. Sobre todo fuera del tiempo, que para Schopenhauer no tiene una existencia absoluta, no es una manera de ser en sí de las cosas y no es más que la forma de conocimiento que tenemos de nuestra existencia. De este modo tiene el artista la capacidad de situarse en un plano externo al mundo, contemplando y entramando sus leyes con la posibilidad de salirse de ellas, dejando a un lado las apariencias del espacio y del tiempo. Sin tiempo la palabra muerte no tiene sentido ya que sería el fin de la vida y no puede haber principio o fin si eliminamos el tiempo. Comprendemos la vida cuando nos enfrentamos a la muerte, a la ausencia del tiempo, y el arte puede hacernos comprender esto aunque sólo en determinados instantes... [1] SÁNCHEZ VÁZQUEZ, A. (2006) Las ideas estéticas de Marx. Madrid: Siglo XXI, 2006. Afirma que para Marx el hombre lo es en la medida en que crea un mundo humano, y el arte en general aparecería como una de las expresiones más altas de este proceso de humanización y como trabajo superior eleva las condiciones de ese ser. Por supuesto, muy interesante en este sentido es la obra de MARX C. Y ENGELS F. (1968) Sobre arte y literatura. Madrid: Editorial Ciencia Nueva, 1968. [2] El elemento técnico (la techne para Aristóteles) es consustancial al hecho creativo. García Lorca decía que él era poeta gracias a Dios y a la técnica. Y también decía Kant que “Genio es el talento (dote natural) que da la regla al arte”. La dimensión genética o deífica, y la dimensión léxica y la capacidad de organizar el mundo a través de la palabra. Como dice LABRADA, M. A. La racionalidad en la creación artística. [en línea] [Consulta: 30/04/2009] que cita a su vez a HEIDEGGUER, M. (1961) Nietzsche. Tübingen: Neske, vol. 1.°, p. 96, “como es sabido, el término «arte» —en el sentido usual hoy de creación, deriva del término «techne» empleado por Aristóteles y que los latinos tradujeron por «ars». Del mismo término aristotélico (techne) deriva asimismo el actual de «técnica», y es, precisamente, esta proximidad de los términos «arte» y «técnica» lo que plantea problemas para distinguir el significado de ambos: «el arte es la techne. Se ha sabido después de mucho tiempo que los griegos denominaban con este nombre tanto el arte como el oficio, y según este término denominaban también al artista y al artesano con el nombre de technites...»” [3]GARCÍA LORCA, F. La imagen poética, citado por IBÁÑEZ LANGLOIS, J. M. (1964) La creación poética. Madrid: Rialp, 1964, p. 221. Aunque también dijera García Lorca en Juego y Teoría del Duende, que: “El ángel guía y regala…vuela sobre la cabeza del hombre, está por encima, derrama su gracia y el hombre sin ningún esfuerzo realiza su obra… La musa dicta y en algunas ocasiones sopla… despierta la inteligencia.” [4] PÉREZ RIZZI, M. A. El problema de la creación artística. [en línea] [Consultado: 30/04/2009]. [5] LADRIERE, J. (1978) El reto de la racionalidad. Salamanca: Sígueme, 1978, p. 151. [6] WOODS, A. El marxismo y el arte. [en línea] [Consultado: 28/04/2009].

ROSA ROMOJARO Y JOSÉ ANTONIO RAMÍREZ LOZANO GANAN EL XVII PREMIO ANDALUCÍA DE LA CRÍTICA

2011-03-27T04:57:00.000-07:00

Manuel Gahete (Secretario de la AAEC), Manuel García (Delegado de Cultura de Málaga, Junta de Andalucía), Morales Lomas (presidente AAEC), Francisco Cañadas (Fundación Unicaja)

Siendo 12:00 h. del 26 de marzo de 2011, en Málaga (España), se anuncia el fallo del XVII PREMIO ANDALUCÍA DE LA CRÍTICA 2011.

El Jurado, constituido por Francisco Morales Lomas, Manuel Gahete, Antonio Hernández, Antonio Garrido Moraga, Ricardo Bellveser, Antonio Enrique, José María Barrera, José Sarria, Rosa Díaz, Manuel Urbano, José García Pérez, Paloma Fernández Gomá, Miguel Chaparro, Miguel Ángel Fernández, Pilar Quirosa-Cheyrouze y José Antonio Santano concede

el Premio Andalucía de la Crítica de narrativa a la obra Las manzanas de Erasmo de José Antonio Ramírez Lozano por entender que es una alegorización en torno a la creación del principio del mal y las falsas reliquias con una prosa preciosista de gran nivel literario que nos introduce con habilidad en el espíritu erasmista y crea un mundo original y propio.

José Antonio Ramírez Lozano es un poeta y narrador extremeño afincado en Sevilla donde es profesor de instituto en el área de Lengua y Literatura Española. Su obra en prosa se inicia con Don Illán (Orihuela, 1978), una narración corta con algunas de las claves de su mundo narrativo, a la que han seguido otros muchos títulos, aparecidos en un corto espacio de tiempo: Flos Sanctorum (Valencia, 1982), Titirimundi (Madrid, 1986), La gran oca (Valencia, 1990), La historia armilar (Alicante, 1992), La derrota de los fabulistas (Alicante, 1994), Gárgola (Madrid, 1995), Animañas (Badajoz, 1995), Bata de cola (Sevilla, 1995) El birrete de papel (Badajoz, 1996) y Las argucias de Frestón (Sevilla, 1997), entre otros.

Igualmente, el Jurado ha decidido conceder el XVII PREMIO DE POESÍA a la obra Cuando los pájaros de la que es autora Rosa Romojaro porque posee una poesía interiorizada pero fluida. Juan Ramón asoma su violín. No es por el símbolo de los pájaros sino por cierta capacidad para convocar lo ausente que cobra vida en el nombre exacto de las cosas. La contención que, en otros casos, aboca al freno de marcha, no le quita ritmo ni cadencia. La serenidad machadiana apaga la desolación de fondo. La falta de entusiasmo subraya el escepticismo. Y, de cuando en cuando, el amor como bálsamo. Pájaros dibujando una tilde circunfleja en el aire. Pájaro de la música, no de algarabía.

La poesía de Rosa Romojaro es de una dicción muy depurada, se caracteriza por su carácter emblemático, en cuanto que el poema aparece como un artefacto cuya organización intelectual debe ser descodificada para que rinda la emoción y belleza que habitan ese jardín "cerrado para muchos". En poesía ha publicado Secreta escala (1983), Funambulares mar, (1985), Agua de luna, (1986), La ciudad fronteriza, (1987), La ciudad fronteriza, (1988), Poemas sobre escribir un poema y otro poema, (1999), Zona de varada, (2001) y Poemas de Teresa Hassler (Fragmentos y ceniza) (2006).

NUEVO LIBRO DE MORALES LOMAS SOBRE JORGE LUIS BORGES

2011-03-05T03:00:00.000-08:00

JORGE LUIS BORGES

Próximamente se publicará en Barcelona, en Ediciones Carena, http://www.edicionescarena.org/, el ensayo Jorge Luis Borges, la infamia como sinfonía estética, del que es autor el escritor F. Morales Lomas, profesor de la Universidad de Málaga y presidente de la Asociación Andaluza de Escritores y Críticos que concede y promueve desde hace diecisiete años los Premios Andalucía de la Crítica.

Con esta obra, Morales Lomas, en el Año Borges, pretende unirse al conjunto de actos que se llevan a cabo para conmemorar esta trascendente onomástica. Borges es uno de los escritores más importantes en lengua española del siglo XX y un referente para las generaciones venideras.

El Centro de Arte Moderno y la Delegación Madrid de la Fundación Internacional Jorge Luis Borges efecturaron el lanzamiento del Año Borges, por cumplirse 25 años de la muerte del escritor argentino Jorge Luis Borges, que contó con la presencia de la Presidente de la Fundación, Sra. María Kodama.En el transcurso de este acto se ha realizado la entrega a la Sra. Kodama de ejemplares de los libros "La hermana de Eloísa", de Jorge Luis Borges y Luis a Mercedes Levinson, y "Los Rivero", de Jorge Luis Borges, ediciones especiales realizadas por "Del Centro Editores".Convocaron a este acto cultural el Director del Centro de Arte Moderno, Raúl A. Manrique Girón; su Director, Claudio F. Pérez Míguez y Zulema González Guerrero, de la Delegación Madrid - Fundación Internacional Jorge Luis Borges.
Tras las exposiciones y entregas de diversos obsequios por parte de artistas argentinos y españoles a la Sra. María Kodama, hemos departido con ella y uno de los anfitriones, Claudio Pérez, junto a la escritora y psicóloga argentina Alejandra Tallarico, sobre distintos aspectos del año cultural que en el CAM se ponía en marcha, en torno a la figura y literatura de Jorge Luis Borges.

Reproducimos algunas palabras del ensayo sobre la narrativa de Borges:

Antes que escritor, Borges siempre se consideró lector: “Un libro, cualquier libro, es para nosotros un objeto sagrado”[1]. Es más, su escritura no dejó de ser una forma de transgredir aún más sus lecturas, un apéndice de la lectura. Una especie de quebrantamiento o desobediencia de esa voluntad de lector. Sus lecturas siempre estaban sumergidas en su escritura y esta nacía de aquellas. ¿Qué habría sido del escritor Borges sin las lecturas precedentes, sin las intertextualidades, sin ese reguero de citas y alusiones, imitaciones y frases textuales? Quizá porque la lectura era una forma de conectar con el pasado, de saber qué fuimos y hacia dónde iríamos. De ahí la imposibilidad de anularlo mientras los libros tuvieran vigencia y Borges deseaba conectar con ese pasado y acaso sentirse parte de su creación, como el Dios de la novela Niebla de Unamuno. Acaso porque la existencia del mismo, como dijo Mallarmé, dependiera de los libros precedentes: El mundo existe para llegar a un libro. Y esta imposibilidad de luchar contra lo evidente, la función del libro en la historia, impidió al emperador chino Shih Huan Ti, su propósito: quemar todos los libros anteriores. Ante la imposibilidad, afirmó: “Los hombres aman el pasado y contra ese amor nada puedo”[2]. Que, en el fondo, opinaba como Paul Valéry cuando afirmaba que la historia de la literatura debería ser la historia del espíritu.
Borges se consideraba un «lector hedónico» que leía por mero placer y en absoluto mediatizado por un sentimiento de deber sino por el mero hecho de la lectura deleitable:

Ni probé fortuna dos veces con autor intratable, eludiendo un libro anterior con un libro nuevo, ni compré libros –crasamente- en montón[3].

Y uno de los elementos que más admiró siempre en ellos fue la imaginación. Consideraba que en ella radicaba una de las grandes ausencias de la literatura argentina, su falta de imaginación, aplicable también a la falta de imaginación aplicable a la vida cotidiana. Lo que le llevó a apuntar tras reflexionar sobre “La perpetua carrera de Aquiles y las tortuga”: “Aceptemos el idealismo”[4]. Y la aceptación definitiva de que el mundo “requiere irrealidades visibles”.
De hecho, nunca se animó a escribir una novela extensa. Decía que no eran necesarias tantas palabras para decir unas cuantas ideas. También hubo reparos a la escritura. Inmerso en una época dominada por las vanguardias, Borges entendía que su mundo no podría ya ser el realismo decimonónico ni tampoco esos efluvios juveniles indiciarios de comienzos de siglo. Y optó por un modelo de literatura en la que se sustanciaban dos elementos aparentemente contradictorios (realidad/fantasía) que él llevaba a una perfecta imbricación a partir de procesos escriturales mágicos, metafísicos o intertextuales. Aunque en una tardía fecha como 1970 dijera en el “Prólogo” de El informe de Brodie que sus cuentos eran realistas:

Observan, creo, todas las convenciones del género, no menos convencional que los otros y del cual pronto nos cansaremos o ya estamos cansados.[5]

[1] Borges, “Del culto de los libros”, Obra completa, vol. 2, op. cit., p. 229.
[2] Borges, “La muralla y los libros”, Obra completa, vol. 2, op. cit., p. 133.
[3] Borges, “Paul Groussac”, Obra completa, vol. 1, op. cit., p. 77.
[4] Borges, “La perpetua carrera de Aquiles y la tortuga”, Obra completa, vol. 1, op. cit., p. 98.
[5] Borges, “Prólogo” de El informe de Brodie, op. cit., p. 373.

APROXIMACIÓN A LA NARRATIVA DE GUILLERMO BUSUTIL POR MORALES LOMAS

2011-02-23T12:04:00.000-08:00

Morales Lomas y Guillermo Busutil (Ateneo de Málaga, 24 de febrero de 2011)

Ya conocía suficientemente la narrativa de Busutil al que había incorporado en mi obra Narrativa española contemporánea, donde consideraba que su narrativa es suelta, plástica y torrencial, con un especial cuidado por el significante hasta el punto de que es el resultado de una percepción significativa sobre la trascendencia del lenguaje bien dicho como fuente de placer literario. De hecho afirmaba que ese lenguaje que con tanto acierto es “mestizo, minimalista, directo, contaminado por lo poético y lo ensayístico, posiblemente porque soy heredero del periodismo americano literario de la escuela de Tom Wolfe”. Pero sus mundos también son amplios, complejos, urbanos, generosos y actuales, penetrados de la modernidad y atentos a sus conformaciones. Una actualidad a la que nunca fue ajeno por su especial condición de periodista atento y significado.
Pero junto a ello su obra traduce un profundo conocimiento de la técnica narrativa cuentística de la que es uno de los principales cultivadores en el momento actual junto a escritores como Care Santos, Juan Bonilla, Hipólito G. Navarro… Decía este escritor granadino afincado en Málaga, que en el relato "si no atrapas y llevas sin respiración al lector hasta el final, no funciona", y agrega que el escritor de este subgénero en el que se ha especializado es como el corredor de los mil quinientos metros: "Los entrenadores nos decían que había que salir fuerte, mantener el ritmo y esprintar en la última curva, y eso es el relato". Y Busutil aspira a expresar esa visión atlética del escritor en sus relatos, dotados de intensidad y recorrido ajustado y preciso, tanto en la organización estructural, de la que es bastante amante, como de la significación en el plano del significante. Al respecto decía:
“El cuento es un golpe de mano, basado en el reverso de la realidad o en la imaginación de lo probable, que expresa pequeñas ráfagas de vida, misterios de un instante e intensas cápsulas de tiempo para disfrutar a contratiempo. Y aunque todavía, muchos editores y críticos lo consideren un ejercicio de iniciación o el hermano pequeño de la novela, el cuento es un género autónomo, rico en estilos y adecuado para lectores que, al igual que el resto de las personas están atrapados por la actual existencia express”.
Sobre su percepción narrativa y la función del lector en su obra advertía que “busca un lector inteligente”. Y cuando esto refería, sin duda que se alejaba de un tipo de lector actual que sólo busca en la literatura pasar un rato entretenido. No es ajeno al entretenimiento, evidentemente pero es más exigente con su lector: “Hoy predomina el lector kleenex; que busca ocupar un tiempo muerto o entretenerse. Pero la lectura es un diálogo entre el que escribe y el que lee. El escritor ejerce su condición de ciudadano a través de la literatura. A mí me interesa la literatura que dispara a la realidad que nos rodea, y eso exige un lector que sea activo, cómplice”, decía en unas declaraciones al diario El País, el nueve de abril de 2003.
Ha publicado hasta el momento varios libros de relatos: Los laberintos invisibles (1986), Confesiones de un criminal (1988), Individuos S. A. (1999), Marrón Glacé (1999), Drugstore (2003), Nada sabe tan dulce como la boca del verano (2005), Moleskine (2009) (antología de relatos) y Vidas prometidas (2011), que en el momento que escribimos estas líneas no se ha presentado aún.
Los nueve cuentos de Individuos S.A.[1] se desarrollan en Viviana (Málaga), una ciudad ficticia, pero muy real, en la que presenta temas como el intrusismo, la violencia, la avaricia, el fraude... En su mayoría son relatos policíacos y costumbristas en los que las crónicas de seres que viven situaciones trágicas o esperpénticas son manifiestos, seres sometidos a una realidad que los aprisiona.
Según Eduardo Moga[2] “la prosa de Busutil es suelta, plástica y levemente torrencial. Abundan las metáforas, aunque a veces se regateen a sí mismas ("la erección del índice ahorcando el gatillo"). El bagaje retórico en el que destaca el uso certero de la hipálage es lo suficientemente amplio como para que la lectura no resulte monótona. (...) La principal objeción que cabe hacer a Individuos, S.A. no es estilística, sino estructural: con frecuencia, el narrador narra demasiado”. Esto que puede resultar para críticos como Moga una realidad que desmerece el relato puede considerarse en sentido contrario como un valor en sí mismo, porque todo dependerá de la perspectiva que se quiera adoptar.
Sus relatos son, en cierto modo, un compromiso con la sociedad que le ha tocado vivir, una sociedad en la que la publicidad organiza sus conquistas y ejerce su voluntad así como los medios de comunicación y el consumo; una sociedad en la que la ambición y el materialismo son una sustancia en la que viven y se desbrozan los personajes. Claramente influido por el cine negro y la narrativa de corte policíaco, amén de la observación intelectual de la realidad.
Comienza Individuos S.A. con “Manos de plata”, una historia de psicologías antitéticas en principio que acaban pareciéndose, un proceso de desdoblaje y acercamiento, porque el chorizo Matías Vandelvira, “Manos de Plata”, no tiene nada que ver con el inspector Gonzalo Tizón “El Guapo”. Sin embargo, ambos necesitan igual del dinero. En “El fotógrafo desarmado” quiere construir la metáfora de la imagen. “El puente del arquitecto” cuenta la visión de la ciudad futurible, un artista que partía del principio de que debía “envolver la obra en sus propios sueños y necesidades interiores”, un poeta de las formas. El mundo de las mafias organizadas y la perversión de una sociedad en la que sólo triunfa la deshonestidad y el valor de uso o cambio que pueda tener el ser humano surge con fuerza en su obra.

Entre esa gama abigarrada de personajes que se mueven en los bajos fondos y llegan sin escrúpulo a convertirse en símbolos de influencia y poder, encontramos uno nuevo en “El borrador de huellas”... Guillermo Busutil en su obra es fiel al título que le ha dado, pues su operatoria narrativa se sustenta en torno a la configuración de los mundos novelescos de sus personajes y sus respectivas sicologías. No hay historias en sentido clásico, es decir, con un argumento preciso, sino más bien recreaciones y literaturizaciones sobre espacios y realidades que son empleadas por el escritor granadino para recrearse en el sabor de la palabra, su proyección verbal y los abundantes recursos expresivos que posee sustentados básicamente en la simbiosis del mundo real de la palabra y el ficticio de las imágenes en aras de dotar al texto de una textura literaria, más que de una historia encerrada en sí misma.
Historias en las que emplea la primera o la tercera persona narrativa, persistentemente omnisciente, dominando con soltura sus personajes y sustentando siempre el superestrato ideológico de que la sociedad donde se desenvuelven estos está totalmente corrompida, adocenada y envuelta en la podredumbre, tomando el realismo como horma de sus obras aunque con tendencia a la simbolización metafórica.

Drugstore (2003) habita ese mismo ámbito de expresividad narrativa culta en la que el valor de la palabra y la imagen, así como la amplitud y precisión de sus descripciones, poseen tanta fuerza como su necesidad de conseguirlas. Busutil, muy amigo del imaginario en la literatura española, que podría seguir el manifiesto expresivo de escritores como Prada o Compán (y en el pasado un Proust conciso), es un trabajador de la lengua española, a la que procura sacarle los mayores resortes expresivos con todo tipo de imágenes, metáforas, desplazamientos semánticos, asociaciones inesperadas de todo tipo, etc. Su territorio es el lenguaje y la palabra a través de las que crea un estilo personal y propio que se caracteriza por el cuidado de la lengua. Algo que en un periodista es extraño, pues el día a día impone un ritmo lingüístico desaliñado que ya en su momento advirtió Azorín. En Busutil no sucede esto y la lengua española adquiere un gran valor literario. No se puede discutir la brillantez expresiva -de la que hace también gala en su periodismo preciosista-, que ha sido vista por algunos críticos como uno de sus principales valores aunque sus mundos son heterogéneos, dilatados y envolventes. Al respecto decía Antonio Garrido Moraga[3] que “hay mucha cultura en estos cuentos, cultura que no dato pedante impostado para demostrar que el autor no tiene más que sequedad en la punta del teclado. La cultura es asimilación y eso permite los guiños y otro rasgo clave de este libro: la contraescritura”.
Hay varios elementos comunes a las veintiuna historias que conforman Drugstore. En primer lugar los personajes: en todas sus narraciones desarrolla la historia o la vida de uno de ellos -descrito con todo lujo de detalles- a partir de un enfoque claramente antirrealista al uso; sus prototipos aspiran a crearnos una imagen amplia y vigorosa en la que Busutil despliega todas sus capacidades asociativas y semánticas para embriagar al lector. Una historia y un/una protagonista concentrados. En una gran mayoría el "héroe" de sus relatos es un hombre que frisa entre los treinta y los cincuenta años y destaca en alguna profesión (Pancho Ramos, en el boxeo; Pascual Madeira, en el cine; el inmigrante Abadie deviene un héroe en sentido estricto al final; Costa Gómez, en el periodismo; Iron Eyes, en el cine; Marolo Magallanes, haciendo castillos de arena; Simón Haendel, en el reportaje fotográfico, etc.) sobre la que Busutil despliega un detallismo preciso. De hecho es la búsqueda de éste un instrumento trascendental en su obra. En un momento determinado de un relato dirá que los detalles son más importantes en sí que las historias.
Los personajes "juegan" a la búsqueda de una identidad o a la conformación de un espacio imaginario donde esta identidad o "ilusión" sea asumida. Lo que convierte también sus relatos en propuestas sicológicas: en algunos casos como búsqueda preestablecida. Pero en la mayoría existe una identificación o si se quiere una conformidad con la vida que llevan, aunque en otros casos puede producirse un desdoblamiento como en el caso de Pascual Madeira.
Las mujeres, en cambio, poseen un papel secundario, aunque protagonizan algunos relatos: Emmanuelle García (en "La burbuja Leopardi"), seleccionada en un casting con objeto de presentar un spot publicitario de una bebida: la puesta en escena es tan perfecta que se evapora en la atmósfera del escenario. Una mágica desaparición es también la que protagoniza Jennifer T. en el cuento homónimo. La asistente social Grecia Sánchez lleva la voz en "Una pareja confortable". Una chica de hogar, Violeta Reina, encarna el protagonismo en "El secreto sueño de Violeta Reina". La bailarina Gloria Gumbau en "Baile Retro, Satanás". Un canto a la pintura en libertad y el graffiti nos lleva de la mano de Siena Pantone. Sin embargo, Busutil se encuentra mucho más a gusto elaborando hombres que, en ningún caso, son problemáticos socialmente aunque sí presentan su propio conflicto interior.
Todas sus historias se centran en el ámbito urbano del que obtiene una expresividad manifiesta. Siendo su territorio imaginario la ciudad de Viviana, identificada con Málaga, que aparece con su nombre, no obstante, en algunos relatos como sucede también con la ciudad de Copenhague.
Los periodos oracionales son amplios y con abundante hipotaxis, lo que genera una lentitud elocutiva arropada por la ausencia de intriga o de una historia concreta, como no sea el desarrollo de la historia psicológica o vital del personaje protagonista. No existe una literatura de conflictos, aunque sí existe una visión liberal y comprometida en el orbe social si bien no identificado con ningún manifiesto ideológico. Unas veces son historias cerradas, en la gran mayoría, pero en otras ocasiones las prefiere abiertas dejando un halo misterioso e intrigante, evidente más en los comienzos narrativos.
En definitiva, un escritor que afianza su labor narrativa con esta nueva entrega y consolida un estilo dotado de una búsqueda incansable de la expresividad, la descripción y el desarrollo psicológico en un mundo conflictivo.

Nada sabe tan bien como la boca del verano es una bella edición de Francisco Javier Torres en e.d.a. libros, Benalmádena, 2005. Con él no sólo ha querido reflejar una creciente sensualidad o erotismo (en el primer relato) sino también la trascendencia de la memoria en la configuración de la obra literaria. A través de sus once historias penetramos en el trasiego de los sentimientos y en lo que llamaría la conformación de una memoria sentimental o de un código sentimental de la memoria. Por ello dirá el escritor al final del libro: “Siempre hay un verano al que regresa la memoria en busca de un amor, de un paisaje, de un cuerpo, de la infancia... En la vida de cada uno, siempre hay un verano para cambiar de piel, encontrarse de nuevo o contar, con palabras suaves, lo que fuimos o lo que será tal vez”. En estas historias se ha despojado, grosso modo, del lenguaje barroco, del manierismo verbal y la imagen impactante, y ha buceado en la construcción de la memoria a través de unas oraciones más directas, menos envolventes, más progresivas que permiten un mayor avance narrativo y el rescate de la narración en estado puro. El dilettantismo formal de otros tiempos cede ante un contenidismo emotivo que permite hablar de la construcción de un cancionero en prosa de los afectos.
En “Melville” (¿un homenaje al narrador americano?) una pareja va de vacaciones al pueblo de Melville para reconstruir su pasión de antaño. El hombre, Conrad (¿otro homenaje?) se muestra desanimado hasta que la excitación ante la contemplación de la joven pescadora Rhodas le reactiva la pasión hacia su mujer. Se trata de la pasión diferida y las rémoras del paso del tiempo en la conformación de la pasión amorosa. Para ello opta por un lenguaje directo en el que no puede faltar la influencia de la narrativa erótica fundamentalmente desde Manont Lescaut, La filosofía en el tocador o Las amistades peligrosas. Así dirá en un lenguaje querido para la colección La sonrisa vertical: “Ella no conseguía contener la excitación que la hizo curvarse sobre Conrad y lamerle la verga..., Lelouch notó en su pubis la súbita erección del miembro de Conrad..., pidiéndole que no dejase de follarla...., mientras él se erguía apretando sus nalgas y mordiéndole los pezones..., susurrándole que nada sabía tan bien como la boca del verano”. La construcción del deseo y la influencia de elementos exógenos al mismo, pero determinantes, ofrecen la posibilidad a Busutil para, llevado de un lirismo meticuloso, crear adecuados meandros expresivos en el que existen metáforas, perífrasis y metonimias con una ajustada adjetivación.
De una belleza dolorosa podríamos tildar los últimos días de una pintora lesbiana, Ítaca Snekya, a la que poco a poco la va consumiendo el cáncer en “Pop de la costa oeste”. Su pintura se caracteriza por la construcción con la mirada de un entomólogo y la unión de la experiencia existencial y la pura estética: “Mujeres y hombres de carnalidad mortal expresando su propia imagen escénica y sus vínculos con una realidad definida por la publicidad, la cultura y los conflicto de una sociedad cambiante”. Su enigmática y última exposición lleva el título: Nunca se consigue expresar todo lo que se ama. La acción transcurre en Málaga pero también en otros lugares que se transforman en centro de su viaje. Realiza sus últimas voluntades, legándole su casa y los derechos de su obra a su amada Cortés, para después marchar en un velero.
“Grimper”, la última historia del hombre-araña es un homenaje también a la memoria y quizá a aquellos tebeos de antaño que tanto cautivaron a los miembros de su generación. El protagonista es Wan der Waals, descrito con todo lujo de detalles, que se prepara para su última gran aventura. El puntillismo descriptivo adquiere una gran arquitectura lingüística para conformar este escalador de los sueños colocado frente al Seffer Spy Building para culminar su carrera, su última ascensión mientras se va construyendo a través del proceso de tensión-distensión el suspense necesario para saber si Waals conseguirá su propósito o la derrota será su último aliento.
La historia de una corredora de bolsa, su pasado, sus emociones..., son el germen de “Beach Stone L-40”, donde observamos la obsesión de Busutil por los objetos, el futurismo y la posmodernidad. La protagonista es Genoveva Strani, cuarenta y dos años, presentada como la mujer directiva y poderosa con la que Busutil está dispuesto a demostrar que la igualdad es un instrumento de la modernidad. Sus encuentros con Alain, las confidencias con Muriel, sus obsesiones y preocupaciones son el centro del relato en donde también descubrimos a una mujer romántica que ha descubierto lo mítico de lo cotidiano.
Muy diferente es “La piel de O´Hara”, en la que un joven corredor evoca el encuentro erótico con su amiga Santos. En esta historia la ligereza expresiva es rauda y la acción se apodera de la obra en la que se construye un fragmento de la vida de Óscar, sus primeros años en el colegio, su pasión por la educación física, sus abuelos, la mítica infancia perdida, el encuentro con Santos: “El olor despeinado de su cabello y su carnosa sonrisa (...) El aire aromaba a romero y a la resina que rezumaban los muslos entrecerrados de Santos, moviéndose sinuosa encima de mi cuerpo”.
La historia de Isabella Martel y el náufrago, así como la disputas de otras mujeres por poseerlo son como una recreación de algún pasaje de La Odisea en “Punta mujeres”, donde destaca ab initio el galicismo “en glisando” y la reiteración de la preposición “en” que recarga en demasía el relato en su primer párrafo. Es habitual en Busutil la trascendencia que adquiere la adjetivación. No ya sólo en este relato sino grosso modo, fundamentalmente los adjetivos especificativos y apreciativos, así como la transcendencia de la recreación en las descripciones que pretende construir con parsimonia y todo lujo de detalles.
En “Iguana” dos amigos (uno escritor y otro escultor) son los protagonistas de la historia que relatan una excursión a Iguana, un lugar paradisíaco. Uno de ellos es lector empedernido de La Odisea.
La historia de Ezra y Coré, él con síndrome de down, protagoniza “El salto del ángel”. Casi todos sus comienzos son in media res y unas veces el narrador es en primera persona y otras es narrador omnisciente. Lo curioso es el nombre que coloca a algunos personajes (Blake, Cavafis, Hölderlin...), como homenaje a todos ellos. De hecho Ezra no es otro que Ezra Pound. Es una historia simbólica y afectiva, un homenaje a sus lecturas y una gran metáfora, pero también un recorrido por la adolescencia y los sentimientos: “Nunca supe si mi padre se lo expuso al tío Rainer María. Pero lo cierto es que dejér de salir con Ezra y aquella ruptura resultó beneficiosa para mi primo”. Granada, la patria del escritor, aparece en esta historia con los lugares de su infancia: La Neptuno, el club de tenis, El Apolo, La Miami... Una historia de homenajes en la que el narrador confiesa que la vida le ha proporcionado “sorprendentes alegrías, recompensas y algún que otro quebradero de cabeza”.
“World woman love” refiere la historia de Sebastián Juve y su otro yo, Leopoldo Scarpa, por ganar el concurso televisivo Memoria y Gana. En ese trasiego realiza Busutil una crítica fehaciente hacia un tipo de sociedad que sólo valora la juventud y en absoluto la experiencia que es vista como un lastre. El encuentro con la joven Nguyen, a la que conoce gracias a la web World Woman Love, junto con el éxito televisivo en el concurso de marras permiten al protagonista conquistar otra vida.
La historia de Enrique Gable es la protagonista de “Coraline”. Tras obtener la baja por depresión inicia un viaje por Holanda con su mujer, Greta, y las niñas. En un momento del relato se quejará de que la vida le ha demostrado “que el talento, el coraje y el esfuerzo, no garantizan que las personas salgan adelante. Está harta de ver como triunfan muchos hijos de puta y quienes sólo saben hacer la pelota o poner zancadillas”. Una imagen agria que contrasta con la del viaje. En cierto modo, como todas estas historias, un viaje hacia el fondo de sí mismo, de sus demonios personales y del mundo en torno.
Por último en “Pandora”, de título mítico tan alusivo, vuelve circularmente al principio con un relato erótico –sólo al comienzo- en el que el protagonista es Malo de Molina (el mismo apellido del profesor de la Universidad granadina). En un lenguaje fiero y descarnado nos habla de la verga antes de embestir o el coño de Montenegro: “Sabía que lo único real, para Malo de Molina, era una buena puta de manos expertas, cálidos muslos y un silencio confortable”. La historia con la joven eslava con la que se había “arrejuntado”, su muerte y la niña que nació -a la que pondría el nombre de Pandora (el mismo lugar adonde llegó)-, Consuelo Vives, Larousse..., van conformando un relato intenso.
Una obra plural que enmarca a un narrador en plena madurez creadora y en el que ha dejado progresivamente los arropes descriptivos, el regusto por un lenguaje ornamentado para adentrarse en la fiereza de las historias y un sabor agridulce ante la existencia que es organizada por el tamiz de la memoria y el encuentro con una sociedad dispar a la que se critica con frecuencia.
Juan Carlos Palma[4] decía que “son pequeñas y emotivas odas a la ilusión y a la felicidad, que se esfuman por arte de magia con la misma rapidez que vinieron (...) Un regusto azucarado, sin llegar a lo meloso, que deja en el lector un agradable sabor de boca. No sería justo hablar de perdedores, si acaso de personajes que arrastran cierta frustración”. Son muchos los temas presentes en estas historias: el sexo, el amor, el arte, la identidad, la incomunicación, la debilidad humana... Decía Justo Navarro en la presentación de esta obra que “trata la vida corriente, diaria y casi burocráticamente normal, como si fuera algo absolutamente fantástico, y, en un mismo movimiento sumergirse en lo fantástico como si fuera lo más normal del mundo”. Y José María de Loma[5] hablaba de que a través de este compendio de historias se pone de manifiesto “la exaltación y el revuelo de los sentidos, la carnalidad, el gusto salobre que adquiere la vida”.

[1] Busutil, G. (1999): Individuos S.A.. Málaga, Arguval.
[2] Moga, E: “Individuos S.A. de Guillermo Busutil”, [en línea], Dirección URL: . (Consultado el 3 de abril de 2002)
[3] Garrido Moraga, A. (2003): “La tienda mágica” en Cuadernos del Sur, nº 784, p. 12.
[4] Palma, J.C.: Summertime blues, en Mercurio, septiembre 2005, p. 23.
[5] Loma, J. Mª: “La boca del verano”, en La Opinión, 23 de julio de 2005, p. 45.

FINALISTAS XVII PREMIO ANDALUCÍA DE LA CRÍTICA 2011

2011-02-08T07:45:00.000-08:00

http://www.aaec.es/

Tras la votación llevada a cabo por más de un centenar de miembros de la Asociación Andaluza de Escritores y Críticos Literarios durante el mes de enero han sido elegidos como finalistas los escritores y escritoras relacionados.
El Jurado del Premio Andalucía de la Crítica formado por veinte miembros entre profesores de Universidad, escritoras y escritores, críticos literarios y periodistas se reunirá los próximos días 25 y 26 de marzo en la ciudad de Málaga para proceder a elegir entre estos finalistas a los ganadores o ganadoras de los premios de narrativa y poesía de este año.

Los premios cuentan con el patrocinio y la colaboración del Instituto Andaluz de las Artes y las Letras (Consejería de Cultura-Junta de Andalucía), la Fundación Unicaja y el Ayuntamiento de Algeciras a través de la Fundación Municipal de Cultura José Luis Cano.
A los ganadores/as se les entregarán sendas estatuillas creadas por el escultor de fama internacional Andrés Alcántara (http://www.andresalcantara.com/) y reproducidas por la Escuela del Mármol de Andalucía ( http://www.marmol.net/)

Los premios se entregarán en la Fundación José Luis Cano de Algeciras (Cádiz) el próximo viernes 13 de mayo a las 12 h. Al mismo tiempo se llevará a cabo un homenaje a José Luis Cano en su centenario.

Narrativa

Rey Lobo de Juan Eslava Galán
La conjura de los poetas de Felipe Alcaraz
El zulo de los elegidos de Manuel Villar Raso
Las manzanas de Erasmo de José Antonio Ramírez Lozano
Lausana de Antonio Soler
Los líquenes del sueño de Ángel Olgoso

Poesía

Hablando con un haya de Julia Uceda
Otros exilios de Francisco Ruiz Noguera
Cartas de enero (en Heredad) de Juana Castro
Cuando los pájaros de Rosa Romojaro
Las grandes superficies de Juan José Téllez
Los dones reservados de Mariano Roldán
Alacena de Pura López Cortés
El libro de los árboles de Alicia Aza

ALGUNAS PÁGINAS WEB DONDE SE DA LA NOTICIA DEL XVII PREMIO ANDALUCÍA DE LA CRÍTICA

http://noticias.terra.es/2011/local/0207/actualidad/felipe-alcaraz-y-juan-eslava-galan-entre-los-nominados-al-xvii-premio-andalucia-de-la-critica-2011.aspx
http://www.20minutos.es/noticia/952207/0/
http://www.diariocordoba.com/noticias/noticia.asp?pkid=615072
http://www.europasur.es/article/ocio/898978/tellez/y/romojaro/finalistas/poesia/premio/andalucia/la/critica.html
http://www.europapress.es/andalucia/sevilla-00357/noticia-felipe-alcaraz-juan-eslava-galan-nominados-xvii-premio-andalucia-critica-2011-20110207182752.html
http://www.abcdesevilla.es/20110208/ciencia/sevp-eslava-galan-entre-candidatos-20110208.html
http://diariolatorre.es/index.php?id=39&tx_ttnews[tt_news]=17335&tx_ttnews[backPid]=12&cHash=d1c10e1acb
http://www.tropoeditores.com/actualidad.asp?idn=179
http://www.diariodejerez.es/article/ocio/899951/juan/eslava/galan/opta/xviii/premio/andalucia/la/critica.html
http://www.deconcursos.com/web/noticia.php?id=20702&p=1
http://es.noticias.yahoo.com/5/20110207/tlc-felipe-alcaraz-y-juan-eslava-galn-en-d712def.html
http://www.lavozdigital.es/cadiz/v/20110207/sociedad/juan-jose-tellez-finalista-20110207.html
http://pcasevilla.wordpress.com/2011/02/08/felipe-alcaraz-finalista-del-premio-andalucia-de-la-critica/
http://www.cunoticias.com/noticiasde/juan-eslava-galan.php
http://www.lavozdealmeria.es/vernoticia.asp?IdNoticia=7138&IdSeccion=5
http://moraleslomas.blogspot.com/
http://aceandalucia.org/
http://www.hoymujer.com/noticias/ANDLITERATURAPREMIO-Eslava-Galan-Soler-613054022011.html
http://www.diariojaen.es/index.php/menucultura/71-notculturales/31962-juan-eslava-galan-aspira-al-premio-de-la-critica-andaluza
http://www.diariodesevilla.es/article/ocio/899300/eslava/galan/y/soler/finalistas/premio/andalucia/la/critica.html
http://www.noticias.com/felipe-alcaraz-y-juan-eslava-galan-entre-los-nominados-al-xvii-premio-andalucia-de-la-crit.921225
http://www.aaec.es/index.php?option=com_content&view=article&id=1&Itemid=1
http://www.aaec.es/index.php?option=com_content&view=article&id=154:convocatoria-del-xvii-premio-andalucia-de-la-critica-2011&catid=2:noticiasgenerales&Itemid=8
http://palotic.es/blogateneo/?p=870
http://www.eldiadecordoba.es/article/ocio/899706/mariano/roldan/y/juana/castro/optan/premio/andalucia/la/critica/poesia.html
http://www.europasur.es/article/ocio/899795/los/premios/andalucia/la/critica/se/entregaran/algeciras.html
http://ecodiario.eleconomista.es/espana/noticias/2806106/02/11/Felipe-Alcaraz-y-Juan-Eslava-Galan-entre-los-nominados-al-XVII-Premio-Andalucia-de-la-Critica-2011.html
http://www.que.es/sevilla/201102071827-felipe-alcaraz-juan-eslava-galan-epi.html
http://noticias.lainformacion.com/arte-cultura-y-espectaculos/entrega-de-premios/felipe-alcaraz-y-juan-eslava-galan-entre-los-nominados-al-xvii-premio-andalucia-de-la-critica-2011_fQPt5mxBZIFWy4ozEPJS63/
http://www.larepublica.es/spip.php?article23114
http://www.europasur.es/article/ocio/899795/los/premios/andalucia/la/critica/se/entregaran/algeciras.html
http://metodosdeaproximacionalaliteratura.blogspot.com/
http://www.centrodellibrodearagon.es/asp/noticias.asp?cod=2587&fecha=
http://www.darrax.es/typo/index.php?id=851&tx_ttnews[tt_news]=2752&tx_ttnews[backPid]=848&cHash=61e2a3be45
http://www.senderosiberos.es/Noticias/Febrero-11/08-02-11-Mariano-roldan-juana-castro-optan-premio-andalucia-critica-en-poesia.html
http://moraleslomas.blogspot.com/2011/01/convocatoria-del-premio-andalucia-de-la.html
http://noticias24h.eu/portadaespana/generalespana/item/pagus_741125.html
http://www.paginanoticias.es/noticias/Espana/20110207/4709208/Felipe-Alcaraz-Juan-Eslava-Gal%C3%A1n-entre-los.htm
http://www.europapress.es/andalucia/cultura-00621/noticia-felipe-alcaraz-juan-eslava-galan-nominados-xvii-premio-andalucia-critica-2011-20110207182805.html
http://www.gentedigital.es/sevilla/noticia/483366/felipe-alcaraz-y-juan-eslava-galan-entre-los-nominados-al-xvii-premio-andalucia-de-la-critica-2011/
http://www.pce.es/federaciones/pl.php?id=4428
http://www.pactoandaluzporellibro.com/portal3/index.php?option=com_content&view=article&id=440:convocado-el-xvii-premio-landaluciar-de-la-critica-2011&catid=51&Itemid=19
http://www.papel-literario.com/
http://www.deconcursos.com/web/hemeroteca2.php?cate=4&id=20702
http://www.darrax.es/typo1/index.php?id=1038&tx_ttnews[tt_news]=4486&tx_ttnews[backPid]=1101&cHash=2abc5f69ae
http://www.darrax.es/typo1/index.php?id=1038&tx_ttnews[tt_news]=4428&tx_ttnews[backPid]=1101&cHash=6d8662ecb9
http://tomares.portaldetuciudad.com/es-es/noticias/felipe-alcaraz-y-juan-eslava-galan-entre-los-nominados-al-xvii-premio-andalucia-de-la-critica-2011-tomares-006_2_4_180611_111.html

CUANDO LOS PÁJAROS DE ROSA ROMOJARO POR MORALES LOMAS

2011-01-28T03:27:00.000-08:00

Cuando los pájaros obtuvo el XIV Premio Internacional Antonio Machado en Baeza en 2010. Su autora, profesora de Teoría de la Literatura de la Universidad de Málaga es una de las poetas más interesantes del panorama actual con una obra sólida en el campo de la investigación literaria y en la creación lírica.
Cuando los pájaros aborda la simbología antitética de la creación, de la existencia en el marco de su ocaso y de su trascendencia vital con una gran contención lingüística que elimina lo innecesario y se concentra en las significaciones con la intención de que la emoción de la libertad y sus correlatos encuentre su espacio y su tiempo. Se trata de un libro muy machadiano por el alcance de la palabra (“poesía, palabra en el tiempo”) en cuanto horma que encierra un tiempo y en cuanto la trasformación del paisaje, la naturaleza en el poeta y su mundo. Así, aparecen las temáticas del otoño, del tren, del naufragio interior, del camino (el camino de vida) con raíz machadiana, o la tarde como símbolo de un agotamiento vital o como espacio para la melancolía vital, un sugestivo que nos anuncia a aquel Machado de Soledades, galerías y otros poemas.
Pero observamos en esa perspectiva también una voluntad diferenciadora por parte de Rosa Romojaro. Por ejemplo, en un momento determinado dice: “Mientras tanto la vida se dirige a su término.// Pero tampoco es río./ Es/ una hoja en el río, y, quizás,/ su huella en una playa./ Un inservible resto de naufragio./ Poco al final. Detritus/ Abono en un sembrado”. La dualidad vida/río que llega a Machado desde Jorge Manrique y los cancioneros medievales no es la esencia que mueve a la poeta algecireña, sino su consecuencia última, su sentido de resto de naufragio, acaso trofeo, botín o detritus pero con sentido. No es inútil la existencia, parece decirnos la escritora, en su esencia hay algo que queda y alimenta. Es cierto que hay un recorrido vital, en ese tren simbólico, acaso en ese tren con alcuza de Dámaso Alonso, un tren que no tiene fin pues siempre vuelve como en la teoría del eterno retorno niezschteana a su origen porque transporta una luz.
Rosa Romojaro apuesta por organizar una teoría de la existencia que alcanza en el título del libro su paradigma: una imagen, la de los pájaros (cuya remanencia fílmica se evidencia) que constituye una amplificatio hacia fuera y hacia adentro: los mirlos, las tórtolas, los búhos, los vencejos… qué buscan, qué anhelan. Ser escritura, es decir, alcanzar una identidad desde el misterio de ser llamados a nuestro encuentro.

Felipe Foj Candel, Rosa Romojaro y Morales Lomas (2006)

El ir y el partir, el quedar siempre, el dejar memoria en el escrito o en la identidad de lo que fuimos es una preocupación vital que nos agrede cuando percibimos el no existir: “Se trata de la vida. La que luego no existe./ Ese tiempo que sólo para uno significa./ Y que también es uno, único en su pasar,/ más único que el río que le sirve de apoyo”. Este lenguaje del ser en su entrega mundana y el ruido de las olas de la vida en nosotros, nuestra naturaleza de pájaros, de vuelo, de seres que reclaman su hoy, su mañana, su escritura… Seres arrebatados por la soledad, por esa mitología de refugio y cueva, por esa caída, siempre en la tarde, y una mujer como otoño: “Una mujer/ sentada ante la orilla en el otoño/ de la playa desierta”. Con todo el dolor del mundo, con toda la bondad de la naturaleza en torno, sosteniendo los instantes… Un tiempo como un reclamo para seguir viviendo con el “corazón abierto/ en esta hora que balbucea líquida”.
La contemplación de sí puede llevarse a cabo a través de la perspectiva de esa ventana que se abre al paisaje lejano mientras nos llega la quietud del mundo, en ese juego del ojo que lo ve pero es visto, en esa quietud suspendida y en determinados momentos alimentada por la pena y el desgarro. Nunca la huida. La poeta se enfrenta al mundo, sabe de su derrota, pero también de que está determinada por algo ajeno, la batalla se puede ganar pero casi siempre se pierde y acabamos encontrándonos en una aventura de vuelo (y no de esperanzas falto), “solo en el espacio,/ en lo infinito./ Silencio de motores:/ la eternidad o Nápoles”. Un vuelo de reconocimiento en esa altitud que posee la libertad. La poeta se halla en el mundo y es sólo de él, y llegan estaciones, y trenes, y primaveras, y otoños. Y hay una cruenta batalla y sabe de su derrota pero su triunfo fue siempre su deseo, la voluntad de ser, en soledad o en su quietud de mundo herido. Podemos hallar el amor, encontrar la cercanía de la luz, el calor del paisaje… pero en última instancia será la palabra y su triunfo lo que nos alcance: “La palabra, la única certeza”. Nuestra palabra nos redime, alcanza su plenitud y el sentido último de lo que fuimos.

Rosa Romojaro, Cuando los pájaros, Hiperión, Madrid, 2010, 62 págs.

UDAIPUR DE FERNANDO DE VILLENA POR MORALES LOMAS

2011-01-10T04:10:00.000-08:00

La narrativa del escritor granadino Fernando de Villena, XV Premio Andalucía de la Crítica por su novela El testigo de los tiempos, va creciendo cada año con nuevas entregas que nos muestran a un escritor incansable que desde la Transición ha hecho de la literatura su vida. Su última entrega es Udaipur, novela publicada en Barcelona, en la bella colección de narrativa de Ediciones Carena que dirige José Membrive.
En los últimos años son las aventuras el escenario propicio para el desarrollo de la pasión novelesca en un ámbito cercano en ocasiones a la novela bizantina de la que toma atajos o con la que presenta similitudes, por ejemplo, en el casamiento, en el cúmulo de escenarios y dificultades de diversa laya que deben sobrepasar los protagonistas…
Udaipur desarrolla una historia que va desde Venecia hasta este mágico lugar de la India, Udaipur, un paraíso en el estado federal hindú de Rajastán, al pie de los montes Aravelli, conocida también como la ciudad de los lagos. A través de la voz narrativa en primera y tercera personas nos llega ese perspectivismo más intimista o más objetivo con intención de introducir una historia atractiva para el lector y muy ágil en su desarrollo de la intriga hasta el punto de que hay una voluntad estética en el escritor para permitir la continuidad en la lectura.
En ese espacio que toma el viaje como centro de la acción novelesca, como sucedía en El testigo de los tiempos, se ensamblan dos elementos diversos: el viaje como ámbito descriptivo y emotivo y la acción novelesca con una trama en la que está asegurado el suspense y los riachuelos secundarios que hacen crecer la historia. Con vivacidad narrativa y sutileza, Fernando de Villena nos va cautivando con esa especial percepción del paisaje que va mostrándonos y con la singladura de los personajes y sus historias amatorias: Isabela, la protagonista, y su amado el señor de Clery.
La historia comienza en Venecia, cuando Isabela nos cuenta su vida, la muerte de su padre, su madre, su tío Ludivico Bonesana, la anciana Marcia, su tía Clara… y el descubrimiento del manuscrito de Franco Alberoni, un antepasado suyo, sobre Udaipur. Ello le animará a iniciar el viaje que se va a ver alterado por las intrigas de su primo Genaro Bonesana para hacerse con la herencia que cree le pertenece y la contratación de un asesino a sueldo, Lucio Cobos, que se dirigirá hacia la ciudad hindú para solventar con su muerte la intriga hereditaria. En ese viaje, Isabela encuentra a un misterioso Olivier de la Motte del que sabremos más al seguir su lectura y nos adentrará en el misterio. Pronto sabremos lo que maquinan el abate Ponciano y Bonesana mientras sigue su aventura por Goa, paralela a la que seguirá Olivier de la Motte y el sicario Lucio Cobos…
La novela está organizada en diecisiete capítulos breves que poseen una linealidad a veces alterada con las situaciones dicotómicas de la historia de Clery e Isabela que al final acaban uniéndose.
Se trata de una obra de acción, misteriosa y dotada de una documentación histórica pero sobre todo de una voluntad manifiesta de crear una obra literaria que entretenga al público y pueda sentirse recompensado por la intriga criminal con la que se entrelaza y con la encrucijada amorosa, lo que permite hablar de integración de géneros novelescos pues tanto aparece la novela sentimental, la histórica, la de aventuras como la de corte detectivesco. Todo ello unido a la pasión que observamos por el viaje y el atractivo de Oriente.
El lector realiza esa travesía con la sutileza y el encanto de la intriga y el buen hacer de uno de los narradores actuales más atractivos.

CONVOCATORIA DEL PREMIO ANDALUCÍA DE LA CRÍTICA 2011

2011-01-06T03:57:00.000-08:00

La Asociación Andaluza de Escritores y Críticos Literarios «Escritores y Críticos del Sur» convoca el XVII Premio «Andalucía» de la Crítica 2011, con la colaboración de la JUNTA DE ANDALUCÍA, CONSEJERÍA DE CULTURA, y el Instituto Andaluz de las Artes y las Letras, la entidad UNICAJA y el AYUNTAMIENTO DE ALGECIRAS a través de la Fundación Municipal de Cultura José Luis Cano, destinado a reconocer los mejores libros de escritoras y escritores andaluces publicados a lo largo de 2010, en las modalidades de Poesía y Narrativa.
Los miembros de la AAEC —compuesta por un centenar de especialistas en literatura, críticos, periodistas, profesores, asesores culturales y autores— propondrán en las fechas previas al fallo una lista con los títulos que a su juicio consideren de más calidad. Tras el escrutinio de las obras, éstas pasarán a la final para ser examinadas por un jurado que decidirá los títulos merecedores de los galardones.
Si algún autor/a o editorial considera conveniente enviar libros de escritoras o escritores andaluces editados en 2010, podrán hacerlo a C/ Historiador Dozy 17, 14005 Córdoba, antes del día 10 de enero de 2011, remitiendo 10 ejemplares de cada título (que no serán devueltos por la Asociación).
También podrá concederse el galardón especial a la mejor «Opera prima» si el jurado lo estima conveniente.
El jurado, que estará compuesto por 20 críticos —miembros de la AAEC y representantes de los medios de comunicación—, emitirá su fallo inapelable antes de finales de marzo de 2011 en la ciudad de Málaga.
Este premio no tiene dotación económica y los galardones, a título de reconocimiento, consistirán en sendas estatuillas conmemorativas del acto, que serán entregadas a los autores/as premiados/as durante la primera quincena del mes de mayo de 2011 en la ciudad de Algeciras (Cádiz).
Los galardonados/as no podrán optar al premio durante los cinco años siguientes a la fecha en que se les concedió por última vez, asimismo no podrán ser seleccionados los miembros de la directiva de la Asociación ni los componentes del jurado en las dos últimas convocatorias.

EL RARISMO Y MALDITISMO LITERARIO DE CARLOS EDMUNDO DE ORY POR MORALES LOMAS

2010-12-24T10:42:00.000-08:00

Carlos Edmundo de Ory

Con motivo de la muerte de Carlos Edmundo de Ory y como homenaje al gran escritor he querido hacer una reflexión sobre su obra.

En España no se permiten los raros. O haces lo que todo el mundo hace o no entras en el juego escénico. Su ausencia lejos de España también creó sobre él una fantasmagoría dramática y un escenario poco propicio para la consideración social en una época en que todo lo raro sonaba a invertido o loco, muy lejos del espíritu del Movimiento Nacional, del Frente de Juventudes y del brío militarista y autoritario que invadía la sociedad española. De hecho, según Arias Salgado, director general de Información y Turismo, se habían recibido “cartas de obispos y de padres de familia escandalizados”, que tildaban a los filopostistas de homosexuales, comunistas y extravagantes. Cuando no rusófilos y frentepopulacheros, o que estaban pidiendo a gritos que “los lleven a la cárcel, al manicomio o al patíbulo”. Incluso Eugenio d´Ors llegó a decir que el Postismo fue un movimiento artístico que tuvo fama en Cádiz.
Carlos era un espíritu libre y sólo fuera de España podía ejercer ese oficio tan raro y tan digno de la libertad en unos tiempos de dictadura.
Nacido bajo el signo Tauro en una época en que Primo de Rivera desciende a los infiernos de la dictadura militar, Ory conoce después los altercados sangrientos de una República a la que no la dejaron crecer ni llegar a una mínima infancia. Luego llegaron las cruces gamadas pisando el suelo europeo y todo el mundo se fue al garete. Carlos tenía veinte años en plena guerra mundial. Bastantes para tomar consciencia de la insuficiencia del realismo. Y quiso tomar otras vías, pensar que había vida en otros planetas literarios, seguir la estela que habían inaugurado con acierto las vanguardias a comienzos de siglo y ser él mismo en sí una vanguardia: el Postismo.
Toda una rareza, tras el valor de apisonadora que va a ejercer el realismo allá por los cincuenta, asociado a la crítica social y a la lucha contra la dictadura cuando no, en el ámbito europeo, el triunfo del existencialismo sartreano y camusiano… Todo llegará. Su espíritu libre, ajeno a escuelas y corrientes dominantes, no obstante, iba por otros derroteros. Siempre minoritarios, siempre exclusivos. Ory entendía, mucho antes que en mayo del 68, que la única manera de luchar era con la imaginación y las nuevas propuestas literarias. Permanecer ajeno a los dogmas y dictámenes sociales y convertirse en un ISMO. Hubo dos grandes espíritus foráneos a esa imposición del realismo de época: uno fue el Grupo Cántico, que desde Córdoba escribió una extraordinaria historia literaria. Sólo desde hace unos años renace de sus propias cenizas y por fin ha tenido la consideración y trascendencia histórica que en su momento nadie reconoció. Tuvo que pasar medio siglo para que fuera reivindicado. Y curiosamente un elemento de unión entre ambos, entre el Postismo y el Grupo Cántico, llegó de la mano del pintor Ginés Liébana, que fue muy amigo de Ory, con quien tendrá una importante correspondencia entre 1967 y 1969. Y así, en una carta de 28 de agosto de 1967 le comenta a Ginés Liébana sobre su novela Diario de un loco: “¡Soy feliz! Soy mi espectáculo perpetuo. Me ocurren cosas dignas de observación, mis angustias son el columpio de los más bellos demonios. Estoy escribiendo de nuevo mi novela del adolescente negro. He encontrado un plasma de estilo tenso y vibrante como la música del mal y el vientre puro de una virgen”.
El gran movimiento irresoluto y ajeno a garcilasismos, vírgenes trasnochadas y cantos de primavera con caras al sol, fue el Postismo y Carlos Edmundo de Ory, un descreído, un innovador. Un movimiento que quiso ser el movimiento literario por antonomasia. El movimiento de movimientos. Así lo pretendió en el Manifiesto aparecido en La Estafeta Literaria en 1946. Firmado por Ory, Chicharro Hijo y el florentino Sernesi. A la revista Postismo seguirá La Cerbatana, que durará un número. A este movimiento estético se unirían luego otros escritores como Francisco Nieva, Ángel Crespo o Fernando Arrabal. Pero no lo dejaron crecer tampoco. Y es que por entonces la libertad creadora no estaba de moda, sólo los métodos literarios y los dirigismos. No se admitían ni nuevos estados de ánimo, modos de ser o aspectos nuevos de la naturaleza y el arte, como dijo Carriedo, ni lúdicos juegos escénicos, ni un lenguaje de greguería renovado, ni un humor surrealista, ni la bondad con la imaginación y el despropósito literario. Pero sobre todo no se permitía algo que aportó de un modo esencial el Postismo: la investigación del lenguaje y los mecanismos que éste posee para alcanzar la máxima expresividad, uno de los instrumentos esenciales del hecho literario. Los postistas no eran escritores reductibles y pagaron por ello con el olvido.
Mientras en otros momentos se han reivindicado escritores realistas puros, sin embargo, los impuros, los raros, los malditos han seguido su manifiesta noche. Llegaron a llamarlos los brujos de la palabra. Renacían de sus propias cenizas. Eran ángeles caídos que apostaban por la resolución de la cuadratura del lenguaje a través de la imaginación. Ory lo definió como “la locura inventada”, y no estaba el horno para bollos.

Ory abandona los estudios en la Escuela Náutica a comienzo de la guerra civil y en 1940 escribe sus primeros poemas, Sombras y pájaros (1940) y Canciones amargas (1942). En 1945 publica una selección de poemas, Versos de pronto y Las patitas de la sombra con Eduardo Chicharro. Su padre, el modernista Eduardo de Ory, “el único poeta que había en el mundo”, según confesó Carlos, amigo de Juan Ramón Jiménez y de Rubén Darío, es su guía espiritual. En París su padre había publicado en la prestigiosa editorial Garnier Mariposas de oro y Alma de luz, convirtiéndose en un activo publicista del modernismo y autor de catorce libros de poesía, ocho de prosa y seis antologías. Carlos seguirá los pasos de su padre y después de la guerra decidirá que su ámbito es definitivamente la literatura y no la Escuela Náutica. De Carlos escribió en su momento su padre: “¡Pobrecito mío,/ siempre tan callado,/ tan meditabundo,/ tan triste y pálido.// (…) Tú serás poeta,/ poeta preclaro,/ ¡serás… mi obra magna/ y mi mejor lauro!”. Y así fue.
El niño que llegó de Cádiz a Madrid con sus fantasmagorías y su poesía paternal fue progresivamente entrando en el lenguaje y creando un mundo propio, distinto y diferente al resto. Pero, sobre todo, con una tradición que venía tras de sí, una tradición de gran trascendencia histórica: el modernismo, creador por antonomasia de dos conceptos: la música y el lenguaje. Algo que desde luego no fue ajeno al genio de Ory. Chicharro diría de él que le enseñó a detestar a Lorca (aunque escribirá el ensayo Lorca en 1967, en París, publicado por Éditions Universitaires) y a todo lo que España apesta a gitanería, a retórica, a podredumbre, a casa de putas y a españolismo que llegaba desde Maeztu, Zunzunegui y D´Ors, y lo introdujo en el dadaísmo, el futurismo y el surrealismo. Todo ello en el 44. De algún modo Ory junto a Chicharro, etc. Representa ese espíritu español que viene desde Ramón Gómez de la Serna y se adentra en la España de los cincuenta y sesenta con autores como Cirlot y Miguel Labordeta. Pero había, hay una gran diferencia con Cirlot, mientras éste siguió el camino de la abstracción, Ory siguió el de la vida.
Su poesía, en consecuencia, nace de la emoción libre y de la musicalidad, uno de los grandes primeros requisitos de cualquier poeta. La técnica surgirá de esa necesidad de expresar la música. Su amigo Eduardo Chicharro dirá de él: “Jamás vi a un hombre tan endiabladamente capacitado para jugar con las más insospechadas y valiosas gamas musicales en lo que el idioma castellano se puede apetecer”. Y cuando descubrió una noche en el café Pombo su figura despistada y fuera de lugar dijo: “Éste es un poeta”. Era un poeta que se asombraba ante la realidad y pretendía forjarla en su mente y en sus versos como lenguaje y como vida, en un ceremonial en el que no están ausentes la risa o el dolor pero siempre llevado por un irresistible deseo de crear y en permanente conflicto con el juego de antitéticos y con la asimilación en el poema de lo antagónico. Su visión sobre esa radicalidad poética la expresaba en su Diario (1944-1956) cuando decía: “Yo parto del romanticismo germano y universal. De la idea teórica y activa del espíritu libre. Del ansia del infinito y de la eterna Sehnsucht (deseo). Del amor eterno y de la eterna inestabilidad amorosa de la vida terrena. Leopardi; Novalis también. Mi poesía parte del hombre humano. De la nostalgia y de la angustia, y aspira a ser escuchada por Dios. Yo soy todo anhelo, inteligencia amorosa. Toda la ternura de Baudelaire, toda su sensualidad”.
Su concepción de la realidad a partir de entonces cuestiona el modelo que se había creado en torno a ella: la realidad era lo que él quería que fuera y, en última instancia, una estrategia permanente de cuestionamiento de ésta. La libertad y el ejercicio de ésta sobre el lenguaje conforman su verdadera creación que nace siempre de la música. En su “Soneto paranoico” manifiesta una visión de esa realidad: “Solo en el mundo con mi media oreja/ y una cortada flor en el semblante/ bajo a la mina honda del diamante/ que no tiene raíz ni tiene reja.// Mas como soy del odio tenue abeja/ manada de algún duende nigromante/ peinaré de mi espalda el monte amante/ y con heces de concha de almeja”. Y en una carta que le escribía al poeta García Nieto en los cuarenta, ante la afirmación del poeta ovetense de que era un genio, le respondía: “Somos sólo los dos los poetas que hay en el mundo”.

Su poesía comienza una nueva etapa en 1951, con la publicación del Manifiesto Introrrealista, con el pintor dominicano Darío Suro, en el que reivindica un arte entendido como manifestación de la realidad interna del hombre a partir de misteriosos estados de conciencia. Es una postura más humanizada y hacia instancias existencialistas que se habían puesto de moda entonces en la posguerra europea. Es una poesía que se pretende cercana a una realidad exterior próxima. Pero que difiere del realismo en su componente individual e introspectivo. En tanto el realismo pretendía reflejar la realidad externa o exterior, el introrrealismo expresa una conciencia de las cosas, el poeta será el artífice de la fusión entre vida y poesía. De ahí que dijera que tendía a hundirse en lo vivo. Como recuerda en Nuestro tiempo: poesía (1951), se centra en la neurosis de lo oscuro y misterioso y en lo cotidiano ordinario, pero, cuidado, no interesa la evidencia, pues toda poesía es oscura en su propio plan. Su poesía introrrealista se va a caracterizar por ser la que “aúna íntimamente la transfiguración, el idealismo mágico y la concreción sensual de las cosas”. También de estos años cincuenta y en plena ebullición del intrareralismo son sus libros de relatos El Bosque (1954) y Kikiriquí-Mangó.
Vivió en el Gijón la farándula de la posguerra y se relacionó con los consagrados de la Juventud Creadora, de los que, no obstante, se decía que se reía. E incluso llegó a escribir en la tercera página del ABC. Desde entonces tendrá buena acogida en revistas como Platero, Garcilaso, Poesía Española, Cuadernos Hispanoamericanos, Caracola, Papeles de son Armadans, Índice o La Estafeta Literaria más esporádicamente.
En 1955 se instala en París, donde residirá hasta el 1967, fecha en la que se traslada a Amiens tras su divorcio y allí funda L´Atelier de la Poésie Ouverte que formará parte como una sección de la publicación que hace la Maison de la Culture donde trabajará desde entonces como bibliotecario. Tiene cuarenta y cuatro años. De 1962 son sus primeros Aérolithes, nueva expresión de su obra cada vez más cercana a la filosofía. Sin embargo, su primer libro sólo llegó a las librerías en 1963, gracias a José Luis Prado y Luis López Anglada. Después Luis Jiménez Martos le publicará en Adonais. En este año 1963 publica Los Sonetos y el ensayo Camus o el ateísmo in extremis. Y en 1964 el libro de relatos Una exhibición peligrosa.
En Barcelona y en 1970 aparece una edición antológica de su obra al cuidado del poeta Félix Grande, Poesía 1945-1969. Es el primer reconocimiento de su obra que comienza a tener ya un interés creciente. Más adelante, a lo largo de esta década y la de los ochenta, publicará su novela Diario de un loco (1973), que fue considerada un rito de iniciación intelectual y prosística. El poeta y crítico sueco Lasse Söderberg decía de él a raíz de la publicación de su narrativa que muchos críticos lo compararon con Kafka: “Como el autor checo describe un mundo simbólico y expresa sus sueños de la manera más sencilla así como sus más secretos deseos”. Sin embargo, su narrativa no ha sido motivo de estudio, aunque sí su poesía. En Toro-Mujer de Gregorio Prieto establecía cuáles eran sus criterios estéticos en el ámbito de la narrativa pospista y afirmaba que la ficción poética y la narración de personajes, acciones y mundos imaginarios es el arte más antiguo y reafirmaba que lo importante es que los personajes creados tengan vida y desarrollos propios, que hablen y demuestren sus estados espirituales y que mueran, al fin, si ese es su destino. Decía José Luis Calvo que las narraciones de Ory consisten en estirar hasta el absurdo una situación o una anécdota “no estigmatizada” por el tópico, es decir, rescatarla del anonimato de la vida cotidiana. Pero también desatacaba la atmósfera onírica presente en sus relatos que los emparentaban en su mundo con Kafka.
En poesía publicará Música de lobo (1970), Técnica y llanto (1971), Los poemas de 1944 (1973), Lee sin temor (1976), Metanoia (1978), Energeia (1978), La flauta prohibida (1979), Miserable ternura. Cabaña (1981), Soneto vivo (1988). Su poesía llegará a ser conocida por un ámbito de personas reducido, pero no llegará ni entonces ni ahora a ser un poeta popular.
Desde entonces no se han dejado de formular elogios sobre su obra literaria. No ya el temprano de García Nieto. No olvidemos tampoco el de Camilo José Cela alabándolo como el mejor poeta de España o del mundo sino este otro de Pere Gimferrer que lo calificó de poeta prodigioso y añadió: "Es uno de los grandes poetas españoles contemporáneos. Quizá por su residencia en el extranjero gran parte de su vida y porque, primero, se adelantó a su época y, luego, estuvo al margen de ciertas corrientes imperantes, nunca se le acabó de hacer justicia. Pero es un poeta absolutamente extraordinario por su prodigiosa inventiva de palabra e imagen y la mezcla de trascendencia metafísica y sentido del humor".
Entre sus últimas obras figuran Melos melancolía (1999) y Música de lobo. Antología poética (2003). Y uno de los más esclarecedores fue Diario (1944-2000), que ha ido publicando en varias entregas, de una singular línea aforística similar a los Aerolitos. En él deja constancia de las heridas del tiempo y los rigores del vivir.
Estamos en presencia, pues, de uno de los grandes escritores actuales que nos ha dejado y en el que se produjo, como decía Rafael de Cózar, a lo largo de su vida un proceso en el que adquirió la conciencia de que la clave de la vanguardia no estaba tanto en los poemas como en la revolución personal que la motivaba, no tanto en el discurso concreto como en las actitudes. Y por eso la experimentación del lenguaje llegó con la alquimia de los materiales de la vida.

MEDALLA DEL ATENEO DE MÁLAGA A RAFAEL BALLESTEROS

2010-12-15T14:05:00.000-08:00

Antonio Soler, Rafael Ballesteros y Morales Lomas (Entrega de la medalla de oro a Rafael Ballesteros, 14 diciembre 2010)

El pasado martes día 14 de diciembre fueron entregadas las medallas de oro del Ateneo de Málaga que prestigian la labor de toda una vida dedicada a una disciplina científica, humanística, humanitaria, artística... Una de ellas recayó en Rafael Ballesteros, uno de los escritores que ha realizado una de las obras más serias y rigurosas en la ciudad malagueña y merecedor como ningún otro de tan alta distinción. Este hecho sólo nos indica una vez más que una gran trayectoria como escritor que culmina un año importante para él pues en el mes de mayo el consejero de Cultura Paulino Plata le entrego XVI Premio Andalucía de la Crítica por su obra “La muerte tiene la cara azul”, premio que concede la AAEC.

La defensa de la persona y la obra la llevó a cabo el narrador malagueño Antonio Soler, que hizo un serio y riguroso análisis.

La medalla le fue entregada por el escritor y profesor Morales Lomas, vocal de literatura del Ateneo de Málaga.

Rafael Ballesteros es en la actualidad un escritor fundamental en el ámbito de la narrativa y la poesía española contemporáneas, además de haber sido durante muchos años un baluarte de las ideas que han hecho progresar a este país hacia ámbitos de libertad y solidaridad. Su obra literaria inmersa en la tradición clásica crea mundos propios y personales que pivotan en torno al concepto de creatividad, libertad y compromiso ético.
LIBROS DE POESÍA Y NARRATIVA
1966 "Desde dentro y desde fuera". Corn Press. Iowa City.
1966 "Esta mano que alargo". Separata de Diez jóvenes poetas, El Bardo. Barcelona.
1969 "Las contracifras". El Bardo. Barcelona.
1972 "Turpa". El toro de barro. Carboneras de Guadazaón. Cuenca.
1983 "De el mundo, la mar". Jarazmín. Málaga.
1983 "Jacinto.(Primera versión de la primera parte)". Godoy. Murcia.
1984 "La cava". Litoral. Málaga.
1984 "Séptimas de Ammán". El Guadalhorce. Málaga.
1986 "Numeraria". Puerta del Mar. Málaga.
1987 "De Crísides a Jacinto. (Epístola)". Cuadernos de David. El Guadalhorce. Málaga.
1987 “De morte. (De Crísides a Jacinto. Epístola)". Papeles de poesía. Málaga. 1987.
1988 "El pie". Edición Rafael Pérez Estrada. Málaga.
1989 "Antología mínima". Colección Tediría. Málaga.
1992 "Testamenta". Visor. Madrid.
1996 "De los poderosos". Llama de amor viva. Málaga.
1997 "Jacinto. (Primera versión de la II parte)". Colección Juan Ramón Jiménez. Huelva.
1998 "Jacinto. (Primera versión de ..la III.. parte)". Diputación Provincial. Granada.
1999 "Fernando de Rojas acostado sobre su propia mano". Rafael Inglada, ediciones. Málaga.
1999 "Selección". Universidad de Málaga.
1999 "Aula Literatura José Cadalso". San Roque. Cádiz.
2001 Libreto de “Amor pelirrojo”: Ópera electrónica para cuatro voces solistas, coro de voces blancas y trío de figurantes. Alandra producciones. Y en “El maquinista de la generación”. CC del 27. Nº 5-6 Diciembre 2002.
2002 "Jacinto (Primera versión de la IV y última parte)". Ediciones Alfar. Sevilla.
2002 "Fernando de Rojas acostado sobre su propia mano (II)". Rafael Inglada. Poesía circulante, 2ª época. Málaga.
2002 “Amor pelirrojo”. Ópera de R.B. “El maquinista de la generación”. CC del 27. Nº 5-6 Diciembre.
2003 "Los dominios de la emoción". Editorial Pre-Textos. Valencia.
2004 "La imparcialidad del viento". Novela. Editorial Veramar. Málaga.
2005 Amor de mar. Novela. Editorial Renacimiento. Sevilla.
2005 "Huerto místico".. Maneras de vivir. Centro del 27
2005. En “El Quijote, Instrucciones de uso”. (Edición y Prólogo de Juan Francisco Ferré), con el texto “Capítulo donde se da cuenta….” Editorial e.d.a. Málaga.
2006 "Cuentos americanos". Ateneo de Málaga. Málaga.
2006 "Los últimos días de Thomas de Quincey". Finalista del premio Andalucía de la crítica. DVD Ediciones. Barcelona.
2007 Poemas inéditos de "Nadando por el fuego". Fiesta de la canela. Antequera. Noviembre.
2008 Cuaderno de lectura "La obra en Marcha". CC. de la Generación del 27. Febrero.
2009 "La muerte tiene la cara azul". Conjunto de 5 novelas. RDeditores. Sevilla.

Reseña de La última lluvia de Morales Lomas por Luis Vea García

2010-12-12T10:33:00.000-08:00

Los interesados pueden leer el último comentario que se ha publicado sobre "La última lluvia" de Morales Lomas, Ediciones Carena, Barcelona, 2009 en el siguiente enlace

http://luisveagarcia.blogspot.com/2010/12/la-ultima-lluvia-de-francisco-morales.html#comment-form

Algunos poemas de este libro:

LA CONSISTENCIA DE LA NOCHE

Siempre hubo ese ocaso que nos unía
como una caricia que deja perfil
humano. Declinación con su sombra.
Un ocaso con muros de palabras
que se enredan a la consistencia
de la noche. Con bergantes y odaliscas.
Pequeñas traiciones de luminarias
y esa luna con su recuerdo de misterio
a palabras mojadas. Apenas oscuridad.

O acaso el viento con su tumulto.

Ahora que el vivir se nos hace lento
y nadie nos espera para entrar en la rada
con su vocación de siesta,
sacrifico mi empeño de claridades
y te recuerdo al borde de un vuelo,
como el primer día que nos revelamos.

FIN DE PRIMAVERA

Sólo era un hombre ante el ruido del mundo.
Mujer que acoge el brillo de los tiros.

Y luego el vacío que va creciendo
entre la arena como pasionaria.

El mundo estaba en calma y la casa
en silencio. Llegó la noche y Dios
no estaba para pulsar el laúd
de su música. Sólo el hombre en sombra.

Supimos ser perfectos con la muerte,
darle alas a la oscuridad y al aire.

Mujeres invisibles y hombres muertos.

Se despedía el mundo y su tumulto.
Sin la piedad que moldea el silbido
del odio. Y la tierra siendo piedra.

Sin cuerdas guitarras. Seres de manos
grandes para empuñar la suciedad
de los acordes y su desaliento.

El mundo estaba en calma y la casa
en silencio, pero el hombre movió
las estrellas y el jardín con palomas
fue el vacilante búho de la noche.

LAS GUERRAS DE ARTEMISA DE ANDRÉS SOREL POR MORALES LOMAS

2010-12-01T12:27:00.000-08:00

EL JUEVES DÍA 2 DE DICIEMBRE PRESENTÉ EN LA LIBRERÍA LUCES DE MÁLAGA A LAS 20.00 H. ACOMPAÑADO DEL PROPIO AUTOR Y DEL EDITOR EDUARDO MORENO.

Eduardo Moreno, Andrés Sorel y Morales Lomas (Málaga, Librería Luces, 2/12/2010)

Estamos en presencia de una obra de rasgos épicos y monumentales. Así sucede con las novelas en las que las causas de los pueblos engendran la guerra y los personajes alcanzan una altitud de miras o impudicia histórica.
Desde los prolegómenos Andrés Sorel quiere dejar muy claro al lector quiénes son los protagonistas de la obra y sobre qué andamiaje sostiene el hecho creador. Ya en el mismo Prefacio existe una advertencia sobre los protagonistas de esta novela que no son otros que el pueblo cubano, el escritor y militar Manuel Ciges Aparicio y las tropas españolas en Cuba comandadas por el general Valeriano Weyler, en un marco temporal, básicamente el ocaso del siglo XIX, que en el último capítulo posee ramificaciones finales en torno a julio de 1936 que tienen un profundo valor alegórico y el remate del ciclo novelesco.
Tradicionalmente se ha entendido el ocaso perentorio de España a partir del momento en que se pierde la guerra de Cuba desde un ciclo inicial que comienza en el siglo XVII. La generación del 98, a la que pertenece Ciges Aparicio, se encargó de levantar esta bandera de la decadencia española. Lo que no se ha explicado suficientemente o, al menos, hay referencias vacuas en la población, es la enorme crueldad e infamia con la que los españoles actuaron en Cuba. Sobre todo los españoles acomodados y los criollos fieles a la corona españolizados sobre cuyas espaldas caerá la responsabilidad histórica por su carácter racista y explotador, fundamentalmente si tenemos en cuenta que Cuba fue la última en abolir la esclavitud y siendo los negros cubanos descendientes de los esclavos son odiados por estos y sienten su absoluto desprecio por los caudillos rebeldes.
Andrés Sorel, a través de Las guerras de Artemisa (El Olivo Azul, Córdoba, 2010, 287 págs.) hurga en esta herida y consigue indagar en el territorio de la promiscuidad despótica y la absurda crueldad. Artemisa es el símbolo, un lugar en el que identificar un territorio concreto, la capital militar de Pinar del Río que estaba bajo el poder de un allegado de Weyler, el general Arolas, y que, por extensión, debe ser identificado con toda Cuba. Pero hay algo que va más allá de la anécdota, o lo que diría la semiología, el argumentario de los acontecimientos concretos en torno a Cuba, y es el hecho de que con la alegoría de Artemisa no se concluye un período sino que, en cierto modo, se inicia y finalmente culmina en el golpe militar de Franco y, al amparo de esa crueldad histórica, los españoles nos adelantamos a la creación de los campos nazis cuarenta años antes que los alemanes con el protagonismo absoluto de un militar español, Valeriano Weyler.
La novela posee una voluntad de estructura coral en la que varias voces participan del proceso narrativo. De hecho cada capítulo tiene un protagonista que enarbola el transcurso de la narración en primera persona aunque éste se halla trufado de permanentes intromisiones de la tercera persona omnisciente. En unos casos el propio Weyler, Ciges Aparicio, Tula, Juan Vives… De manera que el relato pretende introducir en esta línea argumental un abigarrado espectro sonoro e imaginario, si bien, en el fondo (acaso hilo ideológico o tesis del escritor) se mantiene la voz crítica ante el simulacro ominoso que el lector va a contemplar.
Esta armazón estructural se sistematiza en nueve capítulos que llevan los siguientes títulos: 1. El anciano; 2. 1986. El general Weyler; 3. 1986. El sargento Manuel Ciges Aparicio; 4. 1896. El capitán Martínez Calonge; 5. Tula, de Artemisa; 6. Reconcentración y exterminio; 7. La ceguera; 8. Últimos días de Artemisa; y 9: 1936. Los hijos de Weyler. Si el primer capítulo aparece el general Weyler con noventa años, en la absoluta decrepitud, hablando con fantasmas, de los capítulos segundo al octavo mana el protagonismo de Cuba y los «héroes» del relato, para llegar al último capítulo que representa un salto temporal espectacular, pues en el precedente la acción transcurre en el año 1897 y ahora nos hallamos en 1936. Cada capítulo se concentra en esencia en un personaje y su mundo o en un lugar o una situación, pero todos los personajes van entreverándolo con su densidad, con sus ideas y con su torrencial creador.
¿Qué sucede para que el escritor haya querido dejar ese capítulo final como un elemento único, como un broche literario, acaso como un réquiem? En sí entendemos una voluntad de circularidad. Creo que hay una tesis clarificadora de Andrés Sorel, una opción que nadie puede soslayar: la idea de que las perversiones históricas se reproducen en el tiempo y acaban convirtiéndose en recurrentes por su capacidad para mantenerse y desplegarse cuando las condiciones históricas le son propicias. Weyler es el símbolo de una España estremecedora que en el último capítulo (por eso lo titula “Los hijos de Weyler”) toma de nuevo la iniciativa por mor de la Falange y el golpe militar del general Franco. Aunque Weyler muere el 20 de octubre de 1930, quedan figuradamente «sus hijos», los golpistas del 36, los autores de la muerte de Ciges Aparicio, gobernador civil de Ávila durante la República y fusilado cuando los sublevados se hacen con el control de la ciudad. Si Ciges Aparicio logró sobrevivir a Weyler, no conseguirá zafarse de «sus hijos político-militares». Y así, dirá el narrador en tercera persona: “E inmediatamente, un rostro se asoció al de aquellos más jóvenes que le contemplaban con desprecio y odio: el de Valeriano Weyler. Eran sus descendientes. Otra vez la historia maldita de España. El general había muerto hacía seis años y ya encontraba asesinos que le reencarnaban” (p. 273).
Pero es la voz de Ciges Aparicio, verdadero protagonista de la obra, de cuyas ideas

Dueño de librería Luces, Eduardo Moreno, Andrés Sorel y Morales Lomas (Málaga 2/12/2010)

Andrés Sorel se hace deudor, quien en el capítulo postrero entona esos últimos momentos de existencia, confiesa su humanidad libre, la sujeción a la tiranía y la disciplina y sus ideas antimilitaristas que le vieron forzado a salir por dos veces al exilio: “Todos los militares son iguales. España no tiene remedio. Es carne de Inquisición. Curas, militares y marquesas” (p. 278). Pero ya antes, en el capítulo tercero había dicho hablando del cuartel: “Allí contemplé, en su pura esencia, la brutalidad ejercida por militares ineficaces que sólo se preocupaban de maltratar a la tropa, esclavizar y utilizar a los soldados como criados a su servicio y rapiñar cuanto pudieran de la intendencia” (p. 73). Y cuando lo llevan a fusilar va mezclando en su imaginación los momentos vividos en el pasado y en el presente, cercano ya el paredón de fusilamiento, y afirma: “Aquí no hay ningún Weyler. Ha sido el general Franco. Caigo en el error”. Es a través de los sueños cuando, como en una nebulosa de una España triste y trágica, se mezclan esos acontecimientos del pasado y del presente sin solución de continuidad creando un magma uniforme y aciago. A través de sus palabras, de sus acciones, existe una toma de partido y una crítica feroz contra la dictadura y contra ese monstruo que se ha ido engendrando históricamente.
Existe en el trabajo de Andrés Sorel una profunda labor de lector, de recopilador de datos y acontecimientos históricos, pero no podemos olvidar que estamos en presencia de una creación novelesca aunque el relato esté trufado de esos acontecimientos verídicos que se sostienen en la obstinación de los datos reales e irrefutables.
Los comienzos de la novela son tenebrosos y nos anuncian ese interior desolado en el que nos introduciremos progresivamente. Y surge el emblema de la ambición y la traición en la imagen de la cita de Macbeth de Shakesperare: “¡Apágate, breve llama!” El general ha cumplido noventa años y no puede dormir. La pesadilla se apodera de su mente y también, como Ciges en el último capítulo, confunde la realidad con los sueños y se pregunta si existió realmente aquel tiempo. Se halla en el prólogo de la muerte que no llega, abandonado por sus hijos, en el colmo de la decrepitud: un militar en su laberinto, muy cercano a personajes similares que nos ha dejado la narrativa hispanoamericana, dictadores, sanguinarios. No he podido dejar de recordar La muerte de Artemio Cruz de Carlos Fuentes. Pero en la imagen que nos proyecta Andrés Sorel existe también mucho del esperpento valleinclanesco de Martes de Carnaval, en esa irrisoria estampa del general y su cornetín, un general que se considera traicionado, igual que Macbeth. A medida que avanza la narración y en tanto él es el protagonista, la paleta negra, los elementos neoexpresionistas se apoderan de su semblante, de su trayectoria vital para ensuciar con su vida y con sus obras esta historia. Hay una crítica indignada y acérrima del narrador que presenta a un personaje tan sañudo que no sabe llorar y al que describe el propio general de esta guisa: “Feo, asimétrico (de 1,60 metros de altura), me sacaron tal vez del vientre de mi madre antes de tiempo, por eso nací canijo. Tardé en crecer, y pese a mis esfuerzos nunca lo logré del todo” (p. 22). Y que, como Macbeth (con el que encuentra el parangón literario) se encuentra acosado por los fantasmas de su propio pasado: “Fui valiente a la hora de matar a los demás y ahora me muestro impotente para quitarme la vida a mí mismo” (p. 21). Creedor e instigador de la muerte (“Sólo creo en la muerte”, p. 23, como Millán-Astray, su hijo alegórico “¡Viva la muerte!”), se transforma desde el inicio en un personaje repulsivo al que le gusta el olor fuerte y ácido de los orines, capaz de una vida de impostura y de fidelidad a la muerte. Surge la etopeya del general amigo de la dureza y la violencia, incapaz de despertar afecto alguno, sobrio, no bebía, no fumaba y rara vez entablaba conversación con alguien y a quien siempre se le compara con ese Macbeth sanguinario, lascivo, codicioso, pérfido, falsario y violento. Que permitía a sus soldados robar, violar, matar… Y que, como dice en el relato, enseñaba bien cuál era la regla para destruir a los bandidos cubanos: “Incendiar, asolar los pueblos, no hacer prisioneros, no guardar consideración alguna con ancianos, mujeres o niños. Licencia para matar, violar, que nadie les va a exigir explicaciones” (p. 58).
Hay una filosofía sombría que se va descubriendo a medida que avanza

Andrés Sorel

el relato y actúa como elemento disuasorio de aquel lector que pudiera tener algún tipo de veleidades. No hay dudas para el narrador y su punto de vista busca crear una imagen abyecta del militar. El capítulo segundo es un compendio para crear un retrato desolador de este personaje que fue destituido por los acontecimientos terribles comentados con soltura por el personaje Piedelobo que afirma del general: “En el ejército, y le habla alguien que lleva más de treinta años en él, los hombres cultos no tienen cabida, y menos en la guerra, se los odia y desprecia al tiempo. Weyler, si pudiera, los mataría a todos” (pp. 64-65). Un icono que se irá ampliando progresivamente a través de las declaraciones de personajes que sevincorporan al relato, como el escritor-militar Ciges Aparicio, que dirá sobre él: “Weyler es solamente un asesino sin conciencia del mal” (p. 82). A su imagen servirá de contrapunto la que transmite básicamente en el capítulo cuarto el capitán Martínez Calonge, que tendría relaciones directas con el general y la periodista Eva Canel, cuya adoración hacia éste era manifiesta. En este capítulo dirá sobre los homosexuales y los pueblos: “Los pueblos se corrompen y pierden cuando se feminizan y relajan en su natural destino, sin una disciplina. Los homosexuales, por ejemplo, no son hombres, sino enfermos que debilitan la raza y conducen a la derrota” (p. 110).
Pronto, sin embargo, surgen los otros personajes que poco a poco se adueñarán del relato, pasando en determinados momentos Weyler a un segundo plano, se trata de Ciges Aparicio y Juan Vives… pero también la periodista Eva Canel, entregada a la causa de Weyler, González Arocha (Maceo), el cubano revolucionario, Tula (que apoya a las tropas de Maceo en Artemisa)…
El sargento Ciges Aparicio es el alma humanitaria y crítica del relato a partir del capítulo tres. Será definido por la revolucionaria Tula como “tímido pero bueno, como pocos hombres he conocido en mi vida” (p. 260). Miope, amante de las ropas negras, huérfano de padre, ajeno a la disciplina y a la religión, le repugna la violencia y tiene miedo de las mujeres, pero, sin embargo, no lo tiene de los castigos aunque viva obsesionado con la eternidad, y entra en el ejército como un modo de abandonar su aciago hogar; solitario, se aferra a la literatura como tabla de salvación. A través de la primera persona Ciges nos habla de sus sensaciones y de su vida, los artículos con los que colaboraba en la prensa, y se va produciendo un proceso de enamoramiento del personaje que es paralelo al que transmite el escritor que se ve reconocido y recompensado en su actitud y puntos de vista. A medida que se pierde la sombra que ha engendrado el general Weyler, Ciges se convierte en su normalidad en el verdadero héroe del pueblo, en el intelectual comprometido que desde dentro zahiere y repudia con todas sus fuerzas al estamento militar. A Ciges acompaña con frecuencia Juan Vives, cuyas ideas son puestas en discusión con mucha frecuencia en el relato y crean una condensación del pensamiento de ambos. De ellos se deducirá progresivamente la personalidad de Ciges, verdadero protagonista de la obra en el ámbito más sugestivo. Le dice Juan Aparicio: “Tu defecto, Ciges, es que todavía aceptas leyes morales, cuando la moral no existe” (p. 88). Pero Ciges Aparicio es la conciencia de lo que sucede en Cuba. Un hombre que se conmueve más con el sufrimiento de los otros que con el suyo propio y al que finalmente encerrarán cuando descubren que ha escrito un artículo dirigido al periódico francés L´Intransigeant donde critica el comportamiento del ejército español en Cuba. Pero también un escritor que tenía un profundo amor a la literatura a la que identificaba con la vida. Detenido el 6 de enero de 1897, fue condenado veintiocho meses y un día de prisión por injurias al ejército.
La historia de Tula, a partir del capítulo quinto adquiere gran importancia, pues a través de ella se ofrece una visión desde el otro extremo, desde el pueblo perseguido, violado y diezmado, una mujer de carácter que entra en la causa de la revolución y la liberación del pueblo cubano, aunque tendrá relación con algunos militares, especialmente con Ciges Aparicio con el que dialogará bastante y con Juan Vives. Y cuya simbología sexual y su historia amorosa compensa momentos de la crueldad del relato. En ocasiones ha podido ser vista como la niña Chole de la Sonata de Estío de Valle-Inclán, una mujer que desborda los límites de la sensualidad y el erotismo. Pero también es la mujer consecuente y luchadora que encarna los valores de un pueblo en la lucha por su libertad. Personifica también el personaje que analiza la situación politico-social de su país y explica las causas de su miseria y la falta de libertad.
A partir de un determinado momento, perdida la vigencia del general Weyler, el relato se adensa en historias breves, en interpolaciones que enriquecen las situaciones secundarias y así aparecen las historias de Narciso López, Abel Borrego, el padre Arocha…
Pero la novela, que participa de los elementos históricos, psicológicos, sociales… también ofrece momentos en los que la acción se adueña del relato y las escenas de guerra y atentados se multiplican en el capítulo séptimo. No hay momentos para la relajación porque el tempo narrativo consigue su efecto esperado y la transición de unas situaciones a otras siempre tienen el interés que con su fortaleza narrativa logra darle Sorel al relato.
Una obra en la que las ideas no ahogan la narración pero sostienen el sentido último de la historia que alcanza, como hemos dicho, una consideración épica. Los compartimentos estancos de su estructura se diluyen cuando los personajes se imbrican en el transcurso de ellos y asimilan situaciones de unos en otros creando perfectos vasos comunicantes.
En definitiva, Sorel con Las guerras de Artemisa consigue mostrarnos un periodo aciago de nuestra historia en Cuba y nos hace revivir una época, pero también nos adentra en el pensamiento de un personaje, Ciges Aparicio, cuyas ideas de humanidad y solidaridad son reivindicadas como principios también inmanentes de la historia de España.

DIÁLOGOS CON ESCRITORES CONTEMPORÁNEOS (ATENEO DE MÁLAGA) POR MORALES LOMAS

2010-11-30T08:08:00.001-08:00

Morales Lomas y Garriga Vela (Ateneo de Málaga, 29 noviembre 2010)

Desde el mes de septiembre de este año llevo a cabo un ciclo con escritores contemporáneos que pretende desde el diálogo con el autor, la comunicación con él y la comprensión de su obra, ahondar en claves que hasta ahora no han aparecido en otro momento o sólo han surgido de pasada en circunstancias especiales.

El escritor invitado el 29 de noviembre de 2010

fue José Antonio Garriga Vela del que pueden leer un comentario acerca de su obra "Muntaner 38", un poco más abajo. También pueden consultar los siguientes enlaces del autor para mayor comprensión del mismo.

http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Antonio_Garriga_Vela

http://www.lecturalia.com/autor/3260/jose-antonio-garriga-vela

http://www.casadellibro.com/libros/garriga-vela-jose-antonio/garriga2vela32jose2antonio

http://algundiaenalgunaparte.wordpress.com/2010/05/23/el-anorak-de-picasso-jose-antonio-garriga-vela/

http://www.diariosur.es/v/20100430/sociedad/garriga-vela-confiesa-anorak-20100430.html

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Garriga/Vela/gana/premio/Dulce/Chacon/novela/elpepucul/20091106elpepucul_16/Tes

Lo considero un narrador de gran valía y uno de los creadores de mundos sugerentes y atractivos en una línea que lo puede conectar a Paul Auster o E. Vila-Matas, aunque esté "tocado" de territorio manifiestamente personal y de unas filias y fobias que se sostienen sobre el andamiaje del regate corto y los mundos imperfectos, diezmados, en permanente zozobra y creación. Su maestro es Kafka, entre otros.

Enlace con el Diario Sur que da la noticia y en la que aparece esta fotografía de A. Cabrera.

http://www.diariosur.es/v/20101130/cultura/garriga-vela-desentrana-claves-20101130.html

José Antonio Garriga Vela y Morales Lomas (Ateneo de Málaga 29 de noviembre de 2010, 19:30 horas)

La narrativa de Garriga Vela, Muntaner 38 por Morales Lomas

2010-11-28T11:09:00.000-08:00

En 1996 la editorial Debate publicó una novela, Muntaner 38, de José Antonio Garriga Vela, a la que considero la base de su narrativa posterior. Venía precedida por la concesión del Premio de Novela Jaén, que había concedido un jurado formado por Caballero Bonald, Ignacio Echevarría, Antonio Soler, Manuel Longares y Constantino Bértolo.
En Muntaner 38 aparecen las claves de una narrativa que se sostiene sobre el regate corto en la construcción de la frase, el ingenio en la creación de locuciones que permanezcan para la historia de la literatura (hay en su obra en general una evidente querencia por los enunciados perspicaces que concentren en dos o tres líneas un pensamiento de carácter axiomático), en la tenue elaboración de muchos personajes que van y vienen una y otra vez envolviendo al lector y arrullándolo con sus situaciones efímeras, con sus fragmentos tenues y sugerentes. A través de la perspectiva distanciada, a veces, del catalejo: “Así es como siempre he preferido ver las cosas. De una manera fría, distante y precisa, con la mirada del catalejo” (p. 14). Y, sobre todo, en la inmediatez de un mundo, en la construcción de espacios interiores que justifiquen la existencia. Mundos que van y vienen del pasado al presente (en ese juego de analepsis y prolepsis) que crean un círculo cerrado. Si sus mundos lo son, también su narrativa, que siempre pivota sobre un eje muy concreto. Aquí le sirve de cigüeñal la calle Muntaner 38.
Desde Aristóteles sabemos que una cosa es la historia y otra muy distinta el discurso o argumento. El discurso de Muntaner 38 se organiza por un sistema de acumulación de breves situaciones a lo largo de un tiempo indeterminado que iría desde la infancia del autor hasta las fechas posteriores al fallecimiento de su padre. Es un tiempo amplio (de unos veinte años aproximadamente) en el que los sucesos, desordenados, son acomodados por un proceso de asimilación significativa en función de los criterios del autor. La historia sería así menos relevante que el discurso. Un discurso que en su esencia, como diría la semiología, pivota también en torno al personaje de su padre, el sastre, epicentro de la construcción novelesca, pero también en torno a la aventura de la rapidez narrativa y de las escenas-secuencia breves (“ráfagas”, dirá el narrador en un momento del relato) que permiten un cambio de un mundo a otro, de un espacio familiar a otro, de un personaje a otro de modo raudo. Más que la realidad en la que se centra, al narrador le interesa mostrar una visión de un mundo, una comprensión de un mundo. Y estos procesos acumulativos lo organizan. Se trata de la victoria de los personajes secundarios. Son estos los que alcanzan el dominio de la obra, aunque sean Cristina Moslares, el padre y el propio narrador sus protagonistas más consistentes; al fin, los protagonistas que determinan, que cierran en torno a ellos el círculo de la creación. La obra literaria tiene sus propias leyes que organizan un mundo. Garriga Vela sigue unas leyes muy precisas:
El espacio: la calle Muntaner 38, en el centro de Barcelona, cerca de la Avenida Diagonal, cicatriz de la ciudad, como epicentro en torno al que gira el mundo novelesco. No sólo arteria sino mundo propio, concreto y reducido desde donde estar en el mundo y contemplarlo en su concreción y arbitrariedad, en su reducción, en su carácter de epicentro.
Dos personajes fundamentales:
a) El padre de Garriga Vela, el sastre, como personaje omnímodo en la existencia de la novela y del propio autor. Un personaje (como Kant al que se compara literariamente) que no sale de su propio mundo (Kant construyó su filosofía sin salir de Königsberg, el padre de Garriga construye creando trajes –es decir, cortando su mundo- la filosofía de su existencia práctica y cotidiana), la calle Muntaner 38 y su taller de costura. Un taller de costura que también es la metáfora de la conformación creativa porque como se decía, “estamos en manos de unos pocos sastres que se limitan a señalar y cortar nuestras vidas” (p. 159). La indeterminación de la existencia y la absoluta falta de libertad para ser lo queremos ser es ese corte de la tela, de nuestro propio existir. Un símbolo, la creación de ropa, como la creación de mundos que habita un galeón a la deriva, como dirá el narrador, que él no quiere abandonar, aunque lo haga su padre. Con cuya filosofía de vida discrepa hasta el punto de que en un momento determinado dirá el narrador: “Mi padre me educó para habitar un mundo al que él renunció. Me pasaba un traje que se le había quedado pequeño e incómodo. Guardaba para sí mismo los ideales. Sabían que eran batallas perdidas (…) ¿Quién era realmente? Me he preguntado muchas veces por qué llegué a odiarlo hasta el extremo de desear su muerte. Miguel Bobadilla aseguró que yo fui víctima de los ideales de mi padre. Que esa herida que no cicatriza me la provocó él. Quizá sea cierto. De cualquier manera fue una persona demasiado dura. Yo no hice caso de sus recomendaciones, sino todo lo contrario (…) Yo era el huevo de la serpiente. Supongo que así surgen las guerras civiles. Quizás ahí residía el embrión del odio. Al trasluz de la experiencia de mi padre yo me rebelaba contra quienes lo destruyeron. Elegí otro rumbo. Aunque al final, los dos perdimos las mismas batallas contra nuestras propias contradicciones (p. 160). El hecho de ser sastre conforma un valor simbólico preciso en la novela en esa capacidad creativa del sastre que con su tijera sobre la tela crea un modelo, la base teórica del modelo que pretende crear para los demás, aunque el suyo permanezca oculto. De ahí la organización de un mundo con el que no está dispuesto a convivir el personaje que posee una ligera analogía con Kafka, al que, por cierto, admira Garriga Vela. Ya desde el inicio, no obstante, van surgiendo esos fantasmas transmitidos por su padre: “Me legó el rencor, es cierto, y también un mundo habitado por fantasmas” (p. 70). Pero su padre vive un proceso inverso al suyo, mientras va hacia la infancia, como una forma de que lo dejen en paz, el narrador-Garriga huye de ésta como una forma de ir creciendo. Su padre habitualmente decía: “En la infancia se vive, después se sobrevive” (p. 58). Garriga pretende crecer pero es como si el espacio, la calle Muntaner 38, el tiempo (la dictadura) y la filosofía inmanente se lo impidieran.
El padre, a través de sus frases recurrentes está creando una metafísica de la existencia, un modo de ver el mundo de carácter axiomático. Dirá, entre otras: “En la vida nunca se sabe lo que puede ocurrir” (p. 43); “El mundo es redondo y el que no espabile se va al fondo” (p. 43). Pero lo que también existe es una labor de corte moralizante, con tendencia a la formación del espíritu que le llega desde los diversos razonamientos que llegan puestos en boca de su padre y permiten el crecimiento personal o no. Por ejemplo, cuando decía su progenitor que “allí donde quiera que uno va, arrastra las obsesiones. «Huir no sirve de nada, hay que plantar cara a la vida».” (p. 149). Y Muntaner 38 es el magma de las obsesiones, un magma triste de una época triste.
b) Cristina Moslares como símbolo del erotismo, de la búsqueda de los paraísos artificiales (con la persecución del temor al fracaso) y del crecimiento en los sueños. Sueños que van a depender mucho de la fe en conseguirlos, como afirmaba su padre quien después de reconocer que todo era cuestión de tamaño recalcaba que “la medida de los sueños dependía de la fe que se pusiera en conseguirlos” (p. 142). En otro momento, cuando Cristina regresa de América como conquistadora de aquel sueño que a todos había hechizado dirá terminante: “América es diferente” (p. 89) Un país diferente frente al nuestro donde nunca pasaba nada, aunque también diferente en la propaganda fascista. Y en este sentido los personajes tienen una necesidad de salir, de buscar algún lugar donde la podredumbre no exista (“Quien estaba podrida era la ciudad. El país entero, p. 118). Sueños que siempre acaban frustrándose en la narrativa de Garriga Vela. El narrador sabe, como dirá al final de la obra, que no va a “ningún sitio”. Al principio soñaba con América (este elemento recurrente de un sueño personal era muy habitual en los jóvenes de entonces, América era el final de un túnel. Todo lo bueno venía de América. Por ejemplo, era habitual oír, esto es muy bueno, es que es americano. América surge con la fuerza de un sueño. También Cristina Moslares se va a América). Pero Cristina Moslares sobre todo es la pasión y el erotismo, un aliciente para vivir, aunque supiera que él era un juguete en sus manos y siempre era ella la que lo poseía: “Cristina había convertido el deseo en una soga que rodeaba mi cuello en la oscuridad” (p. 100).
Muntaner 38 se estructurada en ocho capítulos, cada uno con un título preciso: (I) La mirada del catalejo; (II) Cuando el mundo se apaga; (III) Tiempo muerto; (IV) La quietud de los días festivos; (V) La silueta de tiza; (VI) Espérame en la luna (lo escribe en cursiva ex profeso); (VII) Los encantados; y (VIII) El cuarto del planchador. De ellos, Los dos primeros y el octavo son los más extensos en cuanto al número de páginas y el último, que actúa como epílogo, es el más breve, junto al sexto. Pero, qué sentido posee esta estructura precisa en su obra cuando todo es un cúmulo de personajes que van y vienen como en una ratonera, la calle Muntaner 38. Permítannos ir descubriéndolo progresivamente. Inicialmente (en el primer capítulo) se trata de la proyección de la imagen global que sintetiza el espacio y sus personajes en movimiento con la misma paleta (el narrador es pintor aficionado) que el impresionista conforma sus cuadros con trazos de color, aunque sea la paleta de lo claroscuro. Si hasta el capítulo cuarto, el padre del protagonista ocupa un espacio omnímodo; será a partir del quinto cuando se instaure en la obra una especie de historia sentimental entre narrador y Cristina Moslares, sus deseos y sensaciones.
Arranca la novela el autor catalán con una primera frase que enmarca un sueño, el sueño de América: “Nunca he estado en América” (p. 7). Un inicio que nos adentra en la construcción de un mundo, mientras él, de pequeño, colorea los mapas y su padre marca con el jaboncillo el contorno de los patrones, una forma similar de hacer sus propios mapas o su propio mundo. Ambos comienzan a elaborar, pues, un microcosmos. Un mundo que, como veremos al final de la novela, no lleva a ninguna parte, un mundo truncado y sin perspectiva: “La imagen de los encantados se fue esfumando en la lejanía. Lo mismo que los colores de los mapas, las marcas de los patrones, la mirada nublada del catalejo” (p. 171). Garriga Vela ha construido su mundo circular, en torno a una precisa y simbólica imagen: la suya coloreando mapas, la del padre, enjabonando contornos, siluetas. Pero todo se desvanece y acaba convirtiéndose en una “triste historia”, una alegoría de la derrota.
Existe un microcosmos limitado (la calle Muntaner 38) y un sueño que en la novela progresa pero acaba siendo cercenado: “Los límites del mundo se restringían al margen de acera que rodeaba la manzana” (p. 7). Un espacio que para su padre posee el valor de lo metafórico-simbólico: “Mi padre decía que el balcón de nuestra casa era como América, y que la calle era el resto del mundo” (p. 11). La visión desde arriba, desde la fortaleza de gobernarlo todo. Pero la visión no da la vida sino que crea falsas perspectivas. Una distorsión de aquel catalejo con el que miraba desde el Tibidabo o Montjuich.
Pero el narrador no sólo colorea países que conoce por los colores sino que a través de él va reconociendo las cosas, en un proceso de construcción, de camino iniciático, de descubrimiento de una realidad que no acaba en nada: “La vida era un mapa mudo donde yo iba reconociendo el nombre de las cosas” (p. 46). Por eso “cada ciudadano es un país. Cada familia, un mundo” (p. 47) Y por eso el narrador es consciente de que al construir su mundo novelesco es como si construyera el mapa que nunca acabará. Nunca se acaban los mapas. Y ese proceso se organiza a través de la enumeración de sucesos que van desde su ámbito familiar (sobre todo centrado en la figura paterna; las reflexiones en torno a la madre son tenues, imperceptibles, con un ahogado misterio (“Mi madre sueña con un pasado que guarda en secreto, p. 79) o manifiestamente irónicas, como cuando dice: “Mi madre siempre fue algo morbosa. Leía revistas de sucesos. Oía en al radio programas donde la gente buscaba respuestas públicas a los asuntos privados”, p. 155).
Multitud de personajes van y vienen apenas pespunteados, cogidos con los alfileres del sastre y también breves y sintéticas aventuras que finalizan en la anécdota: sus juegos infantiles (“una infancia de color gris”), el ámbito espacial del propio bloque y los vecinos que viven en él, como Don Esteban, el señor de los ciegos (que olía los números): “Huelo hasta el futuro” (p. 11), decía; el tío Juan que lo llevaba al Tibidabo; el amigo de su padre, Alfonso el Rojo (uno de los personajes secundarios más atractivos) que todo lo hacía con la izquierda; el vecino del segundo, el taxidermista Matías (que bien podría pasar por un personaje esperpéntico o berlanguiano); el club Kim´s y Margarita; las veladas pugilísticas del Price con el personaje Caraplato; las planchadoras Mercedes y Teresa; sus hermanas; la familia Amat y Elvira,; la mujer del doctor, Violeta, de la que estaba enamorado platónicamente; la familia Guijarro; Díaz del Camino el profesor de Formación del Espíritu Nacional; Ángel Moslares, el fotógrafo; la familia polaca Kawolinski; el cura Antonio María Claret y su afición hacia él, sus tocamientos (nunca entra en lo escabroso, aunque lo sugiere); Carlos, el tirador de dardos, Carmen y sus cuatro hijos; sus abuelos; el señor Rico y su familia… Todos ellos contribuyen a crean la geografía humana si su padre y él trataban de organizar a través de los colores y el jaboncillo la geografía física, el patrón de la existencia.
Pero también existe la construcción del pensamiento del propio personaje a través de su mundo y de su propia psicología: su timidez, por ejemplo: “Cuando llegaban visitas a casa me escondía debajo de la mesa del comedor”. O el colegio que lo relacionaba con el olor a mierda o la visión que los demás tenían sobre él, apodándolo El Santito. Y, sobre todo, la proyección de una especie de imagen maléfica que le acompaña, de una fatalidad precisa: “Mi madre afirmaba a las amigas que yo no era malo, pero que tenía mala suerte” (p. 20).
Hay una obsesión por el tiempo. Marcado por la fecha del 20 de noviembre, que le vio nacer, también en la obra operan estas fechas, el 20N asociado a elementos luctuosos o cronologías de raigambre histórica como la muerte de Franco, la muerte de José Antonio Primo de Rivera, de Buenaventura Durruti…; de ahí que el padre le dijera que había venido al mundo el día de todos los muertos. También las fechas son determinantes desde el principio en su novela Pacífico. Un tiempo y una época, un espacio que limita con la tristeza y la melancolía que surge en esta novela de la memoria personal y familiar donde la realidad y la ficción, como son habituales en toda su narrativa desde entonces juegan a ser únicas e irrepetibles, adquieren una y otra la verosimilitud o la mentira que la hacen imperecederas.
En definitiva, una buena novela que nos habla de un mundo conquistado y reproducido, que pudo ser para la quimera, como las palabras iniciales del protagonista, pero que subsiste para el nihilismo como en las últimas: “Sólo quedaban restos de ceniza que el viento empujaba al mar” .

MEMORIA DE LAS TORMENTAS DE MANUEL GARRIDO PALACIOS POR MORALES LOMAS

2010-11-20T03:17:00.000-08:00

Memoria de las tormentas, Calima Ediciones, Palma de Mallorca, 2010, 174 págs.

Garrido Palacios es un sólido narrador huelveño del que se debería hablar más pero por razones que ignoro no se hace lo suficientemente, a pesar de que posee una obra de contrastada calidad literaria.
A partir de una sólida formación en dirección cinematográfica ha dedicado su actividad como guionista y director de televisión (NKD de Japón, WDR de Alemania, TVE España). Entre sus series televisivas existe una trascendencia evidente del fundamento popular: “Raíces”, “Todos los juegos”, “La duna móvil”, “El bosque sagrado”, "La Primavera en Doñana", "Rasgos", fueron reconocidas en su momento con diferentes premios nacionales e internacionales y en “Memoria de las tormentas” el ámbito de reflexión es la España rural, atrasada, pobre e inculta.
Con su primera obra, “El brocal”, publicada en 1964, se iniciaba una larga carrera literaria, que le ha valido una larga lista de premios, entre otros el Premio Borges o el Golden Harp (Irlanda)… Es colaborador de algunas publicaciones y de la revista digital Papel Literario (Málaga) con sesudos análisis literarios. También es miembro de la Academia Norteamericana de la Lengua Española en Nueva York y del jurado del Festival Internacional de Cine de Glaway, y del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva.
“Memoria de las tormentas” pertenece junto con “El Abandonario” y “El Hacedor de Lluvia” la “Trilogía del Herrumbre”. Por momentos, al leer esta novela, me han venido a la memoria Castroforte del Baralla, sede y alma de “La saga/fuga de J. B.” de Torrente Ballester (al que estos días se pretende devolver a la actualidad, uno de nuestros más sólidos narradores de todos los tiempos), “Volverás a Región” de Juan Benet (otro escritor trascendente y olvidado) y “Celama” de nuestro admirado Luis Mateo Díez; pero también a Camilo José Cela en el gracejo de la narración y en la soltura compositiva. “Memoria de las tormentas” es incluso una reminiscencia de los espacios rurales tan extraordinarios que ha creado la literatura latinoamericana por obra del gran Rulfo, de Borges, de Vargas Llosa, de García Márquez...
Garrido Palacios con esta obra desciende a la memoria a través una anciana de cerca de cien años, doña Dulcedumbre, que va conformando la historia de Herrumbre y la historia personal, una especie de nueva Úrsula Iguarán (el personaje mágico de “Cien años de soledad”), etérea y fantasmal, que posee una enorme fuerza como creación literaria personal y propia, a pesar de las evocaciones aludidas.
A través del esquema narrativo de la historia contada a “un caballero” que llega al pueblo, la voz homodiegética del personaje se hace presente y cuenta desde la primera persona y a través del monólogo interior sus vivencias, sus sensaciones y sus desencuentros con el mundo y sus habitantes: “No quiero cansar al caballero. He contado esto tantas veces que me he convertido en la historia misma. Ya ve que voy de mis recuerdos a mis recuerdos a través de mis recuerdos” (p. 21). En otro momento le insistirá a su receptor: “Le cuento a usted lo poco que sé, tres migajas, ¿qué podemos saber unos de otros?” (p. 120). Estamos ante la narrativa oral que la memoria en pequeños trazos construye, y es Dulcedumbre con su ánimo, su gracejo y su tristeza la que nos va envolviendo en ese aire sorprendente conformado por los trazos agridulces (como su propio nombre) de la existencia: “¡Ah!, mi cabeza es un saco de historias en el que meto la mano y saco jirones” (p. 34). Aunque, en realidad, podríamos considerarla una intermediaria de la abuela Bonaparte, que fue la que contó estas historias después de darle un sorbo largo al aguardiente. Un homenaje a la memoria, que como dice Dulcedumbre, no puede ser amordazada ni ser pasto del olvido. Pero, aparte del rico anecdotario que encuentra el lector, plagado de fantasmas y seres mágicos, la historia de Dulcedumbre permite adentrarnos en una filosofía de vida, en un modelo cuasi moral, si me apuran, profundamente humano, en el que gastó su vida, complaciendo siempre a los demás pero sin ser complacida.
Una España atrasada y esperpéntica, múltiple, abigarrada y plural conforma esta agridulce obra en la que la paleta negra está muy presente, un color que ha sido consustancial a nuestra historia como pueblo. Goya nunca se equivocó con sus cuadros del Callejón del Gato y tampoco Valle con don Latino de Híspalis y Max Estrella. Una España de espejos deformados y personajes al filo del esperpento o ya esperpentos propiamente. Y el absurdo mayor surge en estados de guerra: “Toma una escopeta y a pegar tiros. ¿Contra qué? Tú tiras en esa dirección y no preguntes (…) Detrás se esconden los malos, el enemigo. Cualquiera es el enemigo” (p. 31).
Dulcedumbre, veinte años, se va con el seminarista a la capital, donde trabajará en una taberna, y deja Herrumbre, su pueblo, que según Dulcedumbre alguien le había dicho que no existía en el mapa. Pero el enamoriscamiento duró poco y pronto se casa con otro. Se van intercalando historias como la del pariente Onofre, o de Onésima que cazaba gatos por hambre, la historia de Teresona, el político Donglorio (sobre el que ironiza constantemente), la historia de Remilga que nos ha retrotraído a los esquemas y el espíritu de la narrativa picaresca española. De hecho en la página sesenta y dos hay una alusión expresa a obras como “Lazarillo de Tormes” y “Guzmán de Alfarache”, y ese texto, casi textos de textos que es el “Himnario”, presidiendo como memoria común de unos seres que pedían que se diera fe de la existencia del pueblo y acompañaba a Dulcedumbre siempre.

Manuel Garrido Palacios
Los efluvios amorosos de Tío Livio y la burra Mica, que nos adentran por una geografía humana escabrosa y triste en torno a una sexualidad mal entendida, por no hablar del mocito de Herrumbre que “se daba maña en masturbar a los muchachos, llegando a hacer dos pajas distintas al mismo tiempo con bastante arte” (p. 40). Y surge entonces una evocación evidente de la novela “Mazurca para dos muertos” de Cela que le valió el Premio Nacional de Narrativa. Sexo y hambre como elementos que trascienden el discurso narrativo de Dulcedumbre y nos adentran en un imaginario colectivo.
Una de estas historias es la de Rufina que le cortó el pene a su amante, y cuando así hizo, dijo: “Se acabó la comedia” (p. 81). O la historia de la Contrera que se dedicaba a enseñar sus bragas al Cuartoquilo diciéndole para lo que servían éstas: “Las bragas sirven para guardar el coño” (p. 83). Un valor simbólico el de todas estas historias que emergen como una imagen en sepia de época, en un país, en unas circunstancias dominadas por una absurda y sangrienta represión en todos los ámbitos de la vida cotidiana. También tiene su gracejo y suculencia la historia de Onésima, a la que rondaba un viajante de libros, Fructuoso, que era muy respetado en el pueblo por su forma de pronunciar el nombre de los autores de los libros, entre los recomendados estaban los de un tal Somersemogan (William Somerset Maugham, el escritor de cuentos, novelista y dramaturgo inglés de mediados del XX) y el Masensevadermé (Maxence Van der Meersch, el escritor francés autor de Cuerpos y almas). Y cuando la Onésima se quedó preñada, le dijeron: “¡Mira que dejarte empreñar! Ella contestó: Es que es de un inglés”. Historias y anecdotarios que conforman un paisaje humano, un mundo, una creencia y sobre todo una filosofía de vida que muestra el atraso y la incultura de un pueblo: “En Herrumbre no hay listura. Quería decir cultura, pero le salía listura” (p. 106). Una España dura en la que los niños iban poco tiempo a la escuela porque enseguida los ponían a cuidar el ganado, aunque sería al cabo la Naturaleza su maestra. Esta imagen genera también una ambientación costumbrista a la que nos ajena la novela y una incidencia manifiesta de un espíritu de época donde la desfloración y el sexo formaba parte directa de sus vidas de modo permanente. Y en esa complacencia por los elementos que conforman la cultura del pueblo, uno de los capítulos, pp. 120-127 está centrado en el análisis de la lengua. Y entre otras cosas dice: “Abuela Bonaparte no soportaba que dijéramos peo en vez de pedo (…) Peo y pedo huelen igual, pero tienen su distingo (…) Sepa usted que el jigo que usted pronuncia es una barbaridad (…) No hagamos una guerra por una letra, que de una u otra forma lo que yo quiero decir es que estoy hasta el coño (…) Había que decir cataplines por cojones (…) En la taberna de Mateo aprendí lo que corta el alma una mirada y también palabras nuevas”. Creemos que en este ámbito está también presente el espíritu de Camilo José Cela en el gracejo, en la socarronería, en la construcción deformada de los personajes y en la degradación de una sociedad atrasada con tan solo pequeños y significativos trazos.
Pero desde luego, algo que siempre en los pueblos es bastante recurrente es la trascendencia del paso del tiempo, la relación con el silencio y la diferencia de éste con la capital pues las cambios sólo llegaban a aquél después de años, noticias que se habían producido hacía tiempo se tomaban como una novedad al cabo y la huida de un lugar que todos odiaban cuando en realidad lo que odiaban era un época, un modo de vida, un pensamiento que va organizado a través de una aleatoria presencia de historias breves y poemas que ayudan a comprender la filosofía subyacente, como éste: “Qué pueblo tan raro,/ tan extraño éste,/ sale el Sol por la mañana/ y por la tarde se vuelve;/ debajo de cada techo/ un potajillo se cuece/ y al fondo de cada olla/ hay un Herrumbre silente,/ un Santrás, un Carriponte/ y un cabezo Lajareque;/ pucheros en las cocinas,/ leche, leche, leche, leche”.
En esta novela también hay frases para la posteridad y modelos: “Más une el hambre que el amor” (p. 46); “Somos porciones de la gran nada” (p. 65); “No hay que ponerle más música a la verdad, que luego lo que sale es el cuento del membrillo” (p. 78); “El amor es un lujo; el odio anida donde falta el amor. Diría que el amor es un odio agazapado y el odio es un amor en trance” (p. 78); “Cada mujer era un mundo y cada hombre un proyecto” (p. 78); “Toda época es un tránsito y que sólo vives en el instante en el que percibes que vives, ese que es inmedible porque parece eterno” (p. 79); “Ahora sé que un pedante puede ser un imbécil montado en un libro” (p. 94)… Una de las más suculentas es ésta: “A uno que andaba en trance de muerte el cura le ofreció ir al Paraíso y el tal le dijo: Déjese de tonterías; como en mi casa no voy a estar en ningún sitio.” (p. 173).
En definitiva, “Memoria de las tormentas” es una novela que conforma un mundo propio, la España del franquismo, una España atrasada e inculta en la que los personajes deambulan en torno a instintos y situaciones absurdas. Con habilidad, soltura y gracejo crea una historia entretenida pero sobre todo conforma una época y un modo de ser y estar en el mundo.

‘Entre el siglo XX y el XXI. Antología poética andaluza (II) de Morales Lomas, crítica de Moreno Ayora en Diario Córdoba

2010-11-14T10:26:00.000-08:00

El sábado 30 de octubre de 2010 Antonio Moreno Ayora publicó en Cuadernos del Sur de Diario Córdoba una reseña sobre el libro citado. La reproducimos a continuación.

Después de publicado el primero en 2007, ve ahora la luz el tomo II de Entre el siglo XX y el XXI. Antología poética andaluza, en el que Francisco Morales Lomas reúne –igual que en el anterior– otros diez nombres que considera "autores necesarios" y con "una extensa obra que los respalda". Es también propósito del antólogo estructurar la obra en dos apartados (antología poética y biografía de los autores) que se van a referir a poetas que han nacido o residen en las provincias de Málaga, Almería, Granada o Jaén. Y aunque Morales Lomas sitúa literariamente a cada uno en las páginas de su introducción, también ha decidido incorporar a la antología, precediendo los versos seleccionados, una "poética" firmada por el autor en cuestión.
En el volumen, a cada nombre se le reservan alrededor de quince páginas para alojar sus versos, siendo el primero al que se atiende Luis García Montero, quien concibe "el poema como una cita, un lugar autónomo que a veces consigue unir las soledades del autor y el lector". Tras los nueve poemas que se le incluyen, es el también granadino Antonio Enrique el que insiste, como preámbulo a los suyos, en la importancia de la emoción para la escritura y en la validez de unos planteamientos que son los que al fin explican que la aspiración "del poeta es integrar el cosmos en la dimensión humana". Y esta idea de Enrique de poner en relación sentimiento y Naturaleza late también en la personalidad lírica de Aurora Luque, que en uno de sus poemas exclama: "Y qué saturación sentir el aire / de otros mundos, la hoja que temblaba / en la lluvia con sol, los astros asomados / a la leve escritura". Con menor claridad teórica y con más escepticismo literario, Domingo F. Faílde reniega de las poéticas y trasvasa ese papel crítico-comprensivo a los lectores, a quienes ruega: "Mirad con microscopio los poemas. / Descomponedle el alma a los tejidos".
Si el poeta Antonio Jiménez Millán advierte que le "importa encontrar el tono y el ritmo de un poema, delimitar una situación y hacerla inteligible, saber qué estoy diciendo, y cómo", a Rosa Romojaro le interesa remarcar los puntos de vista con que ha ido forjando sucesivos libros, en cuyas páginas la intensidad de la emoción y de la mirada son tan intransferibles. Atento todavía a ese afán de "Contemplar/ser contemplado" con que titula su última composición Romojaro, el lector cambia al nuevo registro lírico que le supone Alberto Torés, protagonista de sus vaivenes de tristeza y de su incesante búsqueda como él mismo confirma al decir: "era yo hombre sin patria y me sigo buscando". Y como después de estos surgen los versos de Álvaro García, se le presta oído a sus interpretaciones para confrontarlas con los textos que se le antologan, aprehendidos sobre todo a partir de su idea de que en la creación "Lo argumental pasa a ser poesía por un movimiento que ya no es argumental. […] La gran poesía no oculta ni exacerba la vivencia previa: interpreta su potencia, para recrear no la circunstancia, sino el temblor de lo vivo".
La antología se concluye, antes de cerrarla definitivamente con el apartado "Biografía de los autores", con José Sarria y Fernando de Villena. Para el primero la poesía significa una salvación vital y aparece como una apoyatura en "la justa palabra, que echa sangre de la propia sangre, se convierte en verso, en poema, habilitada para redimir". Para el segundo, la captación de lo poético procede de una indagación en la hondura de la realidad para "trasmitir la emoción que le sacude durante su búsqueda". Esperemos, en fin, que esta antología haga decir a quien la use lo que escribe García Montero: que "mi pasión por la poesía es, sobre todo, la pasión de un lector que se ha emocionado muchas veces con un libro de poemas en las manos".
‘Entre el siglo XX y el XXI. Antología poética andaluza (II)’. Autor: F. Morales Lomas. Edita: Carena. Barcelona, 2009.

Con anterioridad, se había publicado el primer volumen cuya imagen es la que sigue. Ambos volúmenes lo pueden adquirir en la siguiente dirección de Ediciones Carena (Barcelona): http://www.edicionescarena.org/node/64

LA POESÍA DE PURA LÓPEZ CORTÉS POR MORALES LOMAS

2010-11-12T09:38:00.000-08:00

Alacena de Pura Lóepz Cortés, Ediciones Carena, Barcelona, 2010.

EL PRÓXIMO DÍA 18 DE NOVIEMBRE EN CINCOECHERAY (c/ Echegaray 5, Málaga) PRESENTARÉ ESTA OBRA

Pura López Cortés y Morales Lomas en CincoEcheray presentando la obra (Málaga 18 noviembre 2010)

LA DESPENSA DE LA MEMORIA

La poesía también se escribe para no olvidar. Hubo un tiempo en que la poesía fue un arma cargada de futuro. Incluso una forma de ver el mundo o corresponder con la palabra al pálpito de vivir, como una experiencia vivida. En Alacena, la palabra es memoria, corazón vivido y razón para recordar y rememorar situaciones, momentos, personas que se han ido o ambientes que han organizado un mundo personal. En Alacena, con una bella publicación de Ediciones Carena que dirige el editor y escritor José Membrive desde Barcelona, se hace memoria histórica pero, sobre todo, historia de los sentimientos y los afectos. De ahí su título, sencillo y constante, definitivo, como esta mujer venida de Almería con cuya palabra y presencia constatarán que el verso es también el escritor, la escritora.
Alacena nos descubre un mundo personal pero también una época, un mundo que se nos organiza estrictamente desde lo social a lo individual y desde lo más lejano a lo más cercano e íntimo. Sus poemas son breves historias, instantáneas, imágenes que nos seducen por su contención y piden al lector la palabra, su complemento, su razón de ser. Desde la sugerencia llega más a ese lector que sabe que la historia la escriben los vencedores pero acaban conquistándola los derrotados. Pura López Cortés viene desde ese ámbito de la capitulación, desde la singladura del cauce que crea la libertad, desde una bondad permanente con el lector con el que quiere la seducción de lo intuido, acaso de lo no dicho, acaso de lo silenciado. Pero otras veces, sobre todo en los versos más íntimos, en los versos de amor, o en los versos dirigidos a sus padres, reconoce un afecto, y se permite palparlo, declararlo libremente, directamente, con absoluta bondad y casi idealismo.
Hay un halo de autenticidad en estos versos que vienen del frío (la muerte y nuestra guerra civil presiden algunos de ellos) y nos conducen al viento cálido de la memoria cuando su padre se apodera de ellos en los versos finales: “Este vacío extraño, despoblado,/ esta niebla que en le recuerdo insiste,/ esta punzada sorda que persiste,/ este sentirte tan próximo y lejano;/ me hace convocarte, perseguirte/ y casi no consigo, ni en sueños, reencontrarte…”
Pura López Cortés profesora, escritora, crítica y presidenta del Ateneo de Almería durante algunos años, crea una imagen entrañable y sentida de una época y de unos seres queridos que crecen en sus versos, en su paleta cromática de claroscuros, siempre cálidos y seductores.
El poemario lo conforman “Recuerdos de la guerra”, “Recuerdos de la niñez”, “Recuerdos de juventud”, “Recuerdos de amor y desamor”, “Otros recuerdos” y “Recuerdos de mi padre”. Y al respecto dice en “Nota del lector” que precede a los mismo a modo de explicación: “Las personas en gran parte somos hijas de nuestro pasado, de un pasado que criba el tiempo, de forma que prevalecen los hechos, las situaciones, las circunstancias, las vivencias más importantes, y son ellos los que, fundamentalmente, configuran nuestro ser y nuestro estar, nuestro hacer y nuestro espectar. Así pues, de algún modo, el recuerdo es, además, no sólo presente, sino también futuro. Así pues, mi memoria me ha hecho sentir como siento, ser como soy”. Un rasgo de sinceridad y compromiso con el sentimiento pero, sobre todo, con la historia familiar y sentimental. Ante el Valle de los Caídos sólo puede sentir vacío y terror. Y llanto o estremecimiento de sangre ante las muchas injusticias, ante los muchos crímenes franquistas. Personajes concretos son objeto de sus versos, como Canepa, el violinista fusilado… Escenas de guerra, imágenes concisas, innegables, cerradas, que con la paleta negra convierte en relatos donde la historia se adentra por el profundo dolor de lo humano. Pesadillas, mujeres ejecutadas por hacer propaganda antifascista o personajes que nos enseñaban a decir lo que había que decir y a obedecer lo que había que obedecer porque la libertad era cosa de otros. Pura López Cortés
La infancia es un proyecto, pero también una imagen sólida en sus versos, a través de esta cromática paleta que sobre todo al principio del poemario es sufridamente trágica y negra. Esa España vencedora que nos enseñó a amar el miedo y poseyó nuestra venganza con prohibiciones, disciplina, actos de contrición y monotonía machadiana. El exilio, la emigración, la huida… como conjuro y acaso como conquista o derrota. Juventud bajo la ideología opresiva que nos enseñaba a sacrificar el alma y el cuerpo y a adorar lo amarillento de nuestra historia de vencimientos: “Me dijeron: no leas a Machado,/ Blasco Ibáñez, García Lorca./ -Miguel Hernández silenciado-./ Pecado leer la Biblia./ Había que ir a misa,/ no pensar en el sexo./ Tenías que ignorar el “Comunismo”,/ las “Sectas Protestantes”, el “Existencialismo”... Moral de época bajo el emblema de las medallas y las estrellas en la bocamanga, moral de puertas cerradas y prohibiciones para una época patria.
Pero también el amor, un amor que se sincera y advierte de un creciente erotismo que bucea al unísono con la lírica de la espera, una espera permanente como esa Penélope tejiendo sueños, rumores de voces olvidadas o reconstruidas, “esperando la aurora de tu arribo”. Sí, a la espera de una orfandad de amor que desvelara el secreto de los afectos y las declaraciones amatorias: “Amor, te escribiré cuando ya todos duerman,/ cuando sólo tú existas para mí solamente./ Cuando me quede sólo con tu ausencia elevada/ como un puñal de hielo sobre mi boca triste”. Un amor de ausencia, como en aquellos cancioneros medievales, y un amor hollado, vivido, apasionado en la espera tediosa.
Pero sobre todo Alacena, es la despensa de los sentimientos más cálidos cuando el poema se acerca a los seres queridos, a su madre cercana, a su padre ausente y rememora situaciones, momentos de esa historia personal. A través de un proceso de concentración, el poema se hace sin embargo extenso en los afectos y almidonado y vamos desde la evocación de lugares hasta la organización del mundo que en el sentimiento posee su última razón de ser: “Cuando arribe mi barca cansada a la otra orilla,/ ¿estarás allí, padre, bajo la sombra fresca/ de añosos eucaliptos, envuelto en esa brisa/ seca y recia de pinos que tanto te gustaba?/ ¿Estarás allí, padre, asomado al balcón/ de los Pueblos del Róo, esperando a los tuyos?
Poesía, en fin, para ese corazón que se hace memoria y se adensa en la singladura de historias e imágenes que, como dice Antonina Rodrigo en el prólogo, son una reivindicación de la lucha, en un tiempo doliente, abonado de tristeza, con escaso resquicio para la esperanza, pero también un testimonio de una época, de un sentimiento.

CENTENARIO DE MIGUEL HERNÁNDEZ POR MORALES LOMAS

2010-10-29T03:40:00.000-07:00

Miguel Hernández

Mañana, 30 de octubre, se cumplen cien años del nacimiento de Miguel Hernández, uno de los poetas cuya trascendencia ha llenado todo el siglo XX. Poeta que significó para muchos el culmen del sentimiento y el compromiso, pero también la voluntad técnica de la palabra, su poder como instrumento para cambiar el mundo. A Miguel lo sucederían Blas de Otero, Celaya y tantos otros que han visto siempre al escritor como un individuo comprometido con el momento en que le ha tocado vivir.

Lo que el lector puede leer a continuación es un esbozo, una aproximación de un amplio estudio que busca su espacio editorial en estos momentos. Un anticipo.

Miguel Hernández murió en 1942 y el concepto de compromiso literario por antonomasia, el compromiso sartreano, se construye a partir de 1948, cuando su texto ¿Qué es la literatura? y su teoría sobre la estética de la recepción. Sin embargo, cuando leemos a Sartre, su obra, sus entrevistas y los comentarios en torno a su concepción del compromiso literario, no podemos por menos que recordar que unos años antes el modelo de intelectual comprometido ya había tomado posición en el ámbito de la lírica republicana española gracias, entre otros, a Miguel Hernández.
Desde tiempo inmemorial se ha suscitado la antinomia que ha movido a muchos escritores sobre si el escritor debía hacer frente a su mundo interior y vivir ajeno al exterior o lo contrario. Ya Benedetto Croce había realizado una advertencia ante las veleidades de los intelectuales y su identificación con el statu quo. Los criterios de Sartre sobre el intelectual fueron un punto de inflexión en el mundo, pero los paradigmas (como Miguel Hernández) hacía tiempo que se habían puesto en funcionamiento.
Hay dos elementos inherentes a Hernández que supondrían la esencia del compromiso literario desarrollado más tarde: el conocimiento de una época (la toma de conciencia de la misma, Hernández lo tuvo, sin duda) y su praxis (su actuación en el campo de batalla para llevar a cabo las ideas, amparadas en el caso de Hernández por obras como Viento del pueblo, pero no sólo):

Moriré como el pájaro: cantando,
Penetrado de pluma y entereza,
Sobre la dura claridad de las cosas…

Sartre hablaba así de una suerte de humanismo vinculado al mundo contemporáneo y también de una capacidad crítica no exenta de una actuación política (es decir, social) que debía estar presente en el intelectual comprometido, que se acercaba de este modo al político o, si me apuran, al combatiente, al soldado (tanto como lo fue Miguel Hernández):

Estos tres elementos me parecen indispensables: tomar al hombre, mostrar que está vinculado al mundo en su totalidad, hacerle sentir su propia situación, para que se encuentre en ella, y se encuentre a disgusto, y, al mismo tiempo, darle los elementos de una crítica que pueda facilitarle una toma de conciencia. Eso es, más o menos, lo que puede la literatura, a mí parecer (…) Los grandes escritores de hoy, como Kafka, son igualmente filósofos. Esos escritores-fílósofos que, al mismo tiempo, quieren integrarse en una acción, yo los llamaría intelectuales; quiero decir que no son políticos, pero que son compañeros de viaje de los políticos [1]

En consecuencia, el escritor comprometido debía escribir para sus contemporáneos con ojos presentes y no futuros porque es en la época en la que a cada uno le ha tocado vivir cuando debe mostrar su esencia de escritor y su apelación a las musas. Según Fernando Tazo:

Está claro que Sartre ve el rol del intelectual como un agente que debe plegarse a las clases oprimidas de varias formas, no únicamente desde su denuncia verbal (intelectual clásico); esta representación de intelectual es la del que pone también el cuerpo, la figura del que denuncia, del que devela las formas encubiertas que tiene la clase dominante en tal y cual circunstancia de dar vigencia a su ideología; es, por tanto, una figura intervencionista a todo nivel; resulta evidente, por un lado, como Sartre quiere escapar de esa construcción "cerebral" que se ha hecho del intelectual clásico, para configurar uno que, a raíz de su conciencia desgraciada, se sitúe, volviéndose concreto y activo, solidario con una clase a la que no pertenece (la oprimida), abogado y conscientizador (sic) de las masas, denunciador de injusticias de clase, portavoz de los oprimidos y, sobre todo, alguien que tome la mayor distancia posible de su condición a priori de orgánico al poder, esto es, de su condición de técnico del saber práctico[2].

La conciencia de haber tomado una postura y las razones de esta toma de postura son inherentes al mismo. El objetivo es crear un mundo humano desde esa percepción inicial de la libertad del hombre. Si éste es consciente del valor de la libertad y acepta su trascendencia última implicará una conducta auténtica que asume responsablemente y, por tanto, es partidario de una situación, de una época que debe mostrar, sobre la que tiene y debe influir con su obra a través del compromiso humano (el humanismo) que lleva indefectiblemente a la creación de unos valores sostenidos sobre la solidaridad y la humanidad:

Alegraos por fin los carcomidos,
Los desplomados bajo la tristeza:
Salid de los vivientes ataúdes,
Sacad de entre las piernas la cabeza,
Caen en la alegría como grandes taludes[3].

Por tanto, se debe escribir desde la conciencia de que se está tomando una postura con los más desfavorecidos socialmente (los carcomidos y desplomados del poema). En un diálogo con Semprún decía Sartre:

Pienso que debernos contentarnos con dar esa imagen del mundo a las gentes de esta época, para que puedan reconocerse en ella y que, luego, hagan con ella lo que puedan (…) La literatura tiene una función de realismo, de amplificación, en efecto. Y, además, una función crítica[4].

De todo ello resulta que lo contemplativo debe ser ajeno al sentir del escritor, pues posee una carga de especulación innecesaria. El escritor siempre está comprometido, incluso con sus silencios, pero hay un punto más allá que es la implicación en la gnosis de la toma de postura plena y “consciente”. Así dirá Sartre:

Ya que el escritor no tiene modo alguno de evadirse, queremos que se abrace estrechamente con su época; es su única oportunidad; su época está hecha para él y él está hecho para ella. (…) Ya que actuamos sobre nuestro tiempo por nuestra misma existencia, queremos que esta acción sea voluntaria.

Morales Lomas y Miguel Hernández en su casa de Orihuela
Y esta misma visión de integración en la época y de compromiso absoluto con unos valores precisos sólo puede ser entendido en Miguel Hernández en estos versos tan sonoramente contundentes de “Recoged mi voz”:

Cantando me defiendo
Y defiendo mi pueblo cuando en mi pueblo imprimen
Su herradura de pólvora y estruendo
Los bárbaros del crimen.

La dicotomía está presente y se evidencia en estas palabras, pero a ellas y su espíritu no son ajenas estas otras palabras de su amigo Rodríguez Spiteri:

Capacidad para la reforma que filtra las ideas que tienen vigencia y vivifican al vivir en contacto con los problemas de la propia generación (…) Averigua las direcciones esenciales, al sentir que la realidad sobrepasa a la razón para construir una humanidad viva en su reencarnación[5].

De ello colegimos que Miguel era muy consciente del papel del intelectual ante una situación muy concreta, afirmada contundentemente a través de su obra y de los valores de los que imprimió sus textos, cuya cercanía a los postulados del humanismo que años más tarde afirmaría Sartre son evidentes, pues era sabedor de que el arte se debe centrar en esa plena conmoción del ser humano y debe crear obras de intensa humanidad[6]. En la dedicatoria del libro Viento del pueblo a su amigo Vicente Aleixandre podemos encontrar con meridiana claridad los principios que sostienen su entrega y su función social como intelectual:

Nuestro destino es parar en las manos del pueblo. Sólo esas honradas manos pueden contener lo que la sangre honrada del poeta derrama vibrante. Aquel que se atreve a deshonrar esa sangre, son los traidores asesinos del pueblo y la poesía, y nadie los lavará: en su misma suciedad quedarán cegados (…) Los poetas somos viento del pueblo: nacemos para pasar soplando a través de sus poros y conducir sus ojos y sus sentimientos hacia las cumbres hermosas.

En consecuencia, la lírica de Miguel Hernández se sostiene sobre un compromiso ético y estético, un compromiso con el ser humano en su conjunto, con su humanidad derrotada o excelsa, con la sociedad y sus agravios, sus vencimientos, y con la obra como evolución personal, como portadora de una consistencia precisa y cierta. Una poesía portadora de una humanidad desgarradora que asume la autenticidad de los valores humanos y los hace propios. Dice Pérez Bazo:

Lo que entendemos por humano –es decir, comunicación intimista o interpretativa de lo colectivo- aparece, en efecto, a lo largo de la poesía del alicantino; ahora bien, con distintos grados y matices. Precisamente aun siendo humana en su totalidad –pues trata del hombre- esos grados y matices la estructuran en ciclos –y, por tanto, en núcleos y formulaciones tópicas- en los que dicho rasgo se ciñe al individualismo intimista, o, por el contrario, se incrementa con otros social e ideológico, bien porque éstos condicionan aquél, bien porque lo personal y lo colectivo se reúnen en perfecta simbiosis[7].

Bibliografía
[1] J. Semprún, “Conversación con Jean Paul Sartre”, Cuadernos del Ruedo Ibérico, núm. 3, pp. 78-86.
[2] F. Tazo, “El Sartre marxista y la teoría del compromiso”, [en línea], Dirección URL: <http://www.monografias.com/trabajos28/sartre-marxista-teoria-compromiso/sartre-marxista-teoria-compromiso.shtml#a1> (Consultado el día 12 de mayo de 2010). Y añade: “Aquí, como bien señalará el crítico inglés Terry Eagleton en su obra Una introducción a la teoría literaria (EAGLETON, 1983), se alude directamente a una teoría de la recepción y de la escritura, que recuerda a lo que Iser llamará Lector implícito. En este caso, los lectores implícitos son para Sartre los contemporáneos: un planteo existencialista del aquí y el ahora, de la situación particular, reforzado ahora con tintes marxistas que corrigen sus deslices metafísicos, no podría menos de pretender escribir para su aquí y ahora, para su situación particular, en compromiso para con la única parcela de existencia que le corresponde al ser humano: su tiempo”.
[3] Estos versos pertenecen al poema “Juramento a la alegría” de Viento del pueblo (1937).
[4] Semprún, “Conversación”, op.cit.
[5] C. Rodríguez Spiteri, “Tallo cortado para plantarlo en el alto monte de Miguel Hernández”, en Litoral, núms.. 73-74-75, p. 62.
[6] Es interesante en este sentido su escrito “Hay que ascender las artes hacia donde ordena la guerra” publicado en Nuestra Bandera, número 118, 21 de noviembre de 1937, p. 4.
[7] J. Pérez Bazo, “Síntesis ética y estética de Miguel Hernández: Cancionero y romancero de ausencias”, [en línea], Dirección URL: (Consultado el día 13 de mayo de 2010).